Critique publiée le 18/08/2007

A voir au café-théâtre du Bout, 62 bis rue Pigalle, paris 9e au métro Pigalle à partir du 4 février tous les mercredis à 20h30.

JOLY COUP

Un musicien doit composer une chanson d’amour pour sa dulcinée et en profite pour se livrer dans un seul en scène qui fiance ironie et tendresse. À découvrir vite, car Joly est de la graine des stars et devrait exploser en télé d'ici quelques années.

Les gobilles rondes alourdies de fatigue, la rouflaquette bien fournie, le cheveu en bataille, un tee-shirt parme à manches longues au dos duquel figure le mot "love", décidément, du one-man-show, Stephan Joly ne possède pas le physique de l’emploi ; ni le style extraverti et les navrants usages. Stephan Joly ne prend pas l’air ébahi et autosatisfait à chacune de ses saillies ; Stephan Joly n’est jamais vulgaire, jamais agressif et rarement cynique. Stephan Joly ne prend pas à parti le premier rang avec indécence ou familiarité.

Pourtant Stephan Joly fait rire de bon coeur, parfois et sourire largement, souvent. Il badine avec bienveillance, parodie avec légèreté, esquinte avec doigté. Si le public n’est pas à s’esclaffer, c’est que le comédien n’a pas choisi l’esbroufe ; plutôt Droopy, pince-sans-rire lunaire, il prend son temps ; pour apprivoiser son public et le gagner humblement à ses causes, souvent perdues, pour lui faire partager ses interrogations existentielles, souvent vénielles, et ses désillusions, souvent passagères.


Pour ce haut-savoyard qui a commencé sa vie par étudier la pyschologie de l’enfant et la psychanalyse, parler pour libérer importe plus que tout. Peut-être doit-il aussi à ce parcours d'avoir conservé une humeur taquine (il change le plan de table lors d'une réception) et une certaine aménité à l'égard de ses contemporains. Joly n'est pas un cruel. Il observe, dissèque, opine, mais ne donne pas l'impression de juger. Plutôt de jauger.

Tendre désabusé, Stephan Joly entrecoupe le fil de ses confidences cathartiques par des intermèdes musicaux sur son piano (portable) ; sur le terrain musical, il nous bluffe avec une mélodie charmante dans « le blues de la petite cuillère », qui se taille un franc succès en taillant un short à la nouvelle scène française et à la vacuité de ses thématiques ; il électrise les planches en brocardant les chanteurs sirupeux et staracadémisants dans « le soleil de mes nuits » - ça marche si bien qu’on se surprend à en fredonner l’air à la sortie ; et il se paie enfin les chanteurs cafardeux, leur offrant quelques idées drôlatiques pour sortir de leurs tourments avec panache ; tous ces textes simples, sont écrits avec adresse et sans fioritures. Si Joly est si doué à taquiner la muse, c'est qu'il a essaimé durant  cinq ans les pianos-bars dans sa région natale, il en a gardé un art de nouer une relation au public, naturelle, exempte de surjeu.

Stephan Joly, soleil de la rentrée café-théâtrale, réussit avec ce spectacle un joli coup, qui constitue un « appel d’air » maintes fois espéré, et contraste agréablement avec les pelletées d’humoristes stand-up, qui ont plutôt tendance à nous le pomper...


Stephan Joly - Appel d'air
Texte et chansons : Stéphan Joly  
Mise en scène : Etienne de Balasy 
Lumières : Timothée Horvais     

Plus d’infos : www.stephanjoly.com

Retrouvez les chansons interprétées pendant le spectacle :
www.stephanjoly.com/audio.htm

Quelques réjouissances en vidéo qui ne devraient pas manquer de le faire encore davantage remarquer pour un format court télévisuel ; on y retrouve dans certains la tonalité et l'esprit barré d'un Benoît Poolvorde.
www.stephanjoly.com/video.htm

Vu initialement par notre rédacteur :
Jusqu'au 1er septembre 2007 au Point Virgule
7 rue Sainte Croix de la Bretonnerie Paris 4ème / Tél. : 01 42 78 67 03
Du mercredi au samedi à 20h00.

Photo © Lionel Flusin

UN GROS, UN PETIT, UN MOYEN SONT DANS UN BATEAU…

Comme toutes les pièces de cette troisième semaine du Festival Nous n’irons pas à Avignon de Vitry-sur-seine, « En pleine mer » est un huis-clos. Mais loin des conventions, il s’agit d’une création complètement folle et passionnante qui reprend l’histoire d’une célèbre comptine.

« Il était un petit navire, il était un petit navire, qui n’avait ja-ja-jamais navigué, qui n’avait ja-ja-jamais navigué ohé ohé… » C’est sur les paroles de cette célèbre comptine pour enfants chantée et commentée entièrement par la comédienne Ingrid Prézioso que débute la pièce. Grâce à elle, en quelques minutes, tous les éléments du spectacle à venir se mettent en place : ils sont trois dans un bateau, ils n’ont plus rien à manger, il va falloir que l’un d’eux sacrifie son corps pour que les deux autres puissent survivre. « Si cette histoire vous a plue, si cette histoire vous a plue, nous allons la-la-la recommencer, nous allons la-la-la recommencer ». Voilà, le décor est planté. La pièce commence, la télévision placée sur scène affiche 55, le compte à rebours débute lui aussi mais, originalité, les lumières resteront allumées. Le spectateur voit aussi bien qu’il est vu.


Trois hommes entrent sur scène en trombe sous une musique forte et rythmée par de lourdes basses. « On a faim, on a très faim… » vient chanter le premier au micro pendant que le deuxième se tord de douleur et le dernier danse comme un fou. Chacun se présente, il y a « le petit », « le moyen » et « le gros ».On se croirait presque à un concert. C’était l’intro…

Très vite, on entre dans le vif du sujet. Les trois hommes s’assoient autour d’une table. Finalement, malgré l’horreur, comme dans la comptine, la décision est prise par le gros : il faut sacrifier quelqu’un. Mais le problème reste entier : lequel sacrifier ? Tirage au sort, courte paille, référendum avec campagne et discours politiques complètement loufoques suivis de vote du public... C’est très drôle et complètement foufou malgré le dramatique de la situation qui pose crûment l’utilité de chacun dans notre société et l’image qu’on en projette.

La pression monte

Mais plus le compte à rebours approche de zéro et plus la pression monte. Régulièrement, la lumière change et trois personnes débarquent sur scène, tels des démons inconscients qui hantent les esprits des trois marins. Leurs identités et leurs rôles restent mystérieux. Hurlements, crises de délire, danses folles, hallucinations s’enchaînent et… au bout d’un moment, on se rend compte qu’on ne rit plus. L’heure est grave. Quelqu’un doit se dévouer.

En pleine mer est un huis-clos complètement déjantée et ludique pendant lequel on sent de temps en temps quelques pointes d’improvisation bien agréables. Les trois acteurs jouent de manière remarquable du début à la fin. Fin qui, bien qu’on s’y attende, se révèle surprenante
non par le fond mais par la forme. Mais nous n’en dirons pas plus… si ce n’est qu’elle révèle l’audace et une réelle  performance d’acteur de la part de Christophe Carassou qui joue le petit. Pendant, trois quarts d’heure, on pense sortir de la salle d’humeur joyeuse mais il s’agit tout de même d’un drame et on en sort finalement plutôt choqué. 


Compagnie Théâtre du désordre
Mise en scène : Pierre Terzian
Avec : David Braun, Christophe Carassou, Raphaël Ponsich, Ingrid Prezioso, Jean-Christophe Sylla, Pierre Terzian, Chichi Vlatko.
Scébographie : Raphaël önsih et Pierre Terzian
Lumière Raphaël Lerigoleur
Musique : Eric Van Hees et Pierre Terzian

Représentations du mercredi 18 au dimanche 22 juillet 2007 à 21h dans le cadre du festival « Nous n’irons pas à Avignon ». Durée 55 minutes.

Gare au théâtre,
13 rue Pierre Sémard
94400 Vitry-sur-Seine

Photo © DR

DIRE OU NE PAS DIRE, TELLE EST LA QUESTION

Dans le cadre du festival Nous n’irons pas à Avignon de Vitry-sur-Seine, Maylis Bouffartigue présente sa dernière création artistique. Un spectacle surprenant qui interpelle le spectateur par sa forme insolite et par son fond interpellant.

Au début, on est déjà surpris. A peine entrée dans la salle, Maylis Bouffartigue, comédienne, créatrice et metteur en scène, se trouve sous la lumière d’un petit spot sur pied ; le spectateur est accueilli et invité à prendre place. Puis, le show commence. Elles sont trois. L’une d’entre elles ne cessera tout au long de la pièce de pousser une brouette pleine d’horloges. « Dimanche, c’est fête », s’écrie-t-elle soudain avant d’entrer dans une transe hypnotique, suivie aussitôt par les deux autres. Le ton est donné.


Il ne s’agit pas d’une pièce comme les autres et le spectateur va devoir chercher lui-même les réponses à ses questions. Aucun dialogue ne l’y aidera. Quelques minutes plus tard, assises sur un fauteuil à bascule et sur un petit banc, les deux femmes énoncent, en canon comme dans les chorales, les synonymes du verbe dire. Très vite se superposent une première bande-son, extraite d’une émission de radio, puis une deuxième et sans doute une troisième, tout s’accélère, s’amplifie, on ne distingue plus rien, le brouhaha l’emporte… et d’un coup, alors que le spectateur se sent ivre, emporté par le tourbillon, tout s’arrête. Silence. S’ensuit une variation sur le rire, qui commence par un petit « ha » et s’achève par l’expression « mourir de rire » mise en image.

Le puzzle se met en place Au début on ne comprend rien. Il n’y a pas vraiment d’histoire. Les petites scènes s’enchaînent pendant une heure, sans rupture avec des oscillations continuelles de rythmes, d’intensités, appuyées par des bandes-sons d’extraits de radio et des images vidéo projetées sur de grands écrans. Tout semble décousu. Puis, peu à peu, les éléments du puzzle se mettent en place. On comprend que tout tourne autour de la parole dans ce qu’elle a de plus absurde.

Miroir de l’espoir

En réalité, toute la pièce est centrée sur un même thème : l’homme ne pense plus par lui-même, il est étouffé par la masse médiatique qui lui dicte ses besoins et l’empêche de réfléchir. La langage a perdu sa valeur et il ne sait plus s’en servir. Au commencement était le verbe. Mais aujourd’hui, où en sommes-nous ? Voilà la question que pose Maylis à travers son spectacle. Et pour y parvenir, elle ne craint pas de toucher aux symboles. Elle compare ce phénomène de pensée unique à la religion qu’elle n’a pas peur d’attaquer. Vin éclaboussé, pain jeté à terre et un poisson rouge, enfermé dans un verre d’eau, symbole de l’homme qui étouffe, privé de sa liberté de penser qu’il ne sait plus utiliser. « Les Diseurs » s’élève contre la dictature de la pensée.

Mais tout espoir n’est pas envolé pour autant. Les miroirs dans lesquels se regardent les deux femmes l’affirment. Clés du passage entre deux mondes selon Cocteau, l’illusion qu’ils renvoient nous ramène aussi au doute cartésien. Grâce à eux, on peut prendre conscience de son état, de nouveau se réapproprier le langage et redéfinir la notion de besoin. Ce spectacle hors norme questionne le spectateur, le dérange, le pousse dans ses retranchements.
Les trois comédiennes investissent complètement leurs rôles, au point de paraître parfois possédées. Maylis réussit son pari, avec cette création extra-ordinaire, elle réussit à provoquer une réflexion qui sort elle aussi de l’ordinaire.


Les Diseurs ou déroute de dires et d’opinions d’un esprit perturbé
Compagnie Monsieur Madame
Conception, texte, mise en scène : Maylis Bouffartigue
Avec : Cécile Signoret, Laurence Diolez, Maylis Bouffartigue
Composition sonore et musicale : Mathius Shadow-sky
Lumière et décor : Christophe Deflorenne Images vidéo : Myriam Botto

Représentations du mercredi 11 au dimanche 15 juillet 2007 à 21h dans le cadre du festival « Nous n’irons pas à Avignon ».
Gare au théâtre, 13 rue Pierre Sémard 94400 Vitry-sur-Seine 

Photo © DR

CINQ FEMMES ET UN MARIAGE

Toutes cinq ont été choisies par la mariée pour vêtir la robe saumon mal coupée de demoiselle d’honneur. Un rôle qui ne leur plaît pas, étant donné leur mauvaise relation avec la reine du jour. Médisance, cynisme, potins en tout genre, se succèdent pendant une heure.

Une mère de famille au désespoir, une lesbienne maladroite portée sur les petits-fours, une ado en crise, une catholique obsessionnelle et une célibataire qui ne croit pas au mariage mais au respect mutuel et au sexe, voilà les cinq personnages principaux de la pièce.


Toutes ont été désignées demoiselles d’honneur par une mariée qu’elles détestent ou qu’elle ont perdu de vue et qui leur a imposé de porter une robe saumon ceinturée d’un bandeau qui ne met aucune d’elles en valeur. Très peu à l’aise au milieu des invités, elles s’échappent dès qu’elles le peuvent pour rejoindre un appartement situé dans le même immeuble. Potins, coups de gueule, révélations, tout le monde y passe et surtout les hommes.

Initialement, prévue pour durer deux fois quarante-cinq minutes, la pièce a subi quelques arrangements pour coller au format imposé du Festival "Nous n’irons pas à Avignon". L’impératif, à Vitry-sur-seine, est de faire tenir en une heure et demi, montage, spectacle et démontage. Du coup, il a fallu procéder à quelques arrangements qui ont sans doute modifié le charme de la pièce.

Américanitude

Les dialogues signés Alan Bell, scénariste d’American Beauty et de la série Seex feet under, sont plutôt réussis. Mais peut-être la volonté de faire rire est-elle trop affichée et, du coup, on se contente souvent de sourire.
Les comédiennes s’investissent dans leur rôle bien qu’elles soient souvent à deux pas du gouffre facile de la caricature.
Margaret, l’adolescente mal dans sa peau jouée par Alexandra Miller, est beaucoup surjouée. Malgré l’application que Lynn Clarke y met, son personnage de bigote, qui se signe à chaque pensée déplacée, sonne peu juste.
En revanche, Nathalie Barolle, avec son accent du midi épouvantable, joue à la perfection son rôle de célibataire désabusée.

L’ensemble forme, finalement, une pièce qui tient la route. Pour se détendre. Pour se détendre seulement. Car la bouffée d’air frais après une journée de dur labeur ne restera pas à jamais gravée dans les mémoires.


Compagnie Lever du Jour
Dialogues : Alan Bell
Mise en scène : Eric Vanelle
Avec : Delphine Alvado, Nathalie Barolle, Sébastien Bourdet, Anne Bourgès, Mary-Lynn Clarke et Alexandra Malfi.
Création lumière : Célia Tournay
Costumes : « Drôles de bobines »

Représentations du 11 au 15 juillet 2007, à 19h, au festival « Nous n’irons pas à Avignon » de Vitry-sur-seine.  Du 1er au 19 avril 2007, théâtre du Grand Rond à Toulouse.

Photo © DR

COMMENT SAUVER SA PEAU

La Peau d’Elisa est reprise au théâtre du Petit Gymnase dans une mise en scène originale qui laisse la part belle à la poésie du texte de Carole Fréchette.

Le visage peint en blanc surmonté d’un galurin, une salopette qui peine à contenir tous ses mouvements amples et exagérés, Elisa a tout d’un mime, sauf qu’elle parle. Et elle parle beaucoup, Elisa, elle parle d’elle, mais surtout de ses amours, des histoires qu’elle a vécues et d’autres qu’elle a pêchées ici et là au gré de ses rencontres. Sigfried le fou, Jan l’empressé, Ginette la boulotte et d’autres encore : comme pour les sept nains, c’est un détail de leur caractère qui caractérise le mieux les amants d’Elisa, car ce sont les détails qui font les bonnes histoires.

L’inquiétude palpable chez Elisa se révèle peu à peu et trouve son explication dans un phénomène étrange : la peau de la jeune femme pousse inexorablement, comme une tumeur généralisée, comme une carapace qui emprisonne Elisa dans son propre corps. Un jeune homme rencontré sur la terrasse d’un café et atteint de la même maladie lui a donné son remède : il faut raconter des histoires d’amour, les siennes ou celles d’un autre avec des détails qui font frissonner, des détails qui donnent vie à ces histoires.

La transmission orale tient souvent une place importante dans le théâtre de Carole Fréchette. Dans La Peau d’Elisa, elle est même au cœur de la pièce, car c’est en racontant des histoires qu’Elisa peut guérir de son étrange maladie. La pièce est méta-théâtrale dans le sens où elle illustre avec légèreté et beaucoup de poésie la catharsis chère à Aristote : dans sa Politique, ce dernier parle de l’âme des tragédiens qui se transporte hors d’elle-même et se trouve ainsi remise d’aplomb. C’est de cela même dont il s’agit ici. Elisa transporte son âme hors d’elle-même et la présente à ses auditeurs afin de la préserver de cette peau envahissante qui l’étouffe.

Amour, souvenirs et fétichisme

La mise en scène habile de Céline Texier-Chollet montre sa compréhension sensible du texte de Carole Fréchette. En jouant sur cet oxymore du mime loquace, elle insiste sur l’importance de la parole dans le processus de guérison du mal-être qui habite Elisa. D’autre part, le choix de représenter chaque amant par un objet, une chemise, un récipient rempli d’une substance colorée, illustre parfaitement la réflexion de l’auteure québécoise sur le souvenir, et l’importance des objets comme catalyseurs de ces souvenirs, tout en respectant la poésie propre au texte. A chaque histoire son rituel fétichiste qui rappelle que l’amour vit aussi bien dans l’être aimé que dans le souvenir, la pensée de l’être aimé.

L’ensemble est d’une convivialité troublante : chaque parole d’Elisa résonne chez le spectateur comme si elle lui avait été soufflée au creux de l’oreille. La performance d’Emilie Trasente en Elisa et de Yan Richard en planche de salut renforce cette impression que la pièce se joue avec nous. A la fois juvéniles et inquiets, drôles et émouvants, acteurs et victimes, les comédiens réalisent une performance remarquable en tous points et renforcent s'il en était besoin l’intensité d’une pièce puissamment bâtie et inspirée.


La Peau d’Elisa
Pièce de Carole Fréchette
Mise en scène, scénographie et costumes de Céline Texier-Chollet
Interprétation : Emilie Trasente et Yan Richard

Au Petit Théâtre du Gymnase, 38 bd Bonne Nouvelle 75010 Paris
Les 2, 9, 16, 23 et 30 Juillet 2007 à 20h30
Au Studio Marie Bell le 6 Août à 20h30 et du 23 septembre au 25 novembre 2007 le dimanche à 19h.