VIE SOCIALE SOUS LEXOMIL

On a tous un peu de « Kevtch » en nous sans le savoir. Certains sont même plus doués que d’autres pour cela. Kevtch, mais késako me direz-vous ? Issu du yiddish, Kvetch se traduit par « râler », « se plaindre » avec une insistance marquée,  attitude centrale des personnages de cette pièce de Steven Berkoff crée en 1986. Ping-pong verbal, culpabilité, imbécilité des apparences sociales, ce dîner de cons sous antidépresseur sait faire tomber les masques derrière leurs pensées intérieures. Un moment de drôlerie en compagnie de personnages décalés.

Un dîner de cons sous prozac. Frank (grand angoissé) et Donna (grande angoissée) ne s’aiment plus comme avant. Pour tromper l’ennui, ils invitent Hal (très grand angoissé) à dîner. Georges (rongé d‘angoisses), patron de Frank et amoureux de Donna, vient rapidement compléter ce quatuor déjanté.


D’emblée les personnages divisent leur discours en deux. Celui que l’on fait à autrui : complaisant et plein de tact, le tout avec le sourire. Et celui que l’on se fait à soi-même : plein d’angoisse et de culpabilité, « Oh là, là, pourvu qu’il réponde un truc intéressant, ch’sais pas quoi dire ensuite ! Une idée, vite ! ». Et de se laisser étouffer par le regard de l’autre, c'est-à-dire celui de la société. Ainsi, chaque monologue neuroleptique des personnages devient l’élément central tandis que les autres convives restent figés en pleine action, comme un arrêt sur images façon série télé. Que les personnages boivent, mangent où s’apprêtent à parler, ce jeu de scène leur donne des mines irrésistibles. Tel un instantané raté de votre tata Suzanne en train se s’empiffrer un chou à la crème.

C’est donc un véritable jeu de ping-pong qui s’installe, chacun renvoyant la balle à l’autre, son angoisse à l’autre, tous soucieux de préserver les apparences si trompeuses d’un bonheur en vitrine.
Bien sûr le comique rappelle ces dîners demi-mondains obligatoires que nous avons tous subit un jour. Un de ces dîners auquel on aurait aimé échapper, au bœuf bourguignon de la femme de votre patron que vous reprendrez par pure politesse, un de ces dîners où la conversation avance dans du béton à prise rapide, l’ange menaçant dangereusement de s’attarder à tout moment.


Kvetch alors !

Kevtch, c’est aussi la culpabilité, spécialité universelle depuis l’Ancien Testament. Tous les personnages se sentent en porte-à-faux avec leurs désirs réels et le moule de la société qui regarde, juge et condamne ce qui sort du cadre. L’épouse qui n’ose pas quitter son mari, l’ami célibataire à la soi-disant formidable vie de bâton de chaise mais qui est seul comme un chien le soir, l’époux viril qui tente de ne pas voir une attirance inavouable… Petit à petit, les personnages se révèlent. Leur détresse nous touche. De parfaits imbéciles heureux au look ringard formidablement travaillé (mention spéciale aux chemises col pelle à tarte), ils deviennent humains et fragiles. Oseront-ils briser ce qui les entrave ? Sacrifieront-ils le bonheur au profit des compromissions ? Pour le savoir, courez vite voir ce petit bijou d’humour et de subtilité joué par des marathoniens du verbe.





Kvetch, écrit par Steven Berkoff.

Mis en scène par Ludovic Pacot-Grivel
Avec :Yann de Monterno, Renaud Benoit, Charlotte Laemmel, Serge da Silva.

A l’affiche Jusqu'au 5 Septembre 2009 au Théâtre Lucernaire (les mardi, mercredi jeudi, vendredi et samedi à 20h).
Le Lucernaire, 53 rue Notre-Dame des Champs, 75006 Paris.
Métro : Notre-Dame des Champs ou Montparnasse Bienvenue.
Réservation et renseignements au 01 42 22 26 50 ou sur www.lucernaire.fr

DESIRS DE THEATRE

Jusqu'au 28 juin prochain le Théâtre de la Bastille accueille TRANS. Une programmation faite de désirs et de découvertes, qui pose le plaisir comme nécessité d'échange entre artistes et publics.

Après avoir vu le jour en 2006 au Théâtre du Chaudron à la Cartoucherie de Vincennes, TRANS renaît dans les murs cette fois du Théâtre de la Bastille à Paris. Le directeur du lieu Jean-Marie Hordé et son équipe ouvrent grand leurs portes à cette orchestration envahissante composée par Jean-Michel Rabeux et Clara Rousseau. Et à vue de nez, TRANS pourrait apparaître comme un festival, à l'image de ceux initiés par nombre d'institutions théâtrales. La manifestation en épouse d'ailleurs certains contours : durée limitée (15 jours), succession de spectacles dans la même soirée, pluridisciplinarité, « soirées spéciales » (NuitTransErotic), temps de rencontres. Pourtant, les deux directeurs en refusent l'étiquette, expliquant que TRANS « ne cherche pas les spectacles, il les attend. (...)

TRANS n'est donc pas un festival, c'est une intermittence. Il ne produit pas. Il n'en a pas du tout les moyens. Il patiente. » On saisit alors que la différence se situe non dans la forme, mais dans l'objet même, et dans la temporalité qu'il produit. Né du désir de la compagnie de soutenir de jeunes metteurs en scène, TRANS vit d'abord sous la forme d'un collectif. En tant que tel, il accompagne durant trois ans de jeunes artistes, et c'est au sein de cet espace amical, que « l'intermittence » proposée à la Bastille s'inscrit. Un temps donné à eux, créateur, et à nous, publics, pour nous rencontrer autour des onze spectacles et autres rendez-vous réunis.

Blanche-Neige , conte grinçant

Mis en scène par Sylvie Reteuna d'après le texte de l'auteur suisse Robert Walser, Blanche-Neige raconte, dans une création à l'atmosphère étrange, une suite possible au conte. Là, Blanche-Neige a déjà échappé au chasseur, et il ne s'agirait plus pour elle que de s'unir au prince. Sauf que les rapports entre les quatre protagonistes (la Reine, le chasseur, Blanche-Neige et le prince) sont complexes, ambigus, faits de rancœur et de passions, et le désir ne se trouve pas nécessairement où il devrait être.


Dans un décor simple, constitué pour l'essentiel d'un drap permettant projections et jeux d'ombres, d'un fauteuil et du tombeau de la bien-vivante princesse, les personnages évoluent comme des figures stylisées. Leur jeu outré, marqué par l'accentuation permanente de leur diction nous rappelle s'il était besoin leur appartenance à un conte populaire. Au cœur de cette scénographie à la blancheur immaculée, dont la pureté glaciale balance entre horreur et merveilleux, les comédiens deviennent parfois grotesques et bouffons. Leurs mines composées et leur élocution empesée produisent une drôle de distance. Mais ce décalage persistant, induit par le frottement des différents codes trouble plus qu'il ne sert l'ensemble, auquel on peine parfois à adhérer. Et à l'image de l'ambiguïté du texte de Walser, la mise en scène de Reteuna, en convoquant grotesque et merveilleux, blancheur éthérée et dérision, installe une forme d'instabilité. Des frictions pas toujours efficaces, mais indéniablement marquées par la fascination qu'exerce la figure de l'auteur Walser sur la metteur en scène.


Un Striptease à l'énergie charnelle

Écrit et mis en scène par Cédric Orain, Striptease risque de marquer les mémoires. Car dans la salle du haut du Théâtre de la Bastille, et avec pour tout décor un portant et quelques robes, un tabouret, une barre et un micro, c'est à un véritable striptease que se livre Céline Milliat-Baumgartner. En bonne et due forme. Arrivant sur scène vêtue d'une moulante robe bleue très sexy, la jeune fille va au fil du spectacle se déshabiller, accompagnant son geste de textes multiples. Ainsi d'une posture initiale travaillant avec humour le désir et le voyeurisme du public, l'on passe à une véritable mise à nu et les adresses directes un brin provocantes cèdent la place à d'autres confidences.

La jeune fille raconte l'origine du striptease, avant d'énumérer les clichés liés à la stripteaseuse, où de livrer des plus textes lunaires et personnels. Ce déshabillage autant verbal que physique se prolonge jusqu'à l'épuisement total du corps : une fois la nudité révélée, la comédienne la pousse à son paroxysme, se livrant à la barre à une répétition de postures de danses. Les premiers gestes gracieux et réglés deviennent au fil de leur répétition malhabiles, car exécutés jusqu'au vertige.

En travaillant le corps, les fantasmes qui lui sont liés et ses propres limites physiques, Céline Milliat-Baumgartner offre ici une interprétation plutôt gonflée. Dans ce spectacle puissamment charnel, la jeune femme se livre entièrement, mais sans jamais tomber dans la vulgarité. Soutenue par une création soignée et minutieuse de lumières, son interprétation énergique délivre une fraîcheur et une liberté de ton vivifiante. Une création jeune et culottée, qui aborde avec intelligence et humour les clichés liés au genre.




Festival TRANS
du lundi 15 juin 2009 au dimanche 28 juin 2009
programmation : Jean-Michel Rabeux/ Clara Rousseau
Infos pratiques : Théâtre de la Bastille
76 rue de la Roquette, 75001 Paris.
Tél: 01 43 57 42 14
Tarifs :
Spectateur « avec sous » : 20 €/spectacle, spectateur « sans le sou » :
12 €/spectacle
Trois spectacles et plus : 10 €/spectacle, le pass TRANS 09 (hors NuitTransErotic) : 50 €
La NuitTransErotic : spectateur « avec sous » : 25 €, spectateur « sans le sou» : 20 €.
Événements gratuits sur présentation d’un billet TRANS 09 : Influences / Chantier de travail. Les clubs de rencontres de TRANS


Blanche-Neige de Robert Walser
les 15, 16, 17 et 18 juin à 20h45
Mise en scène : Sylvie Reteuna
Avec : Aurélia Arto, Olav Benestvedt, Claude Degliame, Marc Mérigot, Eram Sobhani
Traduction et adaptation : Nicolas Luçon
Scénographie et costumes : Pierre-André Weitz
Lumière et régie générale : Jean-Claude Fonkenel
Musique : Eric Sterenfeld
Vidéo : Kate France
Assistanat à la mise en scène Elise Lahouassa
Assistanat à la lumière Pierre Godard
Administration de production Christine Tournecuillert - Conduite accompagnée. Coproduction Le Vivat-scène conventionnée danse & théâtre à Armentières, Le Bateau Feu-scène nationale de Dunkerque, L’Hippodrome-scène nationale de Douai. Avec le soutien de la Région Nord-Pas-de-Calais et de l’Adami (l’Adami gère les droits des artistes-interprètes et consacre une partie des droits perçus à l’aide à la création, à la diffusion et à la formation). Avec l’aide à la création de la DRAC Nord-Pas-de-Calais- Ministère de la Culture. Avec le soutien de la Rose des Vents-scène nationale Lille Métropole/Villeneuve d’Ascq et de la MC 93 Bobigny.


Striptease
Texte et mise en scène : Cédric Orain
les 15, 16, 17 et 18 juin à 22 h 30
Création et jeu : Céline Milliat-Baumgartner
Lumière : Jean-Claude Fonkenel
Scénographie : Denis Arlot
Son : Samuel Mazzotti
Production déléguée La Traversée. Avec le soutien du théâtre de la Bastille, du théâtre Le Garage-compagnie de l’oiseau-mouche et du studio de l’Arcal. Spectacle créé lors de l’édition 2009 de Latitudes Contemporaines.

DE L'INTERET DE LA PATAPHYSIQUE

Alfred Jarry (1873-1907) fait son entrée à la Comédie-Française avec sa pièce « Ubu Roi ». La mise en scène passionnante de Jean-Pierre Vincent donne à cette pièce un souffle puissant à la fois grotesque et ravageur, sinistre et drôle, sans tomber dans le délire potache. Les comédiens saisissent intelligemment une si belle occasion.

Il fallut donc un bon siècle pour que cet « Ubu Roi » de l'inclassable Alfred Jarry, que cette pièce parmi les plus jouées sur les scènes du monde depuis son apparition en 1896 fasse enfin son entrée au répertoire de notre Comédie Française. Avec comme il se doit, en ouverture, un « Merdre » tonitruant mais ici totalement maitrisé par un Père Ubu magnifiquement incarné par Serge Bagdassarian.


Dans un décor sombre, plutôt abstrait de Jean-Paul Chambas, la manière dont on reçoit cette entrée en matière est tout sauf anodine. Cet auto-contrôle du comédien n'est pas du tout timidité ou manque de hardiesse loin de là. Le parti-pris va marquer l'ensemble du spectacle. Car cet « Ubu Roi » évite avec intelligence les débordements souvent faciles que cette œuvre peut provoquer par l'esprit foncièrement potache du texte.

Le metteur en scène Jean-Pierre Vincent a cadré le jeu, apposé sa signature sans rature. Il l'explique déjà dans l'opuscule de la Comédie-Française (« Les Nouveaux Cahiers », en co-édition avec L'avant-scène théâtre) que nous conseillons d'acheter : « Il faut se méfier systématiquement de l'appel à la drôlerie du texte », rappelle-t-il notamment. Et il s'y tient. Ce qui n'empêche pas de rire avec plaisir des aventures de Père Ubu et Mère Ubu, ces avatars de « Macbeth » au pays de la pataphysique, cette « science des solutions imaginaires » selon Jarry soi-même qui fait dire au Père Ubu en final, « S'il n'y avait pas de Pologne, il n'y aurait pas de Polonais » !

Une idée géniale

Il faut donc rappeler que c'est Mère Ubu qui tripatouille l'esprit de son homme en le poussant lui, l'ancien roi d'Aragon, l'officier de confiance du roi Venceslas, à zigouiller ce dernier pour lui prendre sa couronne de roi de Pologne et ainsi déposséder les Polonais de leur argent ! Il s'ensuit des courses endiablées, des repas ragoûtants, des guerres avec le Czar, des meurtres à n'en plus finir même des corps constitués, des fuites en bateau passant au large du Danemark vers la pointe ... d'Elseneur, d'un rêve de France où Père Ubu se voit en Maître des Finances.

Jean-Pierre Vincent ne met pas d'époque précise dans sa mise en scène même si la noirceur de la scénographie, même si Ubu porte moustache et d'autres parfois des bérets. Des images et des ambiances qui peuvent renvoyer aux années sombres d'une quelconque guerre, de toutes ces périodes troubles où un totalitarisme veut s'installer ? Le metteur en scène n'insiste pas pour politiser trop clairement ce texte dont il dit « qu'il n'est pas un chef d'œuvre [mais] une idée géniale ». Alors, il fait traverser toute la pièce d'un personnage qui est l'auteur lui-même. Alfred Jarry (efficace Christian Gonon dans le rôle), avec son vélo, sa dégaine, son pistolet, devient le spectateur de ce qu'il a créé. Il met à bonne distance, ce rêve ou ce cauchemar.

Les comédiens devraient tous être cités. Anne Kessler (mère Ubu) très gouailleuse, Martine Chevallier (Reine Rosemonde, Paysanne et Mère du Czar) élégante même dans le cauchemardesque, Benjamin  Jungers (Bougrelas) énergique héritier de la couronne de Pologne, et encore Michel Robin, Christian Blanc .... Et tous savent reprendre (au milieu de la pièce et non au final) la « Chanson du décervelage » avec ce chœur inoubliable toujours d'actualité : « Voyez, voyez, la machin'tourner/ Voyez, voyez, la cervell'sauter/ Voyez, voyez les Rentiers trembler / Hourra, cornes-au-cul, vive le Père Ubu ! ».


Ubu Roi d'Alfred Jarry

Mise en scène : Jean-Pierre Vincent
Dramaturgie : Bernard Chartreux
Décor : Jean-Paul Chambas
Costumes : Patrick Cauchetier
Lumières : Alain Poisson
Chansons : Pascal Sangla
Son : Benjamin Furbacco
Maquillages : Suzanne Pisteur
Avec Martine Chevallier, Anne Kesler, Michel Robin, Christian Blanc, Christian Gonon, Nicolas Lormeau, Grégory Gadebois, Pierre Louis-Calixte, Serge Bagdassarian, Benjamin Jungers, Stéphane Varupenne, Adrien Gamba-Gontard, Gilles David et Imer Kutllovci.

Jusqu'au 21 juillet 2009 (en alternance) à la Comédie Française, salle Richelieu. Reprise en juin-juillet 2010.
1 Place Colette, 75001 Paris. Tél. 0825 10 16 80. www.comedie-francaise.fr

« Alfred Jarry » dans Les Nouveaux Cahiers de la Comédie-Française, 104 pages, 10€.

Photo : Brigitte Enguérand

UNE MECANIQUE INFERNALE

Sur une île isolée de garnison, dans une citadelle déserte, un vieux capitaine et sa femme s’apprêtent à fêter leurs noces d’argent. Les remarques ironiques et la drôlerie qui flottent au début de la pièce sont vite remplacées par des mots cruels et rageurs. La violence monte et les uppercuts qui ne sont que verbaux au début deviennent de vrais coups à la fin du temps imparti.

Habillée de sa robe de mariée et parée d’un voile, Alice n’est pourtant pas l’image de la félicité. Pas plus que  ne l’est Edgar son mari. Ce soir, c’est la réminiscence morbide de vingt-cinq années de conflit, de rancœur et d’espoirs perdus qu’ils mettent sur le tapis. Au propre comme au figuré puisque l’adaptation de Dürrenmatt de la pièce de Strindberg intitulée « La danse de la mort », transforme la scène en un ring, où les douze rounds s’enchaînent ponctués de coups de gongs.


Restés tapis pendant toutes ces années dans cette habitation isolée avec pour seul interlocuteur l’autre, ces deux êtres en sont venus à se haïr et à se prêter mutuellement les raisons de leurs propres  échecs et désillusions. Elle, une ancienne actrice ratée et lui, un écrivain militaire inachevé ont uni leurs vies pour n’attirer que  malheur, tristesse et pauvreté puisque, comble du sort, ils sont à présent ruinés.

Alors qu’ils fêtent âprement leur anniversaire, arrosé de paroles sanglantes et cinglantes, nos deux protagonistes sont interrompus par l’arrivée du cousin Kurt. Ce dernier va bouleverser leur quotidien et pendant toute la durée de sa présence, le couple ne va que se déchirer plus amèrement et violemment pour en arriver finalement aux mains, les mots n’étant plus suffisants et la folie les gagnant peu à peu.

Un quotidien sans surprise

La mise en scène de Alain Alexis Barsacq, met en exergue le ridicule, l’isolement et la cruauté d’un quotidien réglé au millimètre dans lequel  les protagonistes vont même jusqu’à répéter de façon mécanique des phrases identiques.  Les jours de leur vie se répètent et se ressemblent. Ils sont chaque matin un peu plus noir et la distance qui les sépare du monde extérieur grandit peu à peu. On entend les relents de fête dans une maison voisine qui viennent contraster avec le silence de leur solitude partagée. La présence sur scène d’un narrateur extérieur qui fait le décompte des rounds crée un décalage qui allège la charge tragique pesant sur l’action.

Si le texte est un régal de cynisme, le jeu des trois acteurs lui est un régal d’intensité. Agathe Alexis est une Alice à l’abord charmeur et exalté qui se révèle manipulatrice et cruelle au fil des rounds. Philippe Hottier campe Edgar, un capitaine tyrannique aux sautes d’humeur ravageuses. Quant à Dominique Boissel, il est Kurt, le personnage le plus mystérieux de ce trio destructeur, arrivé dans la garnison pour d’obscures raisons.



Play Strindberg
de Friedrich Dürrenmatt
Durée 1h50
Mise en scène : Alain Alexis Barsacq
Avec : Agathe Alexis, Philippe Hottier, Dominique Boissel, Frédéric Boubet
Au Théâtre de l’Atalante, jusqu'au 20 juin 2009. Lundi, mercredi, jeudi et vendredi à 20h30, samedi à 19h, dimanche à 17h. Relâche le mardi.
Place Charles-Dullin (impasse à gauche)
75018 Paris
Metro : Anvers, Pigalle, Abbesses.
Téléphone : 01 46 06 11 90
 www.theatre-latalante.com

FONZO BO LE MAGNIFIQUE


Cette pièce de l'Argentin Rafael Spregelburd fait partie d'un ensemble qui s'inspire des « Sept péchés capitaux » de Jérôme Bosch. Un texte fou pour acteurs survoltés. Elle perd un peu en puissance dans la grande salle de Chaillot. Mais déjà l'acteur Marcial Di Fonzo Bo prépare « La Paronïa » du même auteur pour octobre alors qu'il sera au prochain Festival d'Avignon dans une rareté de Victor Hugo « Angelo, tyran de Padoue ».


Dire précisément combien il y a de personnages dans « La Estupidez », pièce de l'Argentin Rafael Spregelburd, est quasiment impossible. Une bonne vingtaine au moins... pour cinq comédiens !  Survoltage garanti. La saison dernière, dans la (relative) petite salle Gémier du théâtre de  Chaillot, ça déménageait sévère sur un rythme totalement foutraque. Or, toujours à Chaillot, mais sur la grande scène Jean Vilar, la fièvre perd quelque peu de sa force et de sa compréhension ... sauf à être placé près du plateau. Dommage pour une pièce logiquement chargée aux amphétamines par l'auteur et par la mise en scène que co-signent Marcial Di Fonzo Bo - il joue également quelques rôles - et Elise Vigier.


Vaudeville façon polar

Au delà de ce problème d'espace, reste le fond et la forme de la pièce. De ce boulevard du crime déjanté où les dialogues fusent comme un feu d'artifice pour mieux éclairer quelques « conneries » (estupidez au singulier) du monde, le nôtre. Les cinq excellents comédiens -Marina Foïs, Karin Viard, Marcial Di Fonzo Bo, Pierre Maillet et Grégoire Oesterman- courent, se font peur, se cherchent, maintiennent le suspens, sur un rythme rappelant les bons vaudevilles façon polar.

Dans cet univers où il est question d'art contemporain, de marchés, de mensonges, d'héritages peuplés d'espions, de flics, de chercheur fou et de stars ratées, Rafael Spregelburd emprunte à la BD, au cinéma, au pop'art et au dialogue brindezingue. Il entend bien poursuivre dans cette voie puisque ce texte s'inscrit dans un travail plus global inspiré des « Sept péchés capitaux » d'après Jérôme Bosch.

Déjà à la prochaine rentrée, en octobre ici même à Chaillot, une œuvre de la même veine, « La Paranoïa » sera à l'affiche avec aux manettes de la mise en scène Di Fonzo Bo. Un Marcial infatigable ou insatiable, puisqu'il trouve le temps actuellement de répéter son rôle dans « Angelo, tyran de Padoue », pièce de Victor Hugo que met en scène Christophe Honoré pour le tout prochain Festival d'Avignon !

 

« La Estupidez »/La Connerie

Texte de Rafael Spregelburd
Traduction de Marcial Di Fonzon Bo et Guillermo Pisani
Avec Marina Foïs, Karin Viard, Marcial Di Fonzo Bo, Pierre Maillet et Grégoire Oesterman.

Mise en scène : Marcial Di Fonzo Bo
Dramaturgie : Guillermo Pisani
Décor : Vincent Saulier
Lumière : Maryse Gautier
Costumes : Anne Schotte
Musique : Claire Diterzi

Jusqu'au 14 juin au Théâtre National de Chaillot, 1 Place du Trocadéro 75116 Paris.
Réservations : 01 53 65 30 00. www.theatre-chaillot.fr

Du 18 au 20 juin au Théâtre national de Toulouse

Une production : Théâtre national de Chaillot/ Théâtre national de Bretagne/ Théâtre des Lucioles/ Le Duo Dijon.