AMOURS TUMUL-TUEUSES

Dès les premiers instants le décor est planté : les partisans de deux familles, les Capulet et les Montaigu qui se haïssent depuis toujours, se livrent bataille. Un Chœur antique ouvre le bal, annonçant le drame à venir, féériquement

Pour Eric Zobel, metteur en scène qui déclare tomber amoureux tous les jours de la même femme, adapter la tragédie de Shakespeare, Roméo et Juliette, allait de soi. Il a présenté son travail mercredi 4 et jeudi 5 juillet 2007, dans le cadre de la manifestation Tout l’monde dehors !, dans la cour du Centre d’Histoire de la Résistance et de la Déportation (CHRD), dans le 7e arrondissement de Lyon. La scène avait alors pour décor les platanes de la cour.


L’histoire des amants de Vérone, personnages universels, est revisitée par Eric Zobel et ses comédiens. Le texte a été réécrit, non pas modifié car tous les dialogues sont originaux, mais redécoupé afin de donner la part belle à la gestuelle et à l’espace, mis au service du récit. Une narratrice intervient régulièrement, permettant aux néophytes de ne pas perdre le fil de l’histoire. Tous les personnages empruntent à l’univers du mime, l’un davantage à celui du clown, l’autre à celui de la pantomime, un troisième à celui du hip-hop. Ce traitement résolument contemporain d’une pièce écrite en 1594 fait accéder chacun de nous directement à l’univers shakespearien et aux sentiments qui habitent ses personnages.

La musique, réalisée par Jonathan Rollet, enveloppe et charpente le déroulement de la tragédie. De simples notes de piano, tantôt en suspens, aériennes, tantôt plombées et menaçantes. Quand l’histoire s’emballe et que les haines entre fratries regagnent du terrain sur l’amour, pendant les combats, la musique devient électro et métallique.

La magie s’invite

Les costumes, modernes et stylisés, blancs et sombres, soulignent l’aspect caricatural de certains personnages. Ils pourraient aussi évoquer l’aspect de pions,  des personnages, dispersés sur un échiquier.
Le Comte Paris, qui demande à Capulet sa fille en mariage, se meut comme un pantin désarticulé, avec son chapeau haut de forme, ses fines moustaches et ses courbettes. Parfois l’esprit de Buster Keaton semble planer. Roméo, le comédien Abdou N’Gom, tout en grâce féline, emprunte au langage hip-hop, dès sa première rencontre avec Juliette, lors de la fête chez les Capulet, censée donner l’occasion au Comte Paris de rencontrer leur fille.
Lady Capulet, quant à elle, se tient raide, sèche, à sa place en maîtresse femme.

Dans cette pièce, le destin, un autre protagoniste, est là, implacable, qui poursuit son lent cheminement. Il tient en haleine les spectateurs qui, pourtant connaissent déjà le dramatique dénouement. La magie s’invite au cours du récit, désarmorçant le drame et semblable à une respiration poétique : le linceul grenat sur lequel repose Juliette, feignant la mort, l’emporte et l’escamote ; le message censé prévenir Roméo, exilé à Mantoue, du subterfuge utilisé par le frère Laurent pour donner à Juliette l’apparence de la mort, prend mystérieusement feu. Le messager étourdi qui était chargé de remettre le pli (Loïc Azlo, magicien professionnel), n’y est pas pour rien.

Dans le couple emblématique, Marie Rouge apporte fraîcheur et pureté au personnage de Juliette, face à un Roméo inspiré, habité par son amour.
Eric Zobel, en choisissant de travailler avec des artistes issus de différentes disciplines, donne à la pièce et au texte de Shakespeare, tant de fois visités, un éclat nouveau, toujours universel et accessible à tous les publics.


Roméo et Juliette
Texte : William Shakespeare (1594)

Interprétation : Jean-Christophe Chapon, Andréane Jenatton, Loïc Montembault, Abdou N’Gom, Marie-Pierre Pirson, Marie Rouge, Esther Gouarne
Metteur en scène et adaptateur : Eric Zobel
Compositeur : Jonathan Rollet
Production : Compagnies Noir Clair et Arts en Scène

Vu au Centre d'Histoire de la Résistance et de la Déportation
(grande cour) 14 avenue Berthelot 69007 Lyon le 4 juillet 2007.

A la Salle Paul Garcin, Lyon 1er, du 18 au 23 décembre 2007.

Photo © Geoffroy Bourdais

APOGÉE, LUMIÈRE ET APOTHÉOSE

Le spectacle présenté par le chorégraphe Thierry Malandain et le Ballet Biarritz, composé de quatorze danseurs, a fait grande impression lors de l’ouverture des Nuits du Sel qui se sont déroulées début août à Aigues Mortes dans le Gard.

Inventif, aérien, hardi, le ballet nous invite dans une danse contemporaine ponctuée de références classiques. Les danseurs, tels des volatiles fardés de noir, de blanc ou de rose, tantôt fort, tantôt fragiles, se sont successivement investis au cœur de trois chorégraphies particulièrement poétiques.


Dans la première, Don Juan, personnage mythique et libertin, semble mort mais il n’en est rien et le ballet va s’engager dans une course folle où Don Juan finira par tendre la main au spectre de la mort. Pris dans le rythme vif et léger de cette chorégraphie, les corps athlétiques semblent prêts pour l’envol.

Puis viendra, comme une plume tombant sur le sol La Mort du Cygne, de Camille Saint-Saëns, que la danseuse russe Anna Pavlova, avait interprété pour la dernière fois en 1930. L’expression « le chant du cygne » est une métaphore qui désigne depuis l’Antiquité la mort ou quelque chose de funeste qui pousse l’oiseau à chanter mieux encore. Dans ce monologue, la chorégraphie instaure trois temps, pour trois cygnes qui viennent s’échouer et se transformer. Multiplié par trois, le chant céleste est éclatant. Le plus court instant de la soirée n’en sera que plus délicat, plus gracieux et plus touchant.

Passé cet instant féerique, le Ballet Mécanique impose, quant à lui, son modernisme à la fois sonore et gestuel. L’instrumentalisation singulière de la musique du compositeur américain Georges Antheil (1900-1959) balance les corps des danseurs comme sur un ring.  Ils semblent se battrent, batailler et s’affronter tout à la fois. Pianos, timbres électriques, ensemble de percussions donnent corps à des controverses animées. D’un temps d’exécution relativement court, la composition se termine comme après un excès, après trop de nuisances, et les interprètes exténués finissent allongés dans le gazon pour un retour aux sources bien mérité.

Impossible de rester de marbre devant une gestuelle aux tonalités si tendres et si joliment déployées. Le public est transpercé par cette légèreté de l’être. D’une grande beauté, le cœur du Ballet Biarritz bat à l’unisson dans un seul élan corporel. Outre la technique, le style des chorégraphies de Malandain donne à ses personnages des allures enfantines et épurées qui leur lèguent parfois des airs de pantins au clair de la lune.

Christelle ZAMORA
Envoyée spéciale à Aigues Mortes

Aigues Mortes - Les Nuits du Sel
Les 6, 7 et 8 août 2007 - Tel : 04 66 53 73 00

Ballet Biarritz
Thierry Malandain
Centre chorégraphique national
Chorégraphe : Thierry Malandain
Décor et costumes : Jorge Gallardo
Conception lumière / directeur de production : Jean-Claude Asquié
Maîtres de ballet : Françoise Dubuc, Richard Coudray
Régisseur général : Oswald Roose
Réalisation costumes : Véronique Murat
Réalisation décor : Michel Pocholu
Régisseur lumière : Anthony Mota
Costumes : Karine Prins
Technicienne plateau : Chloé Breneur
Technicien chauffeur : Ben Boudonne

Photo © Olivier HOUEIX

CHRONIQUE D’UN DUEL CENTENAIRE

A l’occasion de la commémoration des cent ans du Midi Rouge, bon nombre d’ouvrages, articles, expositions ont vu le jour dans la région Languedoc-Roussillon. Et, Le Printemps des Comédiens, qui s’est déroulé en juin dernier à Montpellier, a lui aussi célébré cet anniversaire. Cela précisément 100 ans jour pour jour après la rencontre ou plutôt le duel qui opposa Marcelin Albert, dit l’Apôtre et Georges Clemenceau, le Tigre, président du Conseil. Toute la pièce sera le propos de cet affrontement qui se déroulera dans l’unique décor du ministre de l’intérieur.

De ce qui fut dit ce jour là, personne ne sait rien. Jacques Allaire, metteur en scène, celui-là même qui a réalisé « Bambi, elle est noire mais elle belle » qui se joue actuellement au Festival d’Avignon, s’est attaqué à ce fragment de l’histoire viticole. Pour cela, il a tout lu sur la question, puis il a choisi l’écriture de Jacques Vilacèque, lequel a composé les dialogues. Mais il ne s’agit pas pour autant d’une reconstitution historique ce que font à très bien les livres d’histoires. Il s’agirait plutôt d’une lecture possible. Ce faisant, il s’aventure vers un éclaircissement.


La mise en scène mêle la voix off, la projection vidéo et le son, autour de deux compères pris dans une violente confrontation. L’un reproche à l’autre ses excès de zèle dans un midi insurgé. L’autre dénonce la fraude et la faim sous le poids d’un gouvernement qui malmène le peuple des incompris. Marcelin Albert, ce représentant d’un Languedoc affamé, vient crier la colère des vignerons.

Peine perdue

Mais la dureté du représentant de l’État n’en est que plus grande. Ce dernier lui reprochera de faire le jeu des extrémistes et des régionalistes. Une fois l’entretien clos, celui-ci convoquera la presse et fera de Marcelin Albert, jusqu’ici leader adoré du peuple, une risée. De ce qui s’est vraiment dit dans cette entrevue, aucun témoin ne rapportera les justes propos. Et c’est bien la question qui est ici posée à ce lointain passé déjà centenaire qui a connu la mutinerie et les morts. Une restauration quasi-impossible de ce qu’aurait pu être la conversation de deux figures invraisemblables de l’époque. Tel a été le défi de cette mise en scène. Il fallait oser.


Printemps des Comédiens

Textes : Jacques Villacèque
Par la Compagnie In Situ
Avec les comédiens Jean Varela et Yves Ferry
Mise en scène : Jacques Allaire
Scénographie : Cécile Marc
Lumières : Cathy Garcia
Video : Scorphène Horrible
Son : Jacques Allaire et Serge Monségu

Les 23, 24 et 25 juin 2007 Théâtre d’O .

ENTRE JOURNALIER ET IMAGINAIRE

Deux énormes caisses en bois pour conteneurs. L’une étiquetée du Nord de la France ; l’autre d’Italie. À l’intérieur, deux couples qui révèlent leur cadre quotidien et leur existence entre véridique et chimère.

La première s’ouvre peu à peu, laissant le public installé de chaque côté, découvrir une intimité. Cela commence quasi sans paroles, avec Marc Amyot, funambule qui se situe au confluent du clown, du maladroit accablé d’un léger handicap, du poète qui vit les événements autrement, sans souci des qu’en dira-t-on.

À travers des gestes qui ne sont ni du mime ni de la réalité banale, il devient très vite évident que le quotidien se fond avec des souvenirs d’enfance, des fantasmes personnels. C’est plus flagrant encore dès qu’apparaît la compagne, Annie Poli. Sa présence est écrasante et irradiante. Elle joue aux limites du trivial, de l’exaltation, de la générosité, de la vie assumée pleinement. Elle chante et scande. Elle dit revendications et rêves. Et pendant ce temps-là, lui va et vient, passe du grenier au jardin, du travail ordinaire à des périples en mobylette ou à grands coups de pédale sur un vélo de Paris-Roubaix. Et, ironiquement didactique, il inscrit sur des ardoises à l’intention de ceux qui n’auraient pas compris.

Du Nord vers le Sud

En Italie, ce ne sont plus les corons et les jardins ouvriers. C’est la campagne et l’existence agricole. C’est un autre couple, Paola Berselli et Stefano Pasquini, moins exubérants. Liés par un amour tranquille au milieu d’une pompe à eau de pluie, d’une mécanique de moulin et de vrais lapins qui fourragent dans un décor dévoilé pan par pan. C’est la simplicité des mots, la confidence narrée. Ce sont les sentiments qui perdurent, obstinément. Et les tâches ménagères et champêtres, cycles de la vie sans cesse recommencés, comme ces montées et ces descentes d’un étage à l’autre sur de vieilles échelles en bois. Ce qui n’empêche pas de vieillir ensemble et d’aller vers la mort. Les corps affirment beaucoup dans le Nord de Piret. Les paroles s’écoulent dans le Sud de ses partenaires. Les tranches de vie rejoignent l’histoire personnelle de chacun. Tant et si bien qu’à la fin du spectacle, tout le monde, acteurs et spectateurs, se retrouve à partager un même repas, en franche convivialité.


Dans ma maison, contes de la vie ordinaire
Texte : « Nord », Christophe Piret ; « Italie », Paola Berselli, Stefano Pasquini, Christophe Piret
Mise en scène : Christophe Piret
Distribution: Annie Poli, Marc Amyot, Paola Berselli, Stefano Pasquini
Décors : Christophe Piret et Rémy Dursin
Musique : Luna Lost
Son : Benjamin Delvalle
Production : Théâtre de Chambre (Aulnoye-Aymeries) ; Teatro delle Ariette (Castello di Serravalle)

À la Rose des Vents de Villeneuve d’Ascq du 5 au 9 juin ; à l’Operaestate - Festival Veneto 2007 de Bassano del Grappa (Italie) au Palazzo Bonauguro le 30 juin 2007
Durée : 1h50 (repas compris)

DES HUIS CLOS DE PAROLE ENFOUIE

Stéphane Verrue est fasciné par Samuel Beckett. Son théâtre, il se l’est peu à peu approprié. Qu’il a monté jadis de manière étonnante avec des handicapés mentaux. Qu’il monte à présent avec trois comédiennes incarnant trois faux monologues : Pas, pas moi, berceuse.


C’est à chaque fois le ressassement d’une parole qui tourne en rond. Qui cherche à dire sans y parvenir, tout en finissant cependant par manifester l’essentiel : la solitude, la maladie, le vieillissement, la mort à proximité de la vie. Sous la banalité des mots surgit la difficulté d’être, de transmettre mais aussi la délivrance par le verbe tâtonnant, devenu litanie et rythme. C’est le non-dit contenu dans le syntagme « tout ça », si fréquent chez Beckett, et dans lequel chacun posera le sens qu’induit sa propre existence.

« Pas » exprime des signifiés pluriels. Ce sont les enjambées d’une femme qui traîne inlassablement les pieds sur une surface limitée explorant en boucle autrefois et maintenant. C’est aussi cet adverbe de négation par lequel on refuse d’exister, d’agir, de communiquer. Elle apostrophe une voix off. Elle est l’écho d’une vieille qu’il lui faut soigner, peut-être sa mère, peut-être sa fille, peut-être l’écho d’elle-même en son devenir, peut-être le souvenir d’une morte. Elle est en conciliabule avec une hantise, un secret familial, un mal-être que même les mots n’extirpent pas.

Les phrases sont quasi seules visibles dans « Pas moi » car sur scène, dans le noir intégral, uniquement une bouche apparaît, haut perchée, en apesanteur. De ces lèvres qui seules remuent sort une logorrhée anaphorique. Elle se teinte d’une gouaille impertinente et cette goguenardise propre à l’humour de Becket, quand il décrit la souffrance de l’existence. Elle meuble de silences une avalanche de parole volubile. Elle se prend dans les méandres du passé, dans des certitudes pimentées de doutes. Elle cherche à dire ce qui n’arrive pas à s’incarner à travers les épisodes d’une vie malmenée. Le poids du langage fait mal à qui s’en empare comme à qui l’écoute.

Troisième volet, « Berceuse » prend corps dans un rocking-chair. Là où la vieillesse termine son temps terrestre. Mais c’est une voix venue autant d’ailleurs que du fin fond de sa carcasse que la personne s’adresse en résonance d’elle-même. La quête est d’apaisement, de conciliabule capable de combler un mutisme qui s’installe au fil du temps. Le balancement devient le signe même d’être au monde, celui qui déclenche une résonance. Ainsi se pressent l’inéluctable fin des êtres, après avoir erratiquement tenté d’être soi et cru n’y jamais parvenir.

La minutieuse mise en scène de Verrue accorde toute son importance au physique, au mouvement des membres et des muscles. Qui rend palpable l’invisible présence d’Arlette Renard, voix issue d’au-delà, réalité prégnante quoique insaisissable, en dialogue avec une Gaelle Fraysse dont le travail vocal lui permet, dans les première et dernière séquences, d’occuper l’espace de manière obsédante. Qui affole véritablement par ses tonalités décalées sortant de la bouche de Florence Masure comme une partition musicale.



Dramaticules
Texte : Samuel Beckett
Mise en scène : Stéphane Verrue
Distribution : Gaelle Fraysse, Florence Masure, Arlette Renard
Costumes, maquillage : Catherine Lefebvre
Éclairages : Nathalie Perrier
Son : Matthieu Chappey

Production : Cie Avec vue sur la mer/Théâtre d’Arras
Au Théâtre d’Arras du 13 au 24 mars 2007 ; à l’Hospice d’Havré Maison Folie à Tourcoing les 24 et 25 mai 2007.