ERRANCES ROYALES

Après la Vie de Galilée de Brecht et La Mort de Danton de Büchner, Jean-François Sivadier s’attaque à la tragédie shakespearienne. Avec ambition et difficultés.

Sur le plateau, Jean-François Sivadier se promène. Il sert des pinces, donne des accolades, lance des signes de connivence à ses acteurs. Les acteurs, eux, regardent les spectateurs s’installer. Une fois n’est pas coutume : c’est nous qui sommes les premiers observés. Le spectacle a déjà commencé sans même qu’on le sache, la première réplique perce le brouhaha de la salle et ça y est, nous sommes les sujets du Roi Lear. Il pénètre l’espace, traverse la scène d’une traite, bondit dans la foule. Lear est éclatant, superbe, dans la force de l’âge. Il a atteint une force sereine telle que, pour lui, il n’est plus nécessaire de régner. Il lâche la force pour la seule sérénité. Mais Lear ne se défait pas si facilement de sa peau d’animal politique. Sans la couronne ni le sceptre, il n’est plus rien. Ou plutôt, il devient homme, lui qui n’a jamais été que Roi. « Qui est celui qui me dira qui je suis ? » est la question récurrente qui traverse toute la pièce. Il faudra l’abandon, la folie, la tempête, le sacrifice de sa fille la plus tendre, la mort enfin pour que Lear puisse enfin lâcher la parole politique pour le silence des mortels. Troquer enfin son costume d’acteur pour devenir un spectateur du monde qui l’entoure.


La mise en scène de Jean-François Sivadier épouse la trajectoire de Lear et son expérience du doute. La première scène, triomphale, laisse exploser la puissance du vieux lion. Nicolas Bouchaud rugit, grogne, râle et finalement son pouvoir l’emporte sur sa lucidité. Il bannit sa fille, la sincère Cornélia, d’un revers de manche royale. Puis la suprématie de Lear s’effiloche, son influence se délite. Le désordre succède à l’ordre. Le plateau se craquelle, la surface de la terre devient un chaotique miroir de l’âme de Lear. Lear, lui, tâtonne dans le noir. Repoussé par ses filles, il s’accroche désespérément à ceux qui ne sont rien, comme lui. Le fou, puis après lui le mendiant. Surtout il connaît l’épreuve de la solitude : seul, ni roi, ni père, il peut enfin se reconnaître.

Quand le Roi Lear s’égare

Mais le long de l’errance de Lear, le spectacle se perd également. Après un départ tonitruant, durant lequel Sivadier embarque lestement les spectateurs, la mise en scène s’égare, les contrastes se brouillent. Lear côtoie la folie, l’étreint à s’y fondre lui-même. Dans le même mouvement, la pièce se dilue. On sent bien que le metteur en scène et son principal comédien ne savent plus trop où ils mettent les pieds. Le délire de Nicolas Bouchaud devient pénible. Pénible car sans ligne directrice.

Pourtant il y a de beaux moments. Il y a cette scène d’ouverture, où Sivadier donne à voir du théâtre, alors que tant de metteurs en scène du In avignonnais préfèrent l’intime et les micros. Là, il y a des corps, des voix, de l’action. Il y a également ce duo tragique et burlesque entre Lear et son fou, entre Nicolas Bouchaud et Norah Krief. L’un et l’autre s’étripent et s’épaulent. Le fou fonctionne comme révélateur photographique du roi. Et ça marche. Là, aussi, la parole et le geste ont un sens.

Apparemment Jean-François Sivadier s’est laissé dépasser par le texte shakespearien. Il semble avoir contracté le mal du Roi Lear. Il n’a pas su ou pas pu faire de choix. Pourtant celui de faire un Roi Lear, appuyé sur sa béquille grotesque, accolé de son double bouffon, semble l’avoir inspiré. Ces séquences sont les plus réussies. Au final, elles font oublier au spectateur les écueils du spectacle. Avec ce tandem, Jean-François Sivadier se dégage complètement du doute de son sujet. Son Roi Lear devient alors l’un des spectacles les plus généreux d’Avignon.


Le Roi Lear,
Dans le festival du In, dans la cour d’honneur du Palais des Papes.
A voir à la rentrée au théâtre des Amandiers à Nanterre.

Photo © Ch. Raynaud de Lage

QUAND LES VALEURS FURENT SAPÉES

Utilisant la correspondance échangée par trois militants italiens, Jean-Pierre Vincent met sur scène les interrogations que se sont posées  ou que se posent encore ceux qui avaient mis leur foi dans des valeurs d’équité, de solidarité et de bien-être social.

Une phrase leitmotiv revient dans le film « Petites coupures » de Pascal Bonitzer : « Comment peut-il encore être communiste aujourd’hui ? ». Après les révélations successives des dérives tyranniques et sanglantes des régimes socialistes durant 50 ans, après la chute du mur de Berlin, c’est évidemment une question pertinente.


À travers les lettres du trio italien apparaissent les interrogations qu’il faudrait que la gauche tout entière puisse lucidement formuler : d’où sont venues les erreurs commises ? Qui croyait vraiment en la révolution ? Y a-t-il encore des potentialités pour redistribuer les richesses et partager les pouvoirs ? La communauté va-t-elle disparaître au profit de l’individualisme ? Quel avenir pour une société moins discriminante ?

Ce sont des réflexions ardues. Elles ont la limpidité de la sincérité. Elles touchent car elles s’avèrent fondamentales dans une société où « les besoins des hommes et des femmes ne comptent pour rien » tandis que la puissance technologique surpasse la puissance politique. Elles mettent en lumière les doutes, les tâtonnements, les certitudes fondamentales. Elles démontrent la difficulté à être cohérent lorsqu’on est confronté à la réalité, de se situer « entre le possible et l’échec ». Elles constatent le glissement du progressisme vers le conservatisme alors que désormais ce n’est plus le travail qui donne à l’homme une identité.

Les spectacles composés de littérature épistolaire induisent souvent le spectateur à se demander s’il s’agit bien de théâtre. Dans ce cas-ci, c’est une évidence. Sans doute grâce au parti pris de simplicité dépouillée de Jean-Pierre Vincent. Mais surtout à cause de la présence éclatante de trois comédiens qui jouent leur texte avec une justesse, une conviction, une humilité étincelantes.


Texte : Vittorio Foa, Miriam Mafai, Alfredo Reichlin (éd. L’Arche)
Mise en scène et adaptation : Jean-Pierre Vincent
Distribution : Gilles David, Melania Giglio, Charlie Nelson
Dramaturgie : Bernard Chartreux
Lumière : Alain Poisson
Production : Festival d’Avignon

En la salle de Champfleury du 8 au 16 juillet à 18h - Avignon IN 2007

Photo © Christophe Raynaud de Lage

RITUEL POÉTIQUE DE L'ENNUI

Selon Raimund Hoghe, 36 avenue Georges Mandel, est, comme son nom est censé l’indiquer, un hommage à Maria Callas. Dans le style typique du danseur-chorégraphe, cette proposition est en fait un hommage qu’il se rend.

Le cadre de la chapelle des Pénitents Blancs est admirable. La scène contre le mur mutilé à dominante de marron clair se coule dans l’espace comme un des éléments du décor. Cette composition scénique simple et cohérente se prolonge par le corps déformé de Raimund Hoghe, qui apparaît dormant sous une couverture, que de loin on sait rêche, couleur de mur aux croix rouges allusives.


Après le préambule accompli par une autre présence à peine vue qui vient délimiter de liquide transparent à peine visible, les objets de la scène déjà posés sur scène, on entre dans le monde de Hoghe que délimite à son tour le geste ritualisé par la répétition, répété sur la voix admirable de la Callas dont certains airs majeurs reviennent plusieurs fois. Un geste. Un air chanté. Le geste répété quatre fois au long de l’air chanté. C’est par cette structure d’une simplicité extrême que tient ce spectacle d’une heure et demi, créant un véritable temps et espace poétiques de l’ennui. Car on s’ennuie doucement tout en se sentant protégé dans un monde bien hermétique, on s’évade, on fait autre chose, un papier, on le lit, heureux, satisfaits et calmés par la beauté des chants de la Callas, intrigués par les gestes répétés du danseurs qui nous ravissent de temps en temps quelques secondes d’attention, avant de repartir vers une autre rêverie.

Bien que déterminante pour pouvoir supporter cette mise en scène mégalomaniaque, la présence de la Callas semble artificielle. Le rapport entre le mendiant, isolé travesti que la ritualisation des gestes empêche de sombrer dans la folie et la Callas est mystérieux. La Callas est présente comme une voix, une illustration, un accompagnement. Elle n’a pas le premier rôle que Hoghe en fait garde jalousement, malgré la sujétion idolâtre qu’il exhibe, quand, au salut, il pose à ses pieds, c'est-à-dire à nos regards, un disque de la cantatrice surmonté d’un lys blanc. Il ne nous trompera pas. La Callas n’est qu’une excuse à sa propre mise en scène, lui le danseur seul, dansant le corps marginalisé de la société, lui justement ce corps blessé, bossu, petit et laid, qui danse devant le mur mutilé. Si Hoghe efface toutes les présences même en les faisant apparaître, la voix de la Callas, trace manipulée du fantôme abusé, permet pourtant d’habiller de beauté la mégalomanie, et nous évite de mourir d’ennui.


36, avenue Georges Mandel, Chapelle des Pénitents Blancs, à 19h30 jusqu’au 25 juillet
Conception, chorégraphie et danse : Raimund Hoghe
Danseur invité : Emmanuel Eggermont
Musique : Maria Callas

Approche de l’idée de méfiance est la deuxième œuvre de Rodrigo García proposée au IN. C’est peut-être ce qui explique qu’elle ne soit qu’une simple ébauche. 

Dans ce travail se trouvent tous les ingrédients des propositions de Rodrigo García, ces événements essentiels qui nous convainquent progressivement de changer de vie. Mais, Approche de l’idée de méfiance n’est vraiment pas ce qui nous mènera à la rupture.


Car cette œuvre laisse une sensation d’inachevé et dénote d’un manque évident d’approfondissement. Comme si en l’espace de quelques jours, il lui avait fallu inventer quelque chose de nouveau. Alors, il aurait décidé que ses acteurs n’allaient quasiment pas ouvrir la bouche et qu’un texte allait défiler sur un immense écran, où parfois serait projetée l’image d’une partie du public filmée par une caméra ; elle-même fixée sur la carapace d’une tortue immergée dans un aquarium à droite de la scène. Or ce dispositif d’accumulation de choses improbables entre en contradiction avec sa volonté de dénoncer en les démantelant les désirs vains, fruits de la société de consommation.

Les acteurs à moitiés nus (on est bien dans le IN) sont cernés et aspergés de lait, mouillés par un jet d’eau puissant, souillés de colle, victimes d’une force extérieure et molle, sans transcendance, force d’inertie du monde de tous les jours qui laisse sans voix les corps soumis.

La voix de cette scène est donc ce texte à la 1ère personne qui a perdu l’envie de poser des bombes et qui vocifère le mot « renoncement » à chaque coin de paragraphe. Mais entre le texte, - la voix -, et les acteurs - ces corps sans voix -, peu de rapport. Car ils sont deux déroulements, plats et apathiques, d’états suspendus dans leur nullité qui ne se répondent pas, deux exhibitions, ni conciliables, ni profondes. Les phrases sont une succession de mots intéressants, mais anecdotiques, circonstanciels, qui n’ont pas encore la force de l’exemple. La réflexion nouvelle sur la souffrance, ses marques et le mystère comme éléments nécessaires pour que la vie soit réelle, que l’homme soit homme, ne trouve pas une illustration scénique satisfaisante et la pensée encore trop immature oblige l’auteur à conclure avec l’aide de ses habituels démons, ici bancals, Donuts et Walt Disney.

Ce travail, mal agencé et superficiel, se vit comme un faux pas, une contradiction passagère et remédiable quoique décevante, sur le chemin initiatique que construit García pour nous conduire au refus de ce monde. Comme s’il avait lui-même renoncé, acceptant de faire ce qu’il savait n’être pas encore prêt, cédant au temps du spectacle.      


Approche de l’idée de méfiance, à 22 heures jusqu’au 25 juillet, à l’église des Célestins
Texte, scénographie et conception : Rodrigo García
Interprètes : Juanjo de la Jara, Agnés Mateus, Jean-Benoît Ugeux.

Photo © Christophe Raynaud de Lage/festival d'Avignon

PARODIE INUTILE

Cette proposition du groupe Superamas est une lourde et inutile imitation des clichés mièvres et idiots ainsi que des débordements sexuels d’une société nord-américaine nauséabonde et saturée.

On n’en avait vraiment pas besoin ! Si L'on était présent dans cette salle, c’était croyant y échapper ou parce que justement tous les jours on essaie d’y échapper à cet imaginaire édulcoré rose bonbon, parfumé bons sentiments niais qui dégénèrent en un érotisme mou et laid, résultat de simples mécanismes d’approche absolument banalisés et donnant naissance à des orgasmes automatiques. On fait tout pour connaître la vie, la retrouver, la vivre et on va au théâtre pour renouveler les émotions et les images, et être plus près de la vie.L’imitation en est précisément aux antipodes.


Une chanteuse qui pleurniche une chanson d’amour, un groupe hard rock misogyne dont toute la provocation tient dans les cris, une discothèque où a lieu un concours de danse, trois femmes jeunes, belles et superficielles qui font de leurs profs de sport leurs amants d’une fois et la projection d’une séance de bio-danza, danse ridicule et sexuelle, sont les épisodes narratifs de ce travail.
L’idiotie, l’ensemble des relations sociales résumé à la seule relation sexuelle, le manichéisme, l’optimisme et le bonheur feints comme valeurs, la compétition, les avatars de justice et les bons sentiments en tout genre, le spectacle et la mode, la superficialité, sont moqués, mais c’est tout.

Certes l’imitation proposée par Superamas est relativement complexe et joue sur les notions de réalité et de spectacle – les voix des acteurs qui chantent au début s’éteignent progressivement au profit des voix des pops stars enregistrées. On ne sait pas si c’est l’imitation de scènes de vie représentées comme scènes de films et rejouées plusieurs fois, ou celle de véritables scènes de films desquelles des hordes d’américains se seraient inspirés pour vivre, ou si l'on est simplement sur le plateau d’une série télévisée, puisque les acteurs jouent sur leurs voix enregistrées. Qui est plus réel, le spectacle ou la réalité ? Qui était là avant ? Il n’y a, dans cette imitation, rien de plus que cette question posée.

Ce spectacle, dont l’exécution est au demeurant excellente, ne casse rien, ne menace rien et oblige à entrer dans un imaginaire que seul le refus de connaître menaçait.


Big 3rd Episode : Gymanse Aubanel, à 18 heures jusqu'au 21 juillet 2007.

Mise en scène: Superamas
Avec : Alix Eynaudi, SUsi Wisiak, Agata Maszkiewicz et Superamas
Voix de doublage: Susanne Bentley, Allen Brownes, Tim Crouch, Alexis Destoop, Ted Fletcher, Marianne Groves, Jennifer Lacey, Andors Zinsbrowne

Photo © Ch. Raynaud de Lage/festival d'Avignon