Françoise Chatot : « Je ne veux pas faire du "théâtre- musée"»

A la tête du Gyptis à Marseille, avec Andonis Vouyoucas, Françoise Chatôt met en scène en son théâtre Les Caprices de Marianne d'Alfred de Musset. Avec la conviction que le romantisme d'hier, celui de ce XIXe siècle post-napoléonien, trouve un large écho dans la désespérance des jeunes d'aujourd'hui. Interview.

Rock et hip hop sont, notamment, annoncés dans vos partis pris de mise en scène de la pièce de Musset. N'est-ce pas osé ?

Françoise Chatôt : Je tiens à dire que je ne tire jamais une pièce, un texte, vers le contemporain uniquement pour faire moderne. Que cela soit clair. Mais pour chacun des projets pour lesquels je m'engage, j'entreprends un travail d'échange avec l'équipe, et de recherche. Ici avec Musset et « Les Caprices… », on repère très vite les rapprochements possibles entre les deux époques, celle d'aujourd'hui et celle d'il y a près de deux siècles. Notamment cette désespérance qui touche surtout la jeunesse. Le grand père d'Alfred de Musset baignait encore dans les idées des Lumières, le père vivait la Révolution et l'Empire. Mais pour le jeune Alfred, c'était une période de censure, de l'emprise du clergé, de la police. L'ennui, donc. Aujourd'hui, l'horizon d'une grande partie de la jeunesse s'appelle le chômage, la mort des idéologies, etc. La mélancolie, la désespérance y trouvent un terrain favorable...

Mais le rock... ?

Le déclic s'est produit quand j'ai revu le film de Gus Van Sant « Last days » qui évoque le suicide de la rock star Kurt Cobain. Le rapprochement avec la trajectoire de Coelin, l'amoureux transi de Marianne dans la pièce, m'est apparu évident. Sa mélancolie va le conduire aussi vers la mort. C'est de là que m'est venue l'idée d'introduire du rock dans le spectacle.

Y a-t-il d'autres marques ou indices de modernité dans cette production des « Caprices de Marianne » ?

Le décor – des panneaux tournants – est plutôt abstrait. Les costumes rappellent les années 1980, ceux des rockers chics, un peu dandy, une jeunesse aisée traversée par les désirs d'alcool, de drogues...Un peu comme ce fut le cas pour le jeune Musset.

Le jeu des acteurs ?

Je ne crois pas et ne veux pas faire du théâtre « musée ». Donc ils jouent ici de façon très contemporaine.

Pourquoi la danse ?

Là encore, il n'est pas question pour moi de rechercher un effet pour l'effet. La pièce se déroule pendant un carnaval. Et il y a des masques. J'ai été aussi impressionnée par l'œuvre de Goya, les « Caprices ». J'ai donc eu l'idée d'une danse et d'une musique urbaine. Des danseurs hip-hop scandent la pièce par leur présence. Ce sont des partis pris très intellectuels et ça fonctionne.

Comment va le Gyptis en ces temps difficiles ?

Notre ascension est fulgurante. Le nombre de spectateurs est en constante augmentation et les textes contemporains sont de plus en plus appréciés. Pas mal en  cette période de crise économique.



 

« Les Caprices de Marianne » d'Alfred de Musset, jusqu'au 6 décembre 2008 au Théâtre du Gyptis, 136 rue Loubon. 13003 Marseille.
Réservations : 04 91 11 00 91. www.theatregyptis.com

Freddy Viau est un discret... mais qui aime se faire entendre. Pour cela - et selon l'adage "tranquillement, mais sûrement" - il construit son projet artistique et écrit, met en scène, joue... Ce petit bonhomme venu de l'Aube a choisi la poésie, le théâtre, le mot, la danse, mais également le partage d'aventures et d'émotions avec la compagnie Parci Parlà, dont il est l'instigateur, et pour laquelle il est à la fois manager, locomotive, muse...

Force tranquille, mais non sans doutes, ni questionnements, Freddy Viau gravit peu à peu son Everest, en marge des modes. Son Nirvana serait cette page si personnelle, sorte de scrapbook mêlant matières étranges, ombres dansantes et mots éphémères. Il met en scène Dard-Dard au Ciné Théâtre 13, après un coup de coeur de Sarah Lelouch - détentrice du lieu - pour cette pièce insecticide qui traite de l'injustice, de pouvoir, d'avidité.*

L'infiniment petit, transposer pour mieux rendre compte ?

Absolument. Parler du monde d’ « en bas » est  bien sûr une manière détournée de parler du monde d’ « en haut », de notre société humaine.  Nous sommes avec Dard Dard dans le domaine de la comédie, et même de la comédie fantaisiste. Je voulais divertir, mais en construisant un univers un peu original, fantaisiste,  décalé. J’ai eu l’idée des « insectes », de ce monde « microscomique».

J’ai toujours été fasciné par les insectes. Je viens de la campagne, j’ai donc toujours eu un rapport étroit et direct à la nature. Puis, j’ai fait des études de biologie (jusqu’en licence) à Reims, et j’ai notamment eu des cours d’entomologie (étude des insectes) qui m’ont fasciné. Je trouvais déjà lors de ces cours que l’univers de l’herbe était très théâtral (ou peut-être était-ce dû au talent des profs qui nous le racontait comme cela). C’est dans ces cours que j’ai appris combien l’étude des insectes a pu donner lieu à beaucoup d’inventions et d’applications scientifiques et  techniques dans notre vie de tous les jours… Bref, l’univers des insectes m’a toujours inspiré. Et en plus il m’a permis de construire une métaphore d’un monde très organisé, très structuré, très hiérarchisé, de pouvoir aborder des thématiques comme celle du pouvoir, des laissés pour compte, de la relativité (monde d’en haut / monde d’en bas ;  l’être humain se prend souvent pour un géant, mais nous ne sommes tellement rien par rapport à l’univers), la foi, la conviction religieuse, l’écologie, etc…

Plus je travaillais sur cet univers des insectes et plus je découvrais la richesse de thématiques et de problématiques de notre existence humaine. Bien sûr, je ne pouvais également que suivre les traces d’auteurs qui l’ont fait bien avant moi, et être nourri par les univers d’Esope, La Fontaine, les auteurs anonymes du « Roman de Renart » (que j’ai d’ailleurs mis en scène, le premier spectacle de la Compagnie Parciparlà, que nous jouons encore), etc… 

Utiliser les insectes, c’est peut-être aussi une façon moins didactique, plus pudique de parler de mes questionnements existentiels, et ce qui, en tout cas, collait bien à un univers de comédie.

Jean Gillibert dit qu’un des rôles primordiaux du théâtre est de "déshabituer notre oeil du crime" afin que ce dernier paraisse moins "facile"... Est-ce la raison de l'écriture de Dard-Dard ?

Je pense que ce n’était pas directement l’intention première de l’écriture de Dard Dard, même si je suis entièrement d’accord avec cette idée. Il y a beaucoup de crimes dans Dard Dard. C’est la thématique du pouvoir qui m’a fait glisser naturellement vers le traitement d’un certain nombre de meurtres, dans tous les sens du terme, symbolique ou littéral.
Enveia, le personnage principal, jeune abeille qui s’octroie plus ou moins la couronne du peuple des Aileux, et que nous voyons évoluer dans Dard Dard, est ambitieuse. Elle semble vouloir le pouvoir pour changer en mieux selon elle, cette société qu’elle-même semble subir. Elle trouve anormal que les insectes soient prédestinés, avant même d’être nés, à être toute leur vie, ouvriers, esclaves, ou à l’inverse dominateurs, profiteurs, esclavagistes… Elle semble vouloir défendre une certaine notion de mérite, ou en tout cas de plus grande équité.  Mais une fois le pouvoir entre ses mains, elle a bien des difficultés à  rester fidèle à ses principes. Ou en tout cas, elle les fait évoluer avec elle, en égoïste qu’elle est, comme nous tous. La pièce aborde le pouvoir sous toutes ses formes, et le crime en est une des nombreuses facettes. Prendre le droit de mort sur quelqu’un est bien l’ultime abus de pouvoir.

Tout cela évidemment, je tiens à le rappeler, en restant dans le domaine de la comédie, du dérisoire, je pose des questions mais qui restent sous-jacentes à l’intrigue. L’idée est de surtout prendre un peu de distance. Et par exemple la mise en scène des meurtres de Dard Dard va dans ce sens. Je voulais des meurtres, mais ne pas être encombré par le réalisme des cadavres. Donc, les personnages assassinés, une fois morts, se relèvent, et sortent sur leurs deux pieds. C’est au bout du compte, encore plus fort, encore plus questionnant…

Vous utilisez la danse contemporaine pour évoquer l'horreur de la guerre - moment très émouvant -, cela vous arrive-t-il souvent de mélanger les genres ?

Oui, alors cela, j’adore.  Et je pense que c’est l’avenir du théâtre.  Il faut que les arts se nourrissent les uns des autres. Et c’était une envie dès le début de l’écriture de Dard Dard de pouvoir me permettre des ruptures de ton, des ruptures de forme dans la pièce. De trouver une grande liberté là-dedans en même temps qu’une grande cohérence.
La structure de Dard Dard est assez épique, avec des références au théâtre brechtien, il y a beaucoup de péripéties. La Reine à un moment, décide de partir en guerre. Et comme pour le reste, je voulais m’éloigner d’un réalisme documentaire, donc j’ai pensé à le coder, en m’inspirant de la danse contemporaine (je suis très sensible à cet art). C’est un moment singulier, en suspens dans Dard Dard. Nous avons travaillé avec Eric Choquet, un chorégraphe champenois de danse contemporaine.  Et comme nous sommes des comédiens et non des danseurs, l’objectif n’était pas de faire des performances, mais de raconter autrement ce passage de l’histoire. De chercher un code, de faire naître l’émotion, l’effroi de la guerre, avec nos corps, nos visages. La bande-son, composée par Régis Delbroucq est évidemment importante et a guidé notre travail sur divers moments du spectacle, et notamment celui-là.

Il y a d’autres moments dans Dard Dard qui partent aussi dans des directions variées. Il y a par exemple des chansons qui racontent certains passages de l’histoire. Il y a aussi un autre moment de danse, chorégraphié par Alexandra Antoine, plus music-hall, plus festif. Tout cela contribue à faire de Dard Dard un objet théâtral assez singulier.

Jean Guidoni qui s'intéresse aux plantes vertes, c'est un heureux hasard, non ?

Je suis un grand admirateur de Jean Guidoni, dont j’ai découvert l’univers il y a une dizaine d’années. C’est un très grand artiste. Très original.  Qui construit vaillamment d’album en album une œuvre riche, variée, surprenante. Il est intègre, cherche sans cesse à se renouveler. J’ai eu la chance de le rencontrer. Je lui ai proposé de venir faire une voix off dans Dard Dard. Il a accepté d’incarner Frelonus, le roi des Aileux, qui sauve son peuple d’une mort inéluctable par insecticide dans la prairie, en le guidant vers la pelouse d’un square parisien. Terre préservée.  L’histoire de la pièce démarre aux funérailles de ce roi Frelonus, mais il est présent vocalement tout au long de la pièce, comme un fantôme qui surveille son peuple de loin.
Jean Guidoni est ainsi notre Roi.  Jean Guidoni a un côté comédien évident, il est un chanteur qui interprète beaucoup ses chansons sur scène. Je m’étonne qu’on ne lui ait pas proposé plus de choses dans le domaine de la comédie. Je suis sûr qu’il adorerait cela. Et d’ailleurs, j’adorerais pouvoir le mettre en scène un jour ou l’autre… Son prochain album autour de textes de Prévert (dont je crois certains, inédits) sort en octobre prochain, suivi d’un spectacle. J’incite tout le monde à le découvrir. Le dernier « La Pointe Rouge » est également un petit bijou…

Les femmes ont une place maîtresse dans la pièce et dans tous les sens du terme...

Bon jeu de mots. En effet, Enveia, le personnage principal, incarné « royalement » par Marie-Béatrice Dardenne,  est la maîtresse du Roi défunt. Le personnage central  de Dard Dard est féminin… peut-être inconsciemment ai-je trouvé cela plus intéressant pour le cheminement dramaturgique. Car le rapport d’une femme au pouvoir a peut-être été un peu moins traité. Il est aussi peut-être plus ambigu, plus complexe, plus humain, plus questionnant, et malheureusement encore moins habituel… Il y a d’autres personnages féminins aussi dans Dard Dard …
La jeune abeille boîteuse, Patte Folle ; la mante religieuse, Lapiosa;  Grâce la libellule, MariAnnick le Moustique, Gervaise la Punaise… Elles ont des caractères variés, elles sont vraiment différentes… J’ai de toute façon globalement essayé, que ce soit pour les comédiens ou  pour les comédiennes, que tous les personnages même secondaires aient une certaine densité, que tout le monde ait quelqu’un chose à jouer. Ca a été un peu casse-tête pour la construction de l’intrigue, car il y a 7 comédiens sur le spectacle, mais je crois que c’est assez réussi, c’est assez équilibré…

Dans vos projets se côtoient l'esprit bon enfant - que les critiques ont associé à celui du Splendid - mais également celui plus mystérieux et un peu noir de Shakespeare... Farfadets, esprits malins et magiques sont-ils de mise dans la région de l'Aube dont vous venez ?

Je ne sais pas si les forêts auboises et notamment chaourçoises (puisque je viens de la région de Chaource) sont habitées par les lutins… mais en tout cas, la ruralité fait partie de moi. Mes premières pièces ont pour cadre la campagne. Il y a forcément dans mon univers des liens avec l’Aube. Ma nature pudique, un peu secrète. Peut-être un côté plus instinctif aussi. Plus concret. En caricaturant, à la campagne, on ne parle que lorsque l’on a quelque chose à dire. Je suis un peu comme ça dans l’écriture. Je dois ressentir le besoin d’avoir quelque chose à dire pour me mettre à écrire. Je ne peux pas coucher des mots sur le papier sans me soucier du sens à leur donner. Du pourquoi. J’ai besoin d’avoir envie de porter une parole, même discrètement.
Quand aux références que vous citez, Shakespeare, et le Splendid, oui, ce sont des univers qui peuvent sembler très éloignés, mais l’un comme l’autre, ils me nourrissent, se complètent, m’ont construit en tant qu’artiste. J’aime le sens de la comédie, la générosité, l’esprit de troupe de l’équipe du Splendid. J’aime la richesse, la complexité, la densité, la beauté du langage de Shakespeare, et l’audace des intrigues, de la construction de ses pièces.  C’est important, je trouve, d’aller explorer des univers très variés, pour l’écriture dramatique.


Quels sont vos projets avec la Compagnie Parciparlà, et en dehors de cette équipe ?

Avec les Parciparlà, nous avons quelques dates de Dard Dard en tournée sur le premier trimestre 2009, peut-être une reprise dans un autre lieu et Avignon 2009. Nous allons également reprendre à Paris, au Théâtre de l’Essaïon, à partir du 8 octobre l’un de nos 2 spectacles Jeune Public, le Roman de Renart (dont nous avons déjà fait près de 900 représentations). Nous réfléchirons ensuite à une nouvelle création, peut-être pour le printemps prochain.
J’aimerais beaucoup prendre le temps également de plancher sur une adaptation audiovisuelle de Dard Dard. Je pense que l’univers est riche et pourrait se décliner sur un format court. La Compagnie a  un site internet www.compagnieparciparla.com, avec toutes les infos sur notre actualité.

En parallèle de la Compagnie, je mets en scène « 24h de la vie d’une femme » de Stefan Zweig avec deux comédiennes pour le Théâtre de l’Essaïon du 26 août au 6 novembre 2008 les mardis, mercredis, jeudis à 20 h. Une atmosphère différente de Dard Dard, plus dramatique, mais qui m’intéresse beaucoup. Un spectacle plus intimiste, qui je pense, va réserver de beaux moments d’émotion comme je les aime….


* Voir la critique de Franck Bortelle du 09/04/2008

Dard Dard, mis en scène par Freddy Viau
Avec Marie-Béatrice Dardenne, Angélique Fridblatt, Laetitia Richard, Regis Chaussard, David Dos Santos, Regis Romele, Freddy Viau.
Avec la voix de Jean Guidoni.

Jusqu'au 23 août 2008
Du mardi au vendredi à 20 h - Le samedi à 17 h et 20 h
Durée : 85 minutes
Tarif : 14 € au lieu de 22 € ( placement libre assis )

CINE-THEATRE 13
Le Cinéma du Moulin de la Galette
1, avenue Junot – 75018 Paris
Tél :  01 42 54 15 12

« Le festival s’est construit avec cet esprit melting-pot, ce goût du mélange et d’éclectisme qui m’est propre »

Avec Jean-Claude Carrière pour président, plus de 45 000 spectateurs, le Printemps des comédiens fête cette année ses vingt deux bougies. Son directeur et fondateur nous livre son parcours et ses impressions sur cette édition 2008. La première de Taman Sari, mise en scène par Daniel Bedos, s’est déroulée le cinq juin, c’est donc un homme soulagé et confiant qui s’est prêté au jeu de notre interview.

Rue du Théâtre : Vous êtes le fondateur du Printemps des Comédiens, comment ce dernier a-t-il vu le jour et à quel moment de votre parcours ?

Daniel Bedos : Dans les années 80, j’ai créé "Fêtes de Molière" à Pézenas d’où je suis natif. A l’époque, cet événement avait connu un grand succès puis les circonstances, les relations politiques m’ont amené jusqu’au Printemps des comédiens en 1987. Ce festival s’est construit au départ avec quatre bouts de ficelles. Un jour, le président du Conseil général me téléphone et me dit : « invente moi un projet artistique, je viens d’hériter d’un domaine, le domaine d’O ». Alors, j’ai pris mes quatre bouts de ficelle, j’ai fais venir Michel Galabru… et puis surtout en fonction du lieu, je me suis orienté vers un festival de plein air, de nouveau cirque, de chapiteaux. Et immédiatement, un public captif s’est manifesté.

Quelles ont été les principales évolutions de ce Printemps des Comédiens, a-t-il toujours mêlé déambulation, culture du monde, théâtre et musique dans un style éclectique comme le fait cette édition 2008  : quels ont été les temps forts de ce festival ?

Dans une première phase, il fallait continuer à capter ce public, inventer un festival de théâtre en plein air à côté d’un festival de danse déjà rayonnant à Montpellier. Si dans ce premier temps, le Printemps des comédiens était plutôt classique, nous prenions des risques tout de même dans la programmation. Cela nous a conduit à une deuxième phase, celle de la véritable ouverture au nouveau cirque, celle d’un métissage esthétique. J’ai été l’un des premiers à accueillir le cirque haut et à capter un public différent. Durant six à sept années, une double programmation alliant les textes classiques et le théâtre contemporain s’est instaurée. Et puis la période de l’ouverture au monde correspond à un troisième temps. Dans une période d’essoufflement du théâtre classique, je me suis intéressé au théâtre traditionnel de cultures étrangères dans les années 1995-1997, un peu plus de dix ans déjà. L’idée m’est venue de présenter cela à travers un parcours dans le parc du Château d’O. Et là, c’est 15 000 spectateurs assurés depuis sa création. Puis, nous sommes entrés dans la phase aboutie du festival comblant la recherche des uns, invitant la curiosité et le goût du voyage des bobos, conviant les jeunes à la découverte… Aujourd’hui, une quatrième phase se met en place. Depuis cette année, nous réfléchissons avec le département de l’Hérault à aménager le lieu pour qu’il devienne une sorte de « parc de la villette ». Ce projet est en cours de réflexion.

Cette année, vous faites une place de choix aux jeunes compagnies notamment régionales, je pense à la Compagnie de la Chèvre à Cinq Pattes (CCCP), la Compagnie Bruitquicourt ou à L’Autre Théâtre notamment, cela est-il habituel dans la programmation  ?

Ariel Garcia Valdès dirige l’École Supérieure d’Art Dramatique de Montpellier depuis une dizaine d’années, c’est un homme que j’adore. Il met vraiment tout en œuvre pour former de jeunes talents qu’il me tient à cœur d’accompagner. Pour la Compagnie de la Chèvre à Cinq Pattes, c’est presque une commande qui a été mise en place. Avec cet esprit melting-pot, ce goût du mélange et d’éclectisme qui m’est propre, je leur ai demandé de travailler avec les Malgaches. Pour d’autres spectacles, l’histoire sera différente. Certaines de mes déambulatoires ont fait le tour du monde mais quoiqu’il en soit c’est l’arrivée de Ariel Garcia Valdès depuis une dizaine d’années qui a été déterminante dans cette orientation.

Vous êtes le metteur en scène de la déambulation intitulée Taman Sari plus communément appelée le 18-20, et au regard du montage, de l’organisation et des choix artistiques, quelles ont été vos priorités ?

Avoir choisi l’Indonésie, cela s’est fait au hasard des rencontres, à cause de l’intérêt que je porte au travail d’Antonin Artaud mais le choix de ce spectacle s’est déroulé sur douze mois. Avant de partir à la découverte d’un chantier de ce type, je travaille sur le projet en amont, je le nourri. Puis dans sa phase de concrétisation, le travail se réalise en collaboration avec des centres culturels des pays concernés. Une fois le repérage terminé, trois semaines d’observations sont alors nécessaires. Il s’agit de voir sans relâche des représentations afin de faire un choix. Je suis un peu comme un vigneron qui fait son vin, je fais une première esquisse avant que le travail s’inscrive dans le domaine d’O comme dans une cuvée, puis une gamme.  Pour 2009, je me documente sur les zoulous…

Sa présence au festival (sous votre direction) permettra-t-elle à Taman Sari de voler de ses propres ailes, le spectacle se vendra-t-il ailleurs, dans d’autres programmations ?

De nombreux spectacles réalisés pour le Printemps des comédiens se sont exportés à travers le monde. Koteba, la déambulation du précédent festival est partie en Italie dans une version plus simplifiée, elle sera encore présentée en Grèce.  Taman Sari sera bientôt proposée à l’Opéra de Marseille dans le cadre de la candidature de « capitale européenne de la culture » de la ville éponyme en 2013. Ensuite, la déambulation partira vers le Brésil et en Corée du Sud à  travers la programmation de festivals internationaux. La déambulation m’appartient quand même un peu et je l’accompagne dans ses perspectives de développement. De toute façon, la déambulation s’amortie entièrement à Montpellier où elle est jouée pas moins de vingt deux fois et le nombre de spectateurs suffit à la rentabiliser.

La préparation de ce festival vous conduit donc à voyager, cela vous pousse-t-il à l’écriture… et la publication de votre livre intitulé « Les bords du monde » était bien prévue en 2008, est-ce là davantage en rapport avec votre profession d’enseignant-chercheur ?

Le livre est paru aux éditions  Domens et il est préfacé par Jean-Claude Carrière, le président du Printemps des comédiens. Il est surtout le récit de mes pérégrinations.

Inévitable question, l’annulation de la représentation de Safran et de la venue des moines tibétains a-t-elle été difficile à prendre pour l’homme engagé que vous êtes ?

Cette décision a été difficile pour deux raisons, d’une part je suis un homme fidèle à mes amitiés et les Chinois m’accueillent depuis des années, ils m’ont accompagné au Tibet en mars notamment. Puis le climat s’est durci et les Chinois ont eu peur des réactions. Je suis au regret de ne pas avoir maintenu cette représentation surtout qu’avec le tremblement de terre dans la province de Sichuan, l’opinion a basculé. Toutefois, précisons que le spectacle est seulement différé, il sera à Montpellier d’ici quelques mois, dans l’hiver.

La perte d’une tête d’affiche comme Cesària Évora peu avant l’ouverture du printemps peut-elle présager de difficultés dans la gestion future du festival ?

Cesària Évora a été hospitalisée et doit subir une lourde opération. Ce sont les aléas du métier et de la vie conjugués. J’aime beaucoup Jane Birkin même si c’est un tout autre univers. Au final, il est un peu tôt pour se prononcer mais un spectateur sur deux garde le billet, tout peut encore évoluer.

Depuis l’ouverture de cette édition 2008, c’est à dire depuis hier où je vous ai vu attentif au moindre détail, vous vous sentez comment : confiant, soulagé, serein ou tendu ?

Je suis un homme soulagé, j’ai une équipe de sept personnes qui avoisine les cent cinquante au cours du festival et c‘est beaucoup. Tout est prévu au millimètre et puis je suis pas un intello mais un homme stressé, un perfectionniste.





 

Liliane Montevecchi est un personnage. Après des débuts de danseuse à l’Opéra de Paris, elle est prise dans un tourbillon : Hollywood, les Folies Bergères puis Broadway. Rencontre avec cette grande dame dont le rire chaleureux n’est pas un mythe.

Ruedutheatre : Pouvez vous nous parler de votre dernier spectacle ? (« A la folie » au Teatro Zinzanni de San Francisco)
Liliane Montevecchi : C’est un spectacle fou, adorable, « exciting », avec des gens qui viennent du monde entier pour faire les choses qu’ils font le mieux.  Il y a des acrobates, des comédiens et tout  ça est plein de champagne, plein de vie ! On est transportés dans une autre vie je trouve comme un Toulouse Lautrec… C’est difficile à retranscrire, je crois qu’il faut en faire expérience.


RDT : Quels sont vos secrets pour avoir une forme aussi resplendissante ?
LM : Tout d’abord une grande discipline. Je fais attention à ce que je mange évidemment, je fais un peu d’exercice. Etant comme une veille ballerine, je m’étire, je me pousse. Mais mon secret  surtout, c’est d’être bien dans sa peau et d’avoir de la joie de vivre. (Rires). Etre positive dans la vie et ne jamais demander ce qu’on ne peut pas avoir comme cela on n’a pas de « headache » !

RDT : Vous avez commencé par la danse, qu’est ce qui vous a fait choisir de vous orienter vers le music hall ?
LM : Ce n’est pas moi, moi je ne choisis jamais ! Tout m’est tombé comme sur un plateau, de la danse à Hollywood où j’ai eu un contrat de 7 ans, Broadway, les théâtres à Paris. Ce n’est jamais moi qui ait décidé, quelqu’un m’a toujours pris la main et dit : « Tiens pourquoi tu ne fais pas ça ? »  et moi je ne dis non à rien ! […]

RDT : Et vous avez été adoptée par les USA?
LM : Absolument, Oui.

RDT : Pensez-vous être plus connue ici qu’en France ?
LM : Non c’est pareil car après de nombreuses années je suis retournée à l’Opéra Comique sous la direction de Jérôme Savary pour le spectacle « Mistinguette ». On me demande toujours de faire des pièces à Paris mais je ne suis  jamais là, je pars toujours à droite et à gauche ! Il faut que je me décide à rester un peu plus en France, ce que je vais d’ailleurs faire.

RDT : D’après vous qu’est ce qui fait le succès du music hall ?
LM : Alors ça je ne sais pas ! S’il y a une chose que je peux vous dire c’est que dans le temps en France, personne n’allait au music-hall et maintenant c’est extraordinaire on l’a presque adopté. Mais aux Etats-Unis je ne sais pas. Il n’y a plus de music hall ici. Ce que je fais ce n’est pas du music hall, je ne sais pas comment on appelle ça. Le music hall c’était les Folies Bergères, c’était le Casino de Paris. Cela n’existe plus les trucs avec des plumes, c’est passé tout ça !

RDT : Vous avez dû vivre des moments incroyables tout au long de votre carrière, y en a-t-il un auquel vous repensez avec particulièrement d’émotion ?
LM : Certainement quand j’ai eu mon premier Tony Award (récompense suprême du théâtre aux Etats-Unis). C’était assez extraordinaire d’avoir cette récompense pour mon premier Broadway show. Cela m’a beaucoup touché cette générosité de la part des américains. C’est une chose qui m’a fait très plaisir car à Paris où j’avais beaucoup de succès, je n’avais jamais eu de récompense. Pourtant pendant mes 7 ans aux Folies, je n’ai pas manqué un jour et j’ai quand même un peu transformé les Folies. J’ai apporté plus de peps qu’avant. Avant c’était les applaudissements dans les escaliers, les plumes et machins. Moi j’ai apporté autre chose mais on ne m’a jamais dit merci.

RDT : C’était bien d’être reconnue enfin…
LM : Cela dit quand je suis retournée en France pour le spectacle « Mistinguette », j’ai aussi eu une médaille, donnée par le maire de Paris donc j’ai quand même été récompensée.

RDT : Voilà enfin après toutes ces années !
LM :( Rires) Donc il ne faut jamais perdre l’espoir ! (Rires)

RDT : Y a-t-il des projets qui vous tiennent à cœur prochainement ?
LM : Oui. Bien vivre et boire mon champagne tous les soirs ! (allusion au spectacle en cours à San Francisco). Et puis être bien dans ma peau comme toujours et être en bonne santé, ce sont mes projets ! On n’a qu’une vie, il faut en profiter !

Elle a commencé à écrire à dix ans quand ses parents ont quitté la capitale pour découvrir pendant une année buissonnière la Méditerranée en camping-car. Pas étonnant que la jeune femme d'aujourd'hui traîne ses souliers de bohème, petite féline écorchée, à travers de multiples territoires : cinéma, théâtre, écriture...  : Le Café des roses, en 2003, joué au Proscenium en 2003-2004, La Nuit des évadés, en 2004, inédit ; des scénarios :   À quoi tu joues, 2000, un roman-poème : À l’ombre et au miel, inédit ; et aussi des chansons... Rencontre acidulée...
 
De grandes envies en anicroches, quel est le point de départ de cette aventure-écriture ?
La curiosité. Une façon de s'approcher du monde, de s'approprier ce que je vivais. Il y a eu les voyages (l’Inde, le Viêt-nam, le Cambodge, la Pologne, la Norvège, le Sénégal, les Caraïbes, l’Egypte) les aventures amoureuses... Je dessinais, je jouais, mais c'est l'écriture qui a retenu mon imagination. Plusieurs idées me viennent, puis cela se précise. J'aime les personnages un peu abîmés, dont la vie n'est pas facile, qui ont une révolte en eux, mais qui n'en sont pas conscients. 

Tes sources d'inspiration ?
La colère m'inspire.  La légèreté - j'aime l'humour et les sourires - le corps, la sensualité, le charnel et la philo... C'est l'adolescence et ses douleurs dans Burn baby burn en effet qui m'ont nourri, mais pas seulement ! Tous les âges de la vie ont leur part de révolte, de quête. Mais l'inspiration n'est pas définie, c'est un bric-à-brac, comme la vie. Parfois, un sujet m'arrête plus qu'un autre.

Burn Baby Burn : l’histoire ?
Une station essence abandonnée au milieu de nulle part.
Un soleil de plomb.
Hirip, qui semble habiter là, n’attend rien d’autre qu’un peu de compagnie. Violette arrive avec sa mob en panne. Elles ont 20 ans et le sang qui tressaille. L’une a la rage, l’autre la fièvre. Issa lui, n’arrive pas au bon moment.

Où et quand retrouve-t-on Burn Baby Burn ?
Burn baby burn est éditée à l’Avant-scène dans la collection des Quatre vents. Le texte a reçu le soutien de l’Association Beaumarchais et le prix des Journées de Lyon des auteurs de théâtre (décembre 2006). Différents comités de lecture ont retenu le texte et organisé des lectures publiques : Théâtre du Rond Point à Paris (mars 2007), Théâtre de la Tête Noire à Saran (avril 2007), La Cuisine à Paris (avril 2007), France Culture à Nîmes et diffusion radio (juillet 2007), Panta-Théâtre à Caen (octobre 2007). En partenariat avec le rectorat de Caen et le Panta-Théâtre,  Burn baby burn a été sélectionnée pour le prix Godot des collégiens et des lycéens (janvier 2007). Lecture à la Comédie Française en juin 08.

Tes projets ?
L'année dernière, j'étais en résidence et j'ai fini un monologue "L'insomniaque", qui va être lu au Théâtre de la tête noire à Saran !