AMOUR ET SEXUALITÉ PASSÉS EN REVUE

Le premier rapport sexuel, le Sida, l’homosexualité, le viol, la maternité précoce, les caresses, l’amour : c’est quoi tout ça ? Réponses théâtrales au cours d’un spectacle qui emprunte ses apparences aux émissions de variétés, au music-hall et à la chanson.

Sur un rythme soutenu de revue de cabaret, la troupe des Mutants et ses trois musiciens visite les éléments principaux de la sexualité à travers une série de tableaux rapides. Le tour d’horizon est assez complet. Il s’attarde sur les premiers émois, la difficulté de communiquer ses sentiments, les affres du rapport physique initial et initiatique, l’apprentissage à faire pour éprouver un plaisir partagé. Il n’élude aucun des aspects d’une question qui taraude les jeunes à un moment de leur existence où ils sont en recherche d’eux-mêmes. 


Théâtraliser un sujet aussi délicat sans choquer, sans verser dans la vulgarité, sans dévier de l’information objective nécessaire tout en évitant l’ennui tenait assurément de la gageure. Le défi est réussi. Grâce une série de trouvailles, chaque séquence trouve son ton assaisonné d’humour. Ainsi les techniques des caresses les plus intimes sont-elles exposées en une savoureuse parodie du guignol traditionnel. Ainsi le viol et sa variante la tournante se métaphorisent-ils au cours d’une séance de saut à la corde à finale poignante.

Sans fausse note

C’est avéré encore à l’occasion d’une mise en garde sur le fardeau d’un accouchement alors que la vie d’adulte est loin d’être commencée. Ce l’est encore par l’usage d’une série de quiz permettant d’au moins effleurer les idées fausses concernant la transmission du Sida, d’apprendre qu’il y a des approbations de la libido dans les textes de chacune des grandes religions.  

L’ensemble est enrobé de paillettes, de chorégraphies enlevées y compris avec des claquettes, de chansons connues ou inédites, de musiques jouées en direct par des interprètes qui n’hésitent pas à intervenir dans le jeu des comédiens, de commentaires à l’intention de la salle. Pas une seconde d’ennui. Pas une fausse note. Pas d’hypocrisie. C’est drôle, dynamique avec, en prime, pour les établissements scolaires et les associations qui le désirent, des animations en suivi des représentations.



Ça
Texte et mise en scène : Pierre Richards 
Distribution : Martine Godart, Fanny Hanciaux, Nicola Testa 
Musiciens : Patrick Joniaux, Michel Mainil, Stefan Orins
Scénographie et costumes : Zouzou Leyens 
Chorégraphie : Fanny Roy, Fanny Hanciaux
Décor sonore : Eloi Baudimont 
Éclairages : Alain Collet 

Production : Cie des Mutants (La Louvière) (www.mutants.be )

Durée : 1h
Public : dès 13 ans

Photo  © Véronique Vercheval 

COUP DE COEUR RUEDUTHEATRE

GENÈSE DE LA VIOLENCE

Deux jumeaux, surnommés la « Crapule » et le « Débile », incendient plusieurs lieux du village. Comment en sont-ils arrivés là ? La réponse est donnée par le flash back qui repart au moment de leur naissance et raconte la vie d’une famille besogneuse rejetée, ridiculisée, dénigrée par la communauté.

L’adhésion du spectateur est acquise dès les premières répliques. D’abord, parce que le duo gémellaire est incarné par des comédiens habités par leurs rôles. Ensuite parce que la scénographie et la mise en scène tirent parti de tous les éléments afin de les transformer en signes scéniques d’évidences. Il s’agit pour les héros de jouer leurs emplois tout en donnant vie aux innombrables partenaires marionnettes expressives qui les entourent.


Cela crée un climat de distanciation grâce auquel la pièce passe sans transitions du rire de la farce à l’émotion prenante du drame. La caricature est drôle, juste, fine. Le tragique de certaines situations est bouleversant. L’humiliation paternelle par les stupides et cruels compétiteurs de chants de coq, la mort du père, la torture infligée en classe à un des gamins par un petit caïd de village… sont des séquences qui touchent à cœur.

Le décor à métamorphoses constantes, réalisées à vue par une manipulatrice intégrée au jeu, est un personnage à lui seul. Il intègre la bourgade, le café, l’usine, l’école, les terrains vagues… Il rythme les actions leur insufflant une dynamique à une œuvre qui cerne l’humain dans ses dimensions monstrueuses autant que profondément généreuses, qui démonte des mécanismes sociaux et économiques broyeurs des faibles.

L’attention est éveillée grâce à une foule de trouvailles sans cesse renouvelées qui renforcent la clarté du propos, l’épaisseur psychologique ou sociale des figurants. Le plaisir théâtral est sans faille. On sort de la représentation ébloui, ému, interpellé. Les Ateliers de la Colline ont réussi un travail exemplaire tant au niveau de la forme qu’à celui du fond.  Bravo !

 

Tête à claques
Texte et mise en scène : Jean Lambert 
Distribution : Quantin Meert, François Sauveur, Vanessa Lequeux 
Poupées et univers graphique : Dominique Renard 
Réalisation scénographique : Daniel Lesage, Saher Emran
Maquillages et nez : Dominique : Brévers 
Impression sur toile :Vincent Vervinckt 
Éclairages : Zénon Doryn 
Univers sonore : Mathieu Lesage
Partitions originales : Aurélie Dorzée, Tom Theuns 


Production : Ateliers de la Colline (Seraing) (www.actc.be)/Théâtre de la Place (Liège)

LA TRADITION DU HAPPY END

Elle est professeur de musique. Lui est son élève. Elle est divorcée avec un enfant. Il ne le sait pas. Il est divorcé avec un enfant. Elle n’en sait rien. Comme il est amoureux d’elle et qu’elle est attirée vers lui, que peut-il donc bien se passer ?

Ce schéma de départ induit forcément les quiproquos classiques qui mènent à ces scènes de dépit amoureux dont la comédie traditionnelle s’est nourrie depuis quelques siècles. À partir du moment où chacun imagine les pensées et les intentions d’autrui en fonction de ses désirs ou de ses obsessions personnelles, le décalage se creuse entre la matérialité d’un comportement et son interprétation. Ce décalage –- de même que l’écart existant entre ce qu’on est et ce qu’on veut paraître  - reste un des moteurs du rire.


Sur cette mécanique a été travaillée le divertissement gentil de la compagnie de l’Anneau. Bertrand Kahn y est parfait pour jouer les timides maladroits quoique pétri de bonne volonté, les apprentis chanteurs juste un peu à côté de la note juste. Julie Nayer est crédible en femme pressée, stressée, bousculée s’efforçant d’enseigner la sérénité à ses élèves.

La mécanique imparable des oppositions fonctionne parfaitement dans un décor sans surprise. Pourquoi dès lors la réalisatrice du spectacle s’est-elle efforcée d’y introduire une note de fantastique en surajoutant un délire fantasmatique qui mène Anna la pianiste à incarner Anna Karénine pour un Félix emberlificoté entre les cordes et les marteaux à l’intérieur de son instrument ? Si c’est pour le spectaculaire, c’est gagné. Si c’est pour enrichir la psychologie des protagonistes, c’est plutôt superflu.

La pièce demeure donc dans les limites bien sages de la tradition bien appliquée, y compris dans sa conclusion très morale de la recomposition logique d’une nouvelle famille. C’est évident, le titre de l’œuvre n’aurait pas pu être « Où est passé Xenakis ? »



Où est passé Mozart ?
Texte et mise en scène : Ariane Buhbinder
Distribution : Julie Nayer, Bertrand Kahn 
Scénographie, costumes et accessoires : Emilie Cottam 
Décor sonore : Marie-Sophie Talbot
Lumières : Benoît Lavalard

Production : L’Anneau Théâtre (Bruxelles)

Durée : 50’
Public : de 8 à 12 ans

Photo © Valérie Burton

COUP DE COEUR RUEDUTHEATRE

UNE SYMBOLIQUE DE LA VIE

Tout au long d’un ballet à l’esthétique rigoureuse, inventive et porteuse de sens, Félicette Chazerand met sur scène une perception du monde issue du végétal. Sur un sol blanc, des éléments végétaux sont dispersés selon l’esprit du plasticien Bob Verschueren. Un duo de danseurs explore le temps, de la graine à la floraison, du tronc aux bourgeons, de la vie à la mort.

La symbolique de l’arbre est richissime. Ses usages sont infinis. Il est source de chaleur, de protection, de nourriture. Il sert de clôture ou de paroi, de mobilier ou d’emballage. Il est instrument musical et matière même du papier. Il se laisse sculpter pour une naissance de statue, voire pour une arme meurtrière. La danse redit cette multiplicité, transposée dans la chair et les membres des interprètes Anne-Cécile Chane-Tune et Roger Vinas Lopez.


À l’origine, le bruit du bois qui craque, de la goutte d’eau qui tombe. À l’origine, des rameaux qui se ramifient. À l’origine, un territoire vierge qu’il faudra habiter, partager avec d’autres, gérer au mieux des intérêts de la nature et des habitants. C’est d’une certaine façon l’histoire du monde qui se lit à travers les images superbes nées des corps, de leurs mouvements, de leurs rencontres.  

Au sein de l’univers végétal, les êtres apprennent la patience, l’équilibre, la légèreté, la présence. Ils perçoivent que les éléments sont prolongement de soi, adjuvants de soi, métaphores de soi. Que l’agressif appartient au vital mais qu’il convient de lui associer la tendresse, la sensualité. Que le jeu est créatif, récréatif, source de forces ravivées. Que tout corps a besoin d’un espace où s’épanouir. Que le monde d’abord doit être contemplé.

L’épilogue vire plutôt du côté de l’anecdotique à cause d’ombres chinoises devenues soudain réalistes. Il ternit un rien une recherche plastique cohérente qui aboutit à la réalisation projetée d’un dessin en gestation, conçu à la manière dont Hartung peignait à la fin de son existence : en appliquant sur toile des branchettes trempées dans l’encre.


À l’ombre des arbres
Concept et chorégraphie : Félicette Chazerand,
Scénographie : Félicette Chazerand 
Interprétation  Anne-Cécile Chane-Tune, Roger Vinas-Lopez
Dessin : Mira Vanden Bosch
Film vidéo : Marc Cerfontaine
Costumes : Marie Kersten 
Musique : Olivier Richard 
Addition musicale : Bob Verschueren 
Montage sonore : Jean-Luc Straunard (Media Animation)
Éclairages : Nathalie Borlée 
Réalisation écran : Micheline Van Houtte, Pierrick Odaert  Regard  Bob Verschueren 

Production : Cie Felicette Chazerand (Bruxelles)/Parcours asbl/Théâtre de la Balsamine

Durée : 50’
Public : de 5 à 16 ans

UNE PETITE MUSIQUE DE VIE

Un petit bijou esthétique en rouge et blanc pour associer les jeux, la lecture et la musique auprès des plus petits. Une réussite impeccable où la tendresse est sans cesse présente, palpable, communicative, où tout est retenue et délicatesse.

Le sol est rouge, le sable immaculé. Le livre est écarlate, ses pages sont blanches. La violoncelliste et la danseuse sont en blanc-rouge ou en rouge-blanc. Les tasses qui serviront à la dînette sont de porcelaine bicolore. Les lampadaires sont fleuris de blancheur. Tout est à l’avenant : du pur et du passionné.


L’harmonie domine dans les gestes, les sons, les relations. Même si, par bonheur, le spectacle ne gomme pas les petites pulsions querelleuses qui habitent chacun et surgissent par instants dans le feu du jeu, dans l’excitation d’une certaine compétition à vouloir en faire davantage pour épater ou s’imposer à l’autre.

Les sonorités de la langue, italienne puis française, bercent les oreilles avant de devenir historiette simple. Les sons de la musique ont d’abord été des sifflements et des pépiements d’oiseaux dans les bouches avant de s’épanouir sous l’archet du violoncelle. Les gestes ont commencé dans le concret des actions ludiques ou ordinaires avant de prendre un envol plastique à travers les chorégraphies.

Nous sommes plongés dans l’intemporel. Nous sommes en enfance sereine et curieuse, frondeuse et rieuse. Nous sommes en apprentissage du beau. Nous ressortirons plus neufs. Lavés des inconvénients du quotidien. Et nous aurons, en douceur, le rappel d’un retour à la réalité. Car, à la fin, après avoir jeté du sable, y avoir dessiné avec pieds et mains, en avoir mis partout, il faudra bien balayer. Mais ce sera avec des ramassettes, des brosses rouge et blanc.



Texte : Création collective
Mise en scène : Charlotte Fallon 
Interprétation : Shaula Cambazzu (danseuse), Fabienne van den Driessche (violoncelliste)
Composition : Benjamin Eppe, Fabienne Van Den Driessche 
Chorégraphie : Shaula Cambazzu
Scénographie : Elisabeth Schnell 
Lumière : Frédéric Houtteman 


Production : Théâtre de la Guimbarde (Charleroi) (www.laguimbarde.be )

Durée : 45’
Public : de 1 an _ à 4 ans