UN ABOLI BIBELOT D’INANITÉ THEATRALE

À l’Opéra Théâtre, Joël Pommerat redonne le premier épisode de Je tremble et poursuit l’œuvre avec Je tremble 2. Où l’on découvre le vertigineux savoir-faire d’un metteur en scène. Où l’on s’interroge aussi sur le sens et la portée d’un tel travail.

Les metteurs en scène d’aujourd’hui semblent obsédés par le rêve d’un spectacle total, des Gesamkunstwerke, chers à Wagner. Je tremble n’échappe pas à cette tentation. Toutes les formes artistiques, toutes les ressources des nouvelles technologies concourent en effet à la magie de la représentation : musique, chanson, vidéo, play-back, lumières chatoyantes…

Cependant la parole reste omniprésente et la première partie est surtout conçue autour de récits de vie : des vies semblables aux nôtres, à peine plus surprenantes ou plus tragiques ; des existences comme celles de la plupart des gens, soumises aux mêmes servitudes, usées par les mêmes travaux, engluées dans les mêmes contraintes, accablées par les mêmes tourments affectifs. Il s’agit là, pour Joël Pommerat, de créer ce qu’il appelle une anthropologie théâtrale, en multipliant, nous dit Jean-François Périer, des narrations biographiques, réelles ou fantasmées, de tous ceux que nous croisons, les voyant parfois mais sans jamais les entendre.

Je tremble 2 renoue plus avec le dialogue. Nous y suivons les errances d’un personnage principal, au hasard de ses rencontres, de ses aventures et de ses mésaventures. L’ensemble est vaguement onirique, parfois surréaliste, et l’on songe à l’Ulysse de Joyce, à un conte de Tieck ou de Novalis, à quelque fable cinématographique de Raoul Ruiz.

La scène cannibale

Tous les éléments de ce spectacle composite sont, on l’a dit, magnifiquement exaltés par la maestria d’un metteur en scène au sommet de son art. On demeure pourtant perplexe, voire insatisfait. C’est que la scène et ses multiples effets semblent cannibaliser tout le reste.

D’abord par cette curieuse idée de nous emmener dans un soi-disant cabaret, un endroit voué au divertissement et dont on aurait détourné la vocation pour en faire le lieu de toutes les interrogations sociales, politiques ou métaphysiques. Ce coup de force dramaturgique ne trompe personne et l’on ne croit guère à ce meneur de jeu, sorte de Monsieur Loyal à la mine sinistre et à l’humour plutôt laborieux.

Comme pour accréditer cet artifice scénique, on nous gratifie de quelques chansons, superbement interprétées, mais qui n’obéissent à aucune nécessité. À la limite, elles rendent insignifiantes toutes ces paroles nues, ces témoignages douloureux qui eussent gagné à davantage de simplicité. Est-ce dû à sa mise en concurrence avec tous les sortilèges déployés sur le plateau, le texte du spectacle paraît singulièrement plat, d’une parfaite absence d’écriture ?

Sans doute, le langage ne se laisse-t-il pas aussi facilement asservir à des enjeux trop ostensiblement spectaculaires. « Les mots ne sont pas de grands catafalques », écrivit le poète Guillevic. Ils vivent, et pour qu’on puisse les écouter, il n’est nul besoin de tant de paillettes. Qui trop embrasse mal étreint, dit la sagesse populaire. Et c’est bien l’impression que nous ressentons devant ce Je tremble qui ne parvient pas à nous toucher et qui porte si mal son nom.


Je Tremble (1 et 2) à L’Opéra-Théâtre, jusqu’au 26 juillet.
Texte et mise en scène de Joël Pommerat
avec Saadia Bentaëb, Agnès Berthon, Hervé Blanc, Lionel Codino, Ruth Olaizola, Marie Piemontese
Assistant à la mise en scène Matthieu Roy
Costumes Isabelle Deffin

Réactions du public:

« C’est tristounet, une mise en scène inhabituelle mais le reste est d’un premier degré superficiel. »

« Je suis plutôt déçu car j’avais beaucoup aimé les autres spectacles de Joël Pommerat. Cette fois, j’ai été très gêné par la forme du cabaret où s’insèrent des témoignages à la limite du pathos. L’humour est pesant. Joël Pommerat est d’ordinaire un de nos rares artistes qui évoque efficacement le monde du travail. À l’exception d’un des récits, ce n’est pas le cas ici. »

ENTRE CAUCHEMAR ET MÉLANCOLIE

Stephen et Thimoty Quay ont investi la très étrange demeure qu’est l’Hôtel de Forbin de la Barben avec ses pièces en enfilades, ses recoins biscornus, ses escaliers qui se croisent. Il y ont installé des maquettes mystérieuses et y projettent des films énigmatiques.

Pénétrer dans la pénombre de cet immeuble, c’est accomplir un voyage à travers l’imaginaire. Dès le hall, le visiteur est intrigué par des images venues du carrelage. Cela grouille, se déforme, se reforme. Cela évoque des insectes, des bactéries, des virus. Cela se déplace à la manière des fantômes. Cela fascine.



Bien que se revendiquant, entre autres, de Kafka et des surréalistes belges, leur univers s’apparente davantage à celui d’écrivains fantastiques comme Jean Ray, Thomas Owen, Michel de Ghelderode. Chaque maquette se présente de manière théâtrale. C’est un décor avec ses personnages présents, ses personnages en attente de venir s’insérer parmi les objets hétéroclites qui en composent l’atmosphère.

Pour le visiteur, la promenade le mène dans des greniers où sont entassés des souvenirs palpables sous la poussière, des caveaux de quelque ziggourat exhumé par des archéologues chanceux, des brocantes où s’étalent des héritages de sorcières, des laboratoires de délires oniriques. Ils hypnotisent les regards, donnent envie d’en connaître davantage sous le piment d’une curiosité aiguillonnée par la peur.

Baroque et sensuel

Oscillant entre provocation iconoclaste, ambiance apocalyptique, ésotérisme insidieux, dérision complice, les créatures hybrides, les végétations mutantes et les assemblages grotesques forment un baroque qui ne laisse pas indifférent. Les matières apportent une sensualité particulière, patinée par un temps sans âge. Les combinaisons  du brut et du fabriqué créent des rencontres stimulantes pour l’imaginaire.

Les films d’animation que les salons désertés, les paliers élimés, les chambres hantées hébergent emmènent vers des cauchemars feutrés mais peuplés de cris, de gémissements, de tremblements, de mouvements subreptices autant qu’inquiétants. La mort côtoie les manifestations sourdes de la vie ; elle s’allie aux forces maléfiques perçues comme des ondes issues de puissants aimants.  



En l’Hôtel de Forbin de la Barben, 7 place Théodore Aubanel, de 12 à 19h jusqu’au 26 juillet.

Réalisation : Stephen et Timothy Quay


Photo © S. et T. Quay

Si le festival d’Avignon In donne cette année une place particulièrement importante aux acteurs, l’adaptation de l’allemand Thomas Ostermeier ne trahit pas cette tendance. Le metteur en scène berlinois s’est associé à l’auteur Marius Von Mayenburg pour traduire et adapter le texte de Shakespeare. Théâtre engagé ou politique s’il en est, ce Hamlet réunit une production de six comédiens seulement pour une vingtaine de rôles. Voilà qui a pu ouvrir un champ des possibles ou donner une impression troublante au public.

Le metteur en scène allemand dont la création était très attendue a cependant été précédé de l’impressionnant « Inferno » de Roméo Castellucci. Et l’occupation des lieux, en l’occurrence la Cour d’honneur du Palais des Papes, pousse à l’inévitable comparaison. Mais celle-ci était-elle possible ? « Il se trouve qu’il ne tire pas grand parti du lieu » a-t-on pu entendre dans la critique et  le public. Mais outre la beauté esthétique ou plastique d’un spectacle, on peut encore y voir quelques splendeurs narratives pour combler cette faiblesse et inversement.

« L’attente n’est ni clairement déçue, ni vraiment comblée » relève Fabienne Darge dans Le Monde (édition du  17.07) car explique-t-elle, « la première a laissé un sentiment partagé (…) sans excès. » Une réaction mitigée donc qui ne semble faire ni chaud, ni froid alors que l’été, lui aussi, se fait attendre.
Il semblerait, consent-elle à dire que : « Ostermeier ait manqué de temps pour dessiner avec netteté « son » Hamlet. »  Cet avis ne tient pas à la scénographie de Jan Pappelbaum, mais davantage dans un « coté abrupt, de manque de transition, une certaine rudesse » qui a beaucoup dérangé une partie de la critique, tandis qu’une autre partie semble avoir clairement apprécié ce parti pris.
Ce n’est pas semble-t-il non plus la faute des comédiens dont le jeu a été « d’une rare intensité. » Et Fabienne Darge désigne un seul responsable : « la fluidité et l’efficacité scéniques » sont bien là mais « ce Hamlet ne prend pas vraiment. Comme si le metteur en scène n’avait pas encore parfaitement ajusté sa focale. »

Fabienne Pascaud dans Télérama (édition électronique du 19.07) estime que « la pièce, excessivement chahutée par l’adaptation très spectaculaire et cinématographique de Marius von Mayenburg, vieux complice de Thomas Ostermeier. » Pour elle, la création pose une question d’accessibilité : « certes le spectateur peu familier de l’œuvre-maitresse de Shakespeare (…) aura du mal à se retrouver dans cette représentation destroy et survoltée où six acteurs seulement se partagent une vingtaine de rôles (...) » Mais Fabienne Pacsaud nuancera son propos en faveur d’Ostermeier : « comme toujours (…) son formidable appétit de comprendre et de partager le théâtre au plus urgent, au plus violent, emporte le morceau. Et si cet Hamlet-là n’est pas forcément des plus subtils, il entraîne superbement le public au royaume de la folie. »

Une constante est de dire que le spectateur a eu du mal à suivre une création qui n’a pas atteint son apogée. Un manque de finition, qui conduit la critique Marie Baudet à évaluer dans La Libre Belgique (édition du 18.07) qu’il s’agit là, d’un « précis de dégringolade dans la Cour d’honneur » même si au final, elle aime cette version « nerveuse, originale, contemporaine sans excès, consciente de la portée politique sans oublier l’humain derrière les pantins. »

Pourtant, c’est dans un article paru pour le quotidien suisse Le Temps (édition du 19.07) que Marie-Pierre Genecand juge que ce Hamlet a littéralement séduit son public. « Cet Hamlet a quelque chose de colossal » reconnaît-elle. Notamment « dans la folie triviale » ; et elle ne voit rien de mal à « cette manière de se partager à six les vingt rôles de la tragédie Shakespearienne. » Dans son analyse, ce détail campe dans l’excès en raison d’une fable où tout est corrompu ! Elle offre une autre piste de lecture. Elle n’en oubli pas pour autant la mesure d’une soirée où « l’excès lasse parfois, quand il devrait affoler. » Elle trouve que le public avignonnais a largement salué cette particularité de la mise en scène du berlinois.

Dans le quotidien belge Le Soir (édition du 18.07), Jean-Marie Wynants lève pareillement un voile positif sur l’analyse de ce Hamlet contemporain. Pour lui, cette version « dynamite la pièce de Shakespeare ».  Et il ajoute : « en s’attaquant à ce monument du théâtre, Ostermeier prend la pièce à bras-le-corps et la secoue dans tous les sens. Non pas pour la malmener mais pour en faire surgir des vérités, des questions, des émotions d’une brûlante actualité. » C’est sans compter encore que « la folie sera creusée jusqu’à l’os », mesure-t-il. Et dans ce théâtre de réflexion sur le pouvoir, il y avait encore Carla Bruni et Nicolas Sarkozy dans l’air. Quelqu'un vous l'a dit ?

VOIR LE PARADIS

Paradiso est le dernier volet de la trilogie de Romeo Castellucci, librement inspirée de la Divine Comédie de Dante. A la différence des deux premiers spectacles, Inferno (dans la Cour d’honneur) et Purgatorio (au Parc des expositions), c’est une installation dans l’église des Célestins : une image.

Durée de l’image 3 minutes

Une pancarte nous indique d’ailleurs à l’entrée : "durée de l’image 3 minutes". Il est vrai que, ce laps de temps écoulé, on invite le petit groupe de 5 ou 6 spectateurs qui regardaient l’image ensemble à céder sa place à un autre… Castellucci se souvient encore de la terreur que lui a provoqué le livret. Il en parle comme d'une brûlure, d'une lumière vive, tout à la gloire de l'être suprême. En effet, la lecture du Paradis de Dante est beaucoup plus difficile que celle de l’Enfer ou du Purgatoire. "Je me souviens de l’avoir lu à voix haute comme le font les enfants. L’air y est pur et rare". Nous voilà donc à l’entrée de l’église des Célestins, où le metteur en scène italien présenta Hey girl ! l’année dernière. On entre dans le noir, un trou ouvre notre regard sur l’église. Dans cette image, on retrouve le cercle -œil du purgatoire- et le piano calciné de l’enfer. L’instrument baigne dans l’eau qui couvre toute l’église; un voile noir, drapeau ou aile, nous frappe l’œil; des sons grondent...
Pour regarder, il a fallu s'agenouiller... L’image est d’une grande et terrible beauté : la lumière est blanche, on devine les traces figées du feu sur l’instrument de musique, l’eau a envahi le sol. C’est l'image d’une beauté apocalyptique. Seule la durée nous semble étrange. Pourquoi trois minutes ? On pourrait quitter l’église plus vite ou, si la durée importe, rester beaucoup plus longtemps. On songe aux chansons d’une minute trente ou aux films d’une heure trente. Une durée de consommation. Le paradis est certainement plus long.



La lumière qui aveugle

"J’ai réfléchi, dans cet espace que je connais pour y avoir proposé Hey Girl ! en 2007, à la condition du spectateur, à son chemin par rapport à La Divine Comédie. C’est ma forme de fidélité à l’oeuvre, davantage qu’au texte lui-même. Le paradis est le lieu de la désincarnation. Les corps n’existent plus, il n’y a plus de visage, il n’y a que de la lumière qui aveugle. Et le parcours devient de plus en plus proche de l’intimité du spectateur. Pour moi, Paradiso est le chant le plus épouvantable, quand la lumière se fait danger, radioactive, une lumière impossible. C’est un combat lumière contre lumière, avec une forte impression de danger, et un éloignement douloureux entre les âmes et les corps, les âmes et le monde. Beaucoup de choses sont ici ressenties à travers le travail du son. Paradiso propose un monde paradoxal, répétitif, morne, comme une autre forme de condamnation, une autre exclusion de l’homme. Dans Inferno, l’homme était exclu des élus. Ici il est exclu du monde, condamné à errer dans un paradis qui lui apparaît comme un univers sans corps, sans visage, sans matière, un lieu de pure lumière et de sonorités sans limites, tout entier dévoué à la seule gloire du dieu créateur. Je voudrais donc considérer ce Paradiso à travers ce thème des exclus."


Paradiso de Romeo Castellucci, librement inspiré de La Divina Commedia de Dante. Église des Célestins. Jusqu’au 26 juillet entre 13 heures et 15h 30 et entre 16h 30 et 19 heures. Billetterie uniquement sur place : 3 euros.