ENTREPRISE COLLECTIVE

L’union fait la force. C’est en substance la stratégie adoptée par cinq jeunes metteurs en scène
bordelais issus de la promotion 2006 de la Licence Arts et Spectacles de l’Université Michel de Montaigne, qui ont décidé de proposer leurs projets de concert au sein de deux soirées sous forme de parcours. Des univers encore bancals mais inspirés, qui donnent envie de voir la suite.

Ca commence par la ballade dans la nef, avec une proposition très iconoclaste : une déclaration d’amour à l’huître, sous le titre Organik in Cathodhuitre. La séquence d’introduction en vidéo est une perle de non-sens et de poésie : le mollusque y est décliné sous tous les registres (biologique, amoureux, philosophique), avant de se matérialiser sur scène – une actrice dans un costume bien encombrant. « Jouer une huître m’a permis de me faire un nom », nous dit-elle, « mais maintenant j’aimerais bien faire autre chose ». Rires de la salle, mérités. Et puis lentement, le spectacle glisse sur un autre registre, plus grave, plus introspectif. Chacun des cinq interprètes dévoile ses petits plaisirs coupables ou innocents, ses failles. Quel rapport avec l’huître ? Aucun en fait, si ce n’est la comédienne qui intervient régulièrement en fil rouge au cours de cette entreprise confessionnelle, tour à tour en huître, ciré et finalement dans ses habits quotidiens. Les autres figures – la boxeuse, la patineuse, l’équilibriste, l’anorexique – nous ramènent à autant d’états du corps et de l’esprit : la colère, le rejet de soi, la foi, le combat permanent. Un crescendo bien mené, qui s’achève sur un « je ne peux pas… » repris en cœur par les protagonistes, pour mieux exprimer l’espoir dans l’empêchement. Le travail de Marianne Stenger véhicule une énergie communicative, pas toujours canalisée, parfois maladroite, mais empreinte d’une maîtrise palpable.

Ambition et rigueur mais aussi exercice de forme

Autre idée stimulante du Projectif : investir les espaces non dédiés au jeu, à l’image de la maison du TNT, habituellement utilisée pour loger les artistes. Camille Adam met ainsi en scène ces espaces de vie comme autant de niches intimes où l’on découvre, dans la position de voyeurs malgré nous, les micro-univers du couple dans l’incommunicabilité, de l’artiste en panne d’inspiration, de la beauté à l’épreuve de la vieillesse… L’idée est bonne, l’exécution séduisante mais le propos trop court – le choix de réunir des scènes de vie privée dans le cadre tout indiqué d’une « maison » ne se substitue pas à l’écriture d’une trame globale pour les relier entre elles et à une réflexion plus appuyée sur la circulation du public, assez anarchique. Lorsqu’on arrive sur le perron du jardin, l’excitation retombe quelque peu devant l’exposition de plasticiens au travail qui s’avère rapidement fastidieuse. Ce segment du Projectif n’évite malheureusement pas l’écueil du concept pour le concept.

En troisième partie, place à Elise Simonet et son Exutoire. Sur un texte de Gianni Fornet, les interprètes nous rejouent le créateur face aux affres de la création – et à l’insatisfaction de ses créatures en rébellion. De cette mise en abyme assez classique, la jeune metteur en scène tire un spectacle emballant, joute verbale à cinq, voire quatre contre un où le « créateur » se trouve peu à peu dépossédé de son objet par ses « créatures » qui réclament plus d’humanité et de concret dans ses élucubrations sur le couple, l’amour, le sexe. Ici, le phrasé chasse sur les terres du slam avec tact, et la scénographie se construit comme une géométrie des corps, délimitée par les pieds de micros et les fragments de lumière. On pense très fort aux travaux de la compagnie Fractions et de Galin Stoev (Oxygène, Genèse 1 & 2), ce qui est une référence dont il n’y a pas à rougir. Tout comme l’ensemble de cette première sortie publique officielle du Projectif, qui empreinte à ses aînés avec respect, sans oublier d’affirmer son indépendance artistique. Vivement la suite.

Xavier QUERON (Bordeaux)

Le Projectif Organik in cathodhuitre de Marianne Stenger
Et puis les artisans de Camille Adam
Exutoire d’Elise Simonet



27 & 28 juin 2008, TNT-Manufacture de Chaussures, Bordeaux.

ITINERAIRE D’UN ENFANT TERRIBLE (CHANTIER)

Drôle d’objet théâtral entre récit autobiographique et poésie surréaliste, Mission Balbuzard lorgne du côté de Bukowski et révèle un potentiel indéniable mais pas encore tout à fait maîtrisé ; la création et le bonhomme n'en restent pas moins à suivre.

Lionel Ienco est plus connu pour ses contributions comme comédien avec les compagnies Bougrelas (FFTS – Fédération Française de Théâtre Sportif) ou Opéra Pagaï (80% de Réussite, Safari Intime). Avec Mission Balbuzard, il laisse libre cours à un cheminement plus personnel. Ecrivain de l’ombre lorsqu’il n’est pas en tournée, il nourrit depuis longtemps le désir de porter ses textes sur scène. Il dévoile, à l’occasion de l’édition 2008 du festival Chahuts, un spectacle en chantier en forme de one man show « destroy » où il se livre corps et âme, à travers des épisodes choisis de sa biographie. Si le propos est assez riche et émouvant pour toucher le quidam, l’ensemble apparaît souvent comme un patchwork qui manque encore de liant.

L’homme nous accueille gominé en train de passer l’aspirateur dans son espace de jeu – son chez-lui.

On entre ainsi de plein pied dans l’univers intime de Lionel Ienco, dans son « cerveau », car ainsi qu’il le révèle lui-même, il compare sa démarche à celle mise en œuvre par Spike Jonze dans le film Dans la peau de John Malkovich. La pièce commence sur un mode d’adresse directe aux spectateurs, histoire d’expliquer le titre intrigant du spectacle.  Balbuzard  pour le rapace pyréen en voie de disparition – « comme l’espèce humaine » – mission  pour « l’objectif qu’on s’est donné pour devenir ce que l’on a envie d’être ». Le côté hors-jeu de ce prologue nous implique comme les témoins-voyeurs privilégiés de ce qu’il va nous être donné à voir sur le plateau. Mais là aussi se niche une première faiblesse de l’architecture dramaturgique. Si le côté mission est exploité à travers ce qui va suivre, le côté balbuzard restera cantonné à ce préambule.

Une démarche à la Bukowski, prise au piège du soliloque

La première moitié du spectacle raconte une histoire indémodable, très romanesque : la jeunesse, le départ pour la guerre, et le retour au village des origines. Lionel Ienco est un voyou qui nous narre ses virées en voiture tape-à-l’œil, son dépucelage, ses soirées enivrées. Tout cela avant de devenir un homme, un vrai, avec l’armée, et la guerre en ex-Yougoslavie. On s’y croit. Après le conflit armé vient le conflit intérieur, traduit par un combat de boxe enlevé où le comédien s’affronte lui-même avec des gants – « à ma gauche moi-même, à ma droite moi-même ». Et se conclut par un status quo : « c’est plus simple de gagner contre soi-même, plus simple de perdre aussi, le vrai problème c’est l’arbitrage ». Intervient la figure du père, parti trop tôt, avant de s’être réconcilié avec son fils. Jusque-là, c’est un crescendo qui nous tient en haleine, servi par des textes mêlant réalisme et une poésie à la Michaud.

C’est à partir de cet épisode paternel que le propos se délie, et que l’on lâche un peu l’affaire devant un spectacle qui semble partir en roue libre. Pour cause, Mission Balbuzard est composé de textes écrits au cours des années, et l’assemblage est parfois précaire. Ici, un portrait de l’idiot du village massacré par des petites frappes comme dans un remake d’Orange Mécanique. Là, un épisode complètement surréaliste tout droit sorti d’Alice au Pays des Merveilles où le lapin a été substitué à un écureuil alcoolique…. Et puis il y a aussi la nymphe, femme parfaite inaccessible, qui débarque telle une chimère, comme dans cette scène de hold-up qui conclut une variation sur la société bling bling. Boulimie de l’homme au trois casquettes (auteur, metteur en scène et comédien) qui veut en dire trop pour sa première expérience solo ? On frôle le trop plein, et les enchaînements sont très aléatoires. Une image reste cependant : celle de l’écrivain maudit au génie créatif, référence bukowskienne passionnante mais trop vite mise à l’écart.

Mission Balbuzard, pour sa première sortie publique, séduit par la performance : Lionel Lenco a le magnétisme essentiel à l’exercice et de la « gouaille » à revendre – croisement improbable de phrasé à la manière d’Audiard pour déclamer un vague à l’âme lumineux dans sa noirceur à la Cioran. Mais le choix d’une narration labyrinthique et une maîtrise encore fébrile du passage du texte à la scène fragilisent encore, ce qui, n’en doutons, pourra se révéler, avec le temps et les représentations, un joyau iconoclaste.


Mission Balbuzard, chantier du 14 juin 2008 à l’Imprimerie, festival Chahuts.
Prochaine date prévue au Nombril du Monde, Pougne-Hérisson (79), à confirmer.

LE THEATRE D’ART A L’HONNEUR

Comme chaque année, la famille de Paul Claudel accueille au château de Brangues les passionnés de Claudel mais aussi ceux de Rimbaud, Mallarmé, Césaire et Maeterlinck, ce qui constitue une nouveauté. Une évolution qui en annonce d’autres, notamment la création d’un centre culturel.

Ainsi du 27 au 29 juin 2008, sous la houlette de Christian Schiaretti,  président de l’Association pour un centre culturel de rencontres à Brangues mais également directeur du TNP, il est question cette année d’interroger le « théâtre d’Art » cher à Claudel, sous la forme d’expositions, d’entretiens, de spectacles et de films en divers lieux du château de Brangues.


Car aller à Brangues, c’est d’abord « aller au château », rappelle Christian Schiaretti lors d’une conférence de presse donnée début juin au Studio Théâtre à Paris. Dans ce domaine familial, ces « rencontres » de « poésie dramatique » se font à l’orangerie, à la ferme, dans la cour, dans le parc ou « sous le tilleul ». Une géographie on ne peut plus ancrée dans la terre et dans la poésie, c’est-à-dire typiquement claudélienne…

Un centre culturel à l’étude

« L’Association Pour un centre culturel de rencontres à Brangues que j’ai l’honneur de présider depuis 2005, propose chaque année de mettre en lumière la poésie dramatique selon trois axes : l’exégèse, la transmission et l’élaboration de formes inédites à partir de l’œuvre de Paul Claudel. Les précédentes éditions ont défendu Un théâtre du poème (2005), Une scène pour dire (2006) et La Scène et le Monde (2007). Ces nouvelles Rencontres s’inscrivent en préfiguration des activités du futur centre culturel de rencontres actuellement à l’étude. »

Selon Schiaretti, la modernité du théâtre, c’est son archaïsme. « Les métiers du théâtre sont usés par la propagande destructurantielle actuelle. C’est la question du théâtre d’art, que l’on a oubliée. De Copeau à Vilar, il y a une cohérence du plateau. Après je ne la comprends plus. Quand le théâtre public est dans un tel désarroi, on est en droit de se poser cette question. »

Cette année l’invité d’honneur sera Michaël Lonsdale. Parmi les intervenants attendus, citons Béatrice Dalle (comédienne), Denis Podalydès (comédien), Gilles Blanchard (comédien, metteur en scène, réalisateur), Vladimir Agueev (metteur en scène), Ekaterina Bogopolskaia (journaliste, critique de théâtre), Jean-François Dusigne (historien), etc.


Rencontres de Brangues 2008
27- 28- 29 juin
Château de Brangues
38510 Brangues (par Morestel)
Tel : 04 78 30 75 74

Pass Rencontres (2 ou 3 jours) : 30€
Tarif réduit : 20€
Pass journée : 18€

Buffet à 18€ (sur réservation uniquement)
Camping sur place possible sur demande.

Pour le programme complet :
www.paul-claudel.net
 

UN MOLIERE QUI  ETONNE
 
Le Printemps des comédiens accueille cette année des compagnies régionales dont certaines sont issues de l’École Supérieure d’Art Dramatique de Montpellier dirigée par Ariel Garcia-Valdès. Parmi elles, La Compagnie de la Chèvre à Cinq Pattes (la CCCP), laquelle sera également en résidence au Théâtre Jean Vilar à la rentrée prochaine, a présenté un projet franco-malgache sous l’impulsion de Daniel Bedos, directeur du festival.

Parti s’immerger dans la culture malgache, Hervé Dartiguelongue, le metteur en scène de la compagnie en a ramené Féla et Haingo, deux comédiens et Hanitra, une chanteuse. A Madagascar, il a découvert les traditions du pays à travers notamment deux rassemblements populaires. D’abord le Famadihana qui consiste à déterrer les morts tous les cinq ans afin d’en changer le linceul, puis l’Hira Gasy, lequel est un opéra populaire chanté par des paysans, ce dernier escortant le premier. 


Et, après un long travail d’échange, le projet croisé s’est construit avec la double finalité de vouloir imprégner la mise en scène de la si classique pièce de Molière, poudrée du folklore et de la modernité de notre monde actuel. Il en ressort deux précieuses, l’une malgache, l’autre française, toutes deux bien joliment mises en beautés. Deux valets ma foi très arrogants et deux maîtres tout aussi surprenants !

Mais le plus déroutant, outre Mascarille aux prises avec ses rêves et ses cauchemars, c’est sans doute le chant de Hanitra, cette très belle  malgache qui traverse les scènes de sa voix enchanteresse. Le temps est comme suspendu à ses cordes vocales. Sans en comprendre forcement le sens, ses poèmes chantés et ses onomatopées, confèrent à la pièce un rythme, une profondeur qui poussent à réfléchir sur la condition des femmes dans le monde.

C’est sans doute dans cette voix que se dissimule le plus ingénieux trait de la mise en scène, dans ce qu’elle a de sensuel et de singulier. Au fond, ce qui se joue ici n’est qu’une question de pouvoir entre le sexe dit fort et l’autre faible. Un rapport de domination qui se termine avec violence et humiliation dans une comédie tout de même bien escortée par les hommes. Cette part d’exotisme ajoutée à la langue de Molière donne une version des précieuses envoûtante et fraîche. On peut admirer le mérite qu’ont eu les comédiens à se faire entendre, car la pièce s’est déroulée quatre soirs durant, en plein air.


Les Précieuses ridicules (Molière)
Au Printemps des comédiens
Mise en scène: Hervé Dartiguelongue
Avec Élodie Buisso, Fela Karlynah Razafiarison, David Léon, Richard Mitou, Haingo Ratsimbazafy, Frédéric Roudier, Vincent Fabre
Chorégraphie: Haingo Ratsimbazafy
Dramaturgie: Catherine Ailloud-Nicolas
Scénographie: Marion Legrand
Création des costumes: Marion Legrand, assistée de Camille Choukroun
Création lumières: Rosemonde Arrambourg en collaboration avec David Debrinay
Création sonore: Hanitraviro Rasoanaivo-Anderson
Régie générale: Nicolas Hénault
Administration et production: Delphine Majoral
Coproduction : Le Printemps des comédiens, le Théâtre Jean-Vilar.

ÉTRANGE, NON ?

Un pont, l’un des plus célèbres du monde, et qui ne sert à rien,  qui ne mène nulle part ? C’est tout de même étrange, non ? Pas de doute, il cache un secret !  Et c'est au Balcon (un comble) qu'on nous en révèle la magie.

Serge Barbuscia a créé son nouveau spectacle musical, au théâtre du Balcon - l’une des cinq scènes permanentes subventionnées d’Avignon -, avec de multiples complicités : deux classes de 5e comme co-scénaristes, un chef-arrangeur (Jonathan Schiffman) et trente-cinq musiciens de l’Olrap (Orchestre Lyrique de Région Avignon-Provence) pour interpréter Sur le pont mais aussi Bizet, et bien d’autres pages, connues ou moins connues, qui participent à cette espèce de familiarité dans laquelle on pénètre d'emblée.


Universalité

Une heure autour du Pont d’Avignon, de son  histoire, de son mythe, et de ses images projetées sur écran, pourrait relever de Clochemerle. Serge Barbuscia se défend ardemment d’avoir monté un spectacle régionaliste, et s’adresse à tous les pays, tous les âges, toutes les générations. Ne cherchons pas de trame narrative, de chasse au trésor enfoui dans les vieilles pierres de ce pont victime des colères du Rhône. Si telle était bien la proposition initiale des enfants co-scénaristes, Serge Barbuscia les a emmenés plus loin, dans leur imaginaire - et le nôtre -. Nous ne révélerons pas le « message » que délivre joliment la scène finale, mais Le Secret est effectivement un très beau spectacle, onirique, poétique, musical, et toujours inter-actif. Les enfants entrent dans le rêve, et les adultes ne sont pas les derniers à se piquer au jeu.

La scène du Balcon apparaît parfois un peu petite mais Serge Barbuscia sait l’ouvrir, par le verbe, par le geste, par un jeu de voiles flottants, aux dimensions du monde. Narrateur-poète, tantôt lui-même suit avec langueur le cours du Rhône, tantôt il tonitrue dans ses impétuosités mémorables.


Quant à l’Orchestre Lyrique de Région Avignon-Provence, visiblement il se régale : les arrangements symphoniques de la chanson Sur le pont d’Avignon se révèlent somptueux, et le jeune chef américain, nommé depuis juin 2007, a mis toute son énergie à relever un tel défi.
Le Secret du Pont sera repris l’an prochain. Quant au festival 2008, outre ses spectacles invités, le Balcon proposera la reprise de ses Tableaux d’une exposition, créés avec le quintette à vent du Grand Avignon. Telle est la signature du Balcon : un mariage de tous les instants entre texte, images et musique, une simplicité dans l’approche qui lui ouvre tous les publics, et l’impression que le spectacle résonne toujours bien au-delà de la représentation.


Le Secret du Pont d’Avignon
Création Serge Barbuscia (texte et mise en scène), arrangements musicaux Jonathan Schiffman, lumières Théâtre du Balcon.
Théâtre du Balcon, 38, rue Guillaume-Puy, 04 90 85 00 80,
les 24 et 25 mai 2008, 17h30, durée 1h. 16€ / 11€.  Tous publics à partir de 5 ans.
www.theatredubalcon.com

Photos © Geneviève Dewulf