COUP DE COEUR RUEDUTHEATRE

TCHEKHOV EN PANORAMIQUE

Le théâtre de l'Unité monte une pièce du répertoire russe, Oncle Vania et en propose une lecture en panoramique. Profondément vivifiant, terriblement vivant, à l’image de ce festival dans le Festival qu’est « Villeneuve en scène ».

Oncle Vania, c'est l'histoire de ce dernier et de sa nièce Sonia, dont la vie paisible à la campagne est troublée par le vieux professeur Sérébriakov – père de Sonia – et sa nouvelle épouse Eléna. L'arrivée du couple bouscule le quotidien, la jeune Eléna cristallisant bientôt toutes les attentions. Avec l'Unité, l'immersion débute avant même le début du spectacle : les comédiens jalonnent le parcours menant aux gradins, et, interpellant le public, chacun confie 'sa' vision d'Oncle Vania. Après un ultime rite d'accueil à la Russe, on s'assoit la tête déjà pleine d'interprétations – d'images -, pressé de pouvoir se créer la sienne. Surprenant prologue? Venant du théâtre de l'Unité, pas tant que ça... Fidèle à son proverbe ''le théâtre de l'unité c'est toujours autre chose!'', la compagnie de théâtre de rue menée par Jacques Livchine et Hervée de Lafond propose SA lecture d'Oncle Vania. La pièce étant initialement sous-titrée ''scènes de la vie à la campagne'', elle sera donc jouée en pleine nature. Soit dans un pré, avec pour tout décor quelques chaises, tables, bottes de foin et surtout, la géographie du lieu. Un espace de jeu complètement inhabituel, qui, utilisé à son plein escient participe de la réussite de l'ensemble. Dans le pré reconverti en théâtre de verdure, le regard ne suffit pas pour embrasser la scène et on assiste à une histoire en panoramique, ou tout est remis en jeu au gré du temps.


 
Théâtre champêtre aux racines populaires

Si l'Unité respecte le propos de Tchékhov, il ne le sacralise pas pour autant, et le spectacle mêle à la pièce et aux didascalies – dont la lecture en décalage avec l'action participe d'un effet comique – des confidences d'Olga, la femme du dramaturge. Olga intervient régulièrement, donnant éléments biographiques, littéraires ou historiques. Elle assure ainsi un rôle de passeur et la pièce qui pourrait sembler lointaine de par son contexte ne demeure pas inaccessible. L'idée permet, au contraire, d'embarquer le plus grand nombre dans cette fresque au charme indéniable.



Car si Oncle Vania à la campagne n'est pas de ces pièces ''parfaites'', accomplies dans tous ses aspects de jeu ou dramaturgiques, ses qualités se trouvent ailleurs. Dans la simplicité dominante de la forme. Dans l'atypisme assumé de l'espace de jeu. Dans le rapport direct à l'œuvre, sans penchant pour une sacralisation. Dans l'humour décalé et léger. Et – surtout ? - dans la présence d'une troupe. C'est bien là, dans la communauté formée par les dix-huit comédiens que réside l'une des lignes de force de la création. La troupe à la vitalité visible nous renvoie un véritable plaisir à jouer – et donc à transmettre - ensemble. Sur l'immense scène, en dépit de quelques bourrasques, la transmission du texte se fait limpide. La pièce devient alors, mine de rien, un lieu d'échanges où les générations et les convictions se croisent. Et peut-être est-ce cela, cet ''autre chose'' de l'Unité : ouvrir une brèche dans la représentation, pour propager au-delà du texte un attachement au théâtre et à ses possibilités. Une épopée qu'on prend un vif plaisir à partager avec la compagnie, pendant, et après la représentation. Autour d'agapes russes, évidemment...



Oncle Vania à la campagne
Auteur : Anton Tchekhov
Mise en scène : Hervée de Lafond et Jacques Livchine
Traduction : Jacques Livchine
Régie : David Mossé
Interprètes : Max Bouvard, Philippe Coulon, Emilie Debard, Hervée de Lafond, Marcel Djondo, Catherine Fornal, Alix Guet ou Vincent Rappoport, Zita Guet ou Gaïa Chabanier, Gill Herde, Panxo Jimenez, Jacques Livchine, Valérie Moureaux, Gaetan Noussouglo, Natalia Wolkowinski, Aurélien Pergolesi, Claudine Schwarzentruber ou Nathalie Mielle, Marie-Leïla Sekri.

Aide à la création du Ministère de la Culture - DMDTS, DRAC et de l'ADAMI. Coproduit par l'Abattoir, Centre National de Production pour les Arts de la Rue - Ville de Chalon-sur-Saone. Aide à la diffusion Région Franche-Comté. Compagnie hébergée par la ville d’Audincourt.

Du 6 au 21 juillet, 20h, Villeneuve-en-Scène
Plein air
Tout public

Réactions du public:

« C'était super, je n'avais jamais vu Tchekhov monté de cette façon, ça change du poussiéreux! »
Stéphane, 32 ans, projectionniste

« On rit et en même temps c'est très intelligent, super chouette »
Emilie, 23 ans, étudiante


Photo © DR

UN PUR MASSACRE

On ne devrait même pas associer le nom de Fabrice Melquiot à ce spectacle, de peur que ceux qui le découvriraient avec Kids, Paroles d’enfants dans la guerre ne se détournent à jamais de l’auteur dont la pièce Kids est ici croisée avec des témoignages recueillis dans le livre de Zlata Filipovic Paroles d’enfants dans la guerre. Intéressant, a priori, sauf que le spectacle que nous propose la Parlotte n’est jamais à la hauteur des attentes qu’il aurait pu susciter.

En pénétrant dans la salle, sur le mur du fond, on peut lire SARAJEVO tagué en couleurs sur du papier peint blanc. Sans doute une habile façon d’informer le public du lieu où se déroule l’action ? Sur la scène, jonchée ça et là de coussins, traîne un synthétiseur peint en blanc qui servira à jouer quelques intermèdes musicaux tandis que, tapis dans un coin, un guitariste et son ampli nous réservent quelques vieux accords…

Ces quelques éléments de scénographie découverts laissent augurer du pire. Promesses tenues. Dès les premières répliques, dans le public des têtes se retournent, les moues qui se lisent sur les visages laissent deviner le cheminement du questionnement intérieur : Où sommes-nous ? Est-ce la représentation de fin d’année du groupe d’option théâtre d’une classe de terminale ?  Les jeunes comédiens sont censés interpréter une bande d’orphelins de guerre rassemblés par un même drame : la perte de leurs parents. Ensemble ils tenteront de survivre et leur unité permettra à chacun d’envisager un avenir meilleur après la guerre.

Un sujet a priori touchant sauf qu’à aucun moment, ni leur jeu, ni la scénographie ne permet à cette mise en scène peu subtile de passer pour autre chose qu’un « atelier théâtre». Un seul exemple : pour figurer un retour dans le passé ou un changement de lieu,  une jeune fille de blanc vêtue et grossièrement maquillée (comme dans un vieux clip de Mylène Farmer) se contente d’apparaître et d’annoncer dans son microphone-casque « et le temps glisse en arrière…. ». A quoi bon faire preuve d’imagination quand on peut se payer un microphone-casque ? C’est ce qu’a dû se dire Philippe Lejour…

Copie à revoir
 
« Et le temps glisse en arrière… »  Ah quel petit veinard ce temps ! Comme on aimerait bien l’imiter, se glisser hors de cette salle, revenir en arrière et n’y être jamais rentré pour ne pas avoir perdu le nôtre. « Et le temps glisse en avant… » C’est ça ! Oui,  qu’il glisse vite, très vite, qu’on en finisse et qu’on en parle plus si ce n’est pour avertir l’assistance de ce qui l’attend. Voilà ce que l’on se dit  tout le temps que dure le supplice. S’il est vrai que les ennemis de nos ennemis sont nos amis, exhortez donc tous ceux qui vous ennuient à aller voir cette mise en scène que votre ami Philippe ferait mieux de revoir avant la prochaine représentation.   



Kids, Paroles d’enfants dans la guerre
La parlotte

Espace Saint Martial du 21 juillet au 1er août
8 rue Pétramale
Réservations: 04 90 25 96 05

Texte :
Fabrice Melquiot pour  Kids
Zlata Filipovic  pour Paroles d’enfants dans la guerre.

Mise en scène : Philippe Lejour

Avec Maxime Collin, Léaud Le Bacq, Lucie BIN, Lucile Cracco, Mélanie Itoumaine, Charlotte Poillion, Manon Czermak, Agathe Magy, Juliette Lejour, Joël Le Bacq

Guitare : Joël Le Bacq

Réactions du public :

« Pour des jeunes amateurs, c’est beau d’être à Avignon. »
Aurore, 40 ans

« Le remboursement doit être fait avec des excuses, c’est un massacre total. »
Raïssa,  professionnel du théâtre

MOLIERE A CENT A L’HEURE

Drôle, divertissante et ingénieuse adaptation d’un texte de Molière. Les comédiens sont, sans exception, excellents, mais la folie qui règne dans cette pièce étourdit parfois un peu trop.

Monsieur de Pourceaugnac est riche, cultivé mais naïf, bien mis mais, horreur, il vient de Limoges. Quand ce noble provincial vient à Paris épouser cette Julie qu’on lui a promis, Eraste, l’amant, aidé de Sbrigani et Nérine, deux domestiques fourbes, décide de plumer le pigeon et de le renvoyer à son beau pays sans argent ni épouse… ni honneur.

Cette pièce de Molière est une comédie, certes, mais d’une telle férocité qu’on ne sait jamais s’il faut en rire ou en pleurer. Les deux sans doute car le texte nous indique que les uns sont bêtes et les autres méchants et qu’aucun ne mérite l’absolution ni la condamnation, du moins sans circonstances atténuantes.

Cette variation tragi-comique sur le thème du provincial qui « monte » à Paris est ici créée sur un mode résolument moderne par la metteur en scène, Isabelle Starkier. Le personnage de Monsieur de Pourceaugnac est interprété par un comédien noir, Christian Julien, très appliqué. Ainsi la crainte du provincial se teinte-t-elle de racisme aggravé. Il y a aussi ces costumes, qui reprennent les modes contemporaines, ces gestuelles un peu fourre-tout, qui mêlent la farce au burlesque et le burlesque au trivial, cette hyperactivité continue et ces bruitages discordants.

Isabelle Stark réussit en partie son pari de faire du neuf avec du vieux, lors de morceaux de bravoure comme le monologue du médecin déjanté ou dans sa création d’une galerie de personnages toujours plus fous. Elle est aidée en cela par le dynamisme des comédiens, Stéphane Miquel en tête, qui passent d’un personnage grotesque à un autre aussi naturellement que les caméléons changent d’apparence.
Mais cette folie qui assaille le spectateur est aussi la limite de la pièce. Molière n’est-il pas assez mordant pour qu’il ne soit pas nécessaire de mordre toujours plus fort ?


Monsieur de Pourceaugnac  De Molière
Jusqu’au 2 août à l’espace Alya à 16h15
Mise en scène d’Isabelle Stark
Musique d’Amnon Benham
Costumes et masques d’Anne Bothuon
Décors de Jean-Pierre Benzekri
Lumière de Tanguy Gauchet
Avec : Christian Julien, Jean-Marie Lecoq, Eva Castro, Stéphane Miquel et Sarah Flandre

COUP DE COEUR RUEDUTHEATRE

CERTAINS L’AIMENT SHOW

Allégorie poétique et absurde du monde contemporain, Happy End est superbement servi par une mise en scène innovante et deux comédiennes à couper le souffle. A ne pas rater.

A la croisée du théâtre d’objet et de marionnette, il y a Happy End. La collaboration étroite entre l’auteur Kossi Efoui et la Compagnie Théâtre Inutile a donné naissance à un objet d’art étrange et fascinant, récit d’un monde post-apocalyptique aussi effrayant que familier. Deux bouffons, Parapluie et Parasol, Alexandra Boukaka et Marie-Dolorès Corbillon, remarquables de drôlerie, sont chargés de commenter la grande cérémonie de la « fête du feu amical » durant laquelle les deux groupes autrefois antagonistes, les 4 et les 4 prime, désignent un Grand Coupable Officiel dans le but de préserver la paix.



Tout est matière à émerveillement dans cette pièce. Le texte de Kossi Efoui, d’abord, dont l’écriture oscille entre l’étrange et l’absurde avec beaucoup de finesse et d’humour. Le sujet est grave pourtant, car il s’agit d’une allégorie de la guerre – de toutes les guerres – dont l’origine se perd dans les mémoires. Il faut désigner un coupable, un bouc-émissaire capable de cristalliser sur lui toute la haine d’un peuple ; et cela sera fait tout les vingt-cinq ans, selon des codes d’une complexité administrative. L’occasion est trop belle pour l’auteur de fustiger les accointances entre les médias et le pouvoir qui nous servent du politique comme n’importe quel show.

La beauté d’un tel texte méritait une mise en scène au moins aussi inventive et Nicolas Saelens ne s’est pas gêné. Le dispositif scénique complexe devient évident à mesure que la pièce progresse. Parapluie et Parasol manipulent des fragments de miroirs brisés figurant divers intervenants de la cérémonie, ou encore des feuilles de papier sur lesquelles sont rétro-projetées de vagues portraits. Les deux bouffons, enfermés dans un carrousel futuriste interprètent ainsi un magnifique ballet de mots, de sons, de lumières et de mouvements, parodie éclairée du grand mess médiatique. Happy End se termine mal : on aurait voulu que ça continue…


Photo © DR
Happy End au Théâtre Le Ring à 19h30
Ecrit par Kossi Efoui
Mise en scène de Nicolas Saelens
Musique de Karine Dumont
Plasticien : Hervé Choquet
Régie Lumière : Hervé Recorbet
Avec : Alexandra Boukaka et Marie-Dolorès Corbillon

Réaction du Public :
- « On a matière à réfléchir »  Isabelle Le Moell, 35 ans, enseignante
- « Je suis très heureuse d’avoir vu ce spectacle, on a l’impression de voir deux gamines qui s’amusent. Les bruitages sont géniaux, on est surpris à chaque fois qu’elles ouvrent la bouche »  Karine Dedeurwaerder, 37, comédienne

CREER POUR VIVRE

Les Trois vies de Jane Austen est un spectacle porté par la mise en scène accorte de Lesley Chatterley et surtout par ses deux interprètes, rayonnantes et passionnées. Une belle dose de romantisme.

France, 2008. Rebecca, une jeune restauratrice de tableaux est à un tournant de sa vie : son père est décédé quelques jours plus tôt et son petit-ami la presse pour qu’elle accepte d’exposer les tableaux qu’elle a elle-même peint.  Angleterre, 1808. Jane Austen, jeune femme cultivée, est à un tournant de sa vie : après avoir flirté durant quelques bals avec un jeune irlandais nommé Tom Lefroy, elle attend pour bientôt une demande en mariage.



Les trois vies de Jane Austen est une très belle pièce, inspirée par la vie et l’œuvre de celle qui deviendra l’une des plus grande romancières de l’Angleterre. Ses ouvrages, et surtout « Orgueil et Préjugés » et « Raison et Sentiments » furent inspirés par sa propre vie et notamment son unique et grande déception amoureuse que fut Tom Lefroy. A partir de la découverte par Rebecca d’une lettre signée « J. A » adressée à Tom Lefroy, Les Trois vies de Jane Austen proposent de montrer le lien intime unissant cette déception amoureuse et la naissance d’une vocation artistique couronnée de succès.

La mise en scène de Lesley Chatterley est sobre, claire et profondément romantique. L’espace scénique est divisé en deux, à gauche le passé et à droite le présent. Au milieu, deux portes battantes dorées conduisant à un hors-scène qui peut tout aussi bien être la salle de bal que les fantasmes de l’anglaise. Cette distinction claire au début sera progressivement brouillée, chaque temporalité s’interpénétrant tour à tour, à mesure que l’enquête menée par Rebecca sur l’origine de la lettre avance. L’élégance de la mise en scène de Lesley Chatterley a surtout l’avantage de mettre en évidence la fraîcheur et la grâce de ses deux interprètes. Elodie Sörensen en Rebecca est touchante et fragile tandis que Celine Devalan en Jane Austen est confondante de crédibilité.


Les Trois vies de Jane Austen
Théâtre du Bourg-Neuf les jours pairs jusqu’au 2 août, 04 90 85 17 90
Ecrit par Lesley Chatterley, Elodie Sörensen et Celine Devalan
Mise en scène de Lesley Chatterley
Avec : Elodie Sörensen et Celine Devalan