TOC TOC : DÉFENSE D'ENTRER

Le Docteur Stern, grand spécialiste mondial du traitement des TOC ou Troubles Obsessionnels Compulsifs, reçoit dans son cabinet une fois par an à Paris. Les patients ont attendu des mois pour avoir ce rendez-vous, mais en une seule séance les troubles disparaîtraient. C’est donc dans sa salle d’attente qu’arrivent un à un les cas, heureux élus du seul jour de consultation du docteur. Mais celui-ci a un peu de retard…Une demi heure, puis une heure…puis trois heures ! Les souffrants vont devoir attendre, et compte tenu de la difficulté pour avoir un rendez-vous, ils y sont même contraints. Six toqués dans une salle d’attente et dès la première phrase de la pièce, la salle est pliée en deux !

Qui n’a pas entendu parler, vu des émissions ou peut être même été confronté à quelqu’un qui souffre de TOC ? Si si !!… Vous-même avez pensé que votre belle-mère en souffrait vu la manie qu’elle avait de toujours tout ranger ! Et qui n’a pas vérifié trois fois si les clés étaient bien dans le sac avant de partir ? Ou bien, comme ça juste pour s’amuser, qui n’a pas marché entre les lignes dans la rue ? Cette pièce donne à réfléchir sur notre propre cas et sur nos petites manies sans sous-estimer la souffrance de ceux qui possèdent vraiment des TOC. Au fur et à mesure qu’apparaissent les personnages de la pièce, le public se reconnaît un peu dans chacun d’entre eux. Malgré leur étrangeté, ils deviennent attachants. Les confrontations de TOC rendent la salle hilare. Claire Maurier surtout excelle dans son rôle de bigote obsédée par la recherche de ses clés ainsi que l’angoisse d’avoir laissé son eau ou son gaz ouvert avant de partir.

La première partie de la pièce étonne : on sait que ces troubles existent mais on ne s’attend pas à autant de réalisme pour ce qui n'est pas toujours hélas une fiction. Le spectateur découvre avec un œil interdit ces personnages aux rituels étranges puis se laisse emporter et tout de même aussi émouvoir dans ce tourbillon de troubles. L’un crie des insanités à tout va sans aucune raison, tel le coprolalique Mozart qui invectivait son entourage, l’autre passe son temps à tout compter, l’une répète toujours deux fois ce qu’elle dit et l’autre défaille chaque fois que l’on prononce le mot « gaz » ou « eau » ! Vont-ils s’en sortir ? Vont-ils réussir à combattre leurs angoisses ? La question se résout autour de dialogues jobards et d’un puzzle d’actes obsessionnels, autant vous dire qu’on ne s’ennuie pas.

Après plus de deux cent représentations les TOC persistent et notre prince national de l’antipathie signe une pièce drôle et attachante qui nous alerte sur un handicap social entre trop méconnu ou pris le sourire aux lèvres. Pas si obsessionnellement méchant que ça le Baffie.

L'IMPORTANCE D'ÊTRE JUSTE

Au théâtre Antoine, Pierre Laville a mis en scène une nouvelle version de L’Importance d’être Constant, dernière œuvre dramatique d’Oscar Wilde. Décevant.

Petit bijou à l’italienne, le théâtre Antoine présente une magnifique salle ornée par un plafond de minuscules mosaïques couleur or et un large rideau aux tons vert Véronèse. Véritable écrin propice à la mise en scène de pièces dites « classiques », le spectacle, à l’affiche jusqu’au 29 octobre, ternit considérablement l’endroit. Et pourtant, cette « comédie de société » écrite par l’auteur d’Une Femme sans importance et Un mari idéal ne manque pas d’éclat. Sous titrée à l’origine, « Comédie frivole pour gens sérieux », cette œuvre révèle l’ingéniosité de Wilde dans l’art du dialogue et l’architecture même de sa pièce. C’est une comédie « boomerang ».

Gwendolen Fairfax ne peut aimer qu’un homme prénommé Constant. Par amour pour elle, Jack Worthing deviendra Constant avant d’apprendre qu’il est né Constant. Il est l’homme constant pour celle qui l’aime. Malheureusement, l’inintérêt des deux décors créés par Pace, habitué (peut-être trop) au théâtre Antoine pour lequel il travaille depuis 20 ans et la direction d’acteur, sans grande originalité, plombent la pièce. En partant du principe que les théâtres privés sont tributaires de leurs chiffres d’affaire donc du nombre d’entrées, ils formulent leurs saisons théâtrales selon deux paramètres : le choix du texte et les têtes d’affiches. Et c’est somme toute logique. Maintenant croire que toutes les têtes d’affiches (montantes dans ce cas précis) vont être à la hauteur du texte est somme toute moins sûr. Et j’ai le regret de voir une distribution très « audiovisuelle » ramener les personnages à leur plus petite dimension.

Lorant Deutsch en trublion hâbleur est loin d’incarner le dandy britannique à la vie dissolue et aux mœurs légères ; Frédéric Diefenthal peine à interpréter avec justesse le rôle de Jack Worthing et si Gwendoline Hamon ne portait pas avec tant d’élégance de si belles tenues, je crois que l’on pourrait se demander ce qu’elle fait dans cette pièce. Les comédiens ne jouent pas avec la férocité de leur texte, semblant prendre comme excuse le marivaudage de l’oeuvre pour caricaturer leurs personnages, perdant enfin de vue que le texte ne fait malheureusement pas tout.
Dans la seconde partie du spectacle, le rythme s’essouffle, le jeu se concentre, sans que cela prenne sens, dans une seule partie de l’espace scénique parasitant le champ d’action des comédiens. En définitive, Macha Méril en Lady Bracknell et Yves Gasc portent à eux seuls cette oeuvre. Mes compliments iront donc uniquement à Emmanuel Peduzzi pour la réalisation des costumes.

Enfin, en sortant de la salle, je me suis souvenue que j’étais au théâtre Antoine, anciennement théâtre Libre, théâtre d’avant-garde et « novateur » dans son répertoire et sa qualité de mise en scène. Avec comme idée maîtresse d’André Antoine : le rôle de l’acteur est au service du Théâtre et non l’inverse. S'en souvient-on seulement ?


L’Importance d’être Constant , de Oscar Wilde
Théâtre Antoine 14 bvd de Strasbourg 75010 Paris.
À 20 h30 - Durée du spectacle 2 h 30
Jusqu'au 29 octobre 2006.

Notes du metteur en scène Pierre LAVILLE :


Les deux pièces d'Oscar Wilde, irlandais de souche et d'humeur, on pourrait dire doublement insulaire, aussi peu "anglais" que possible, seront créées à Londres, à moins d'un mois d'intervalle, en janvier-février 1895, et elles seront acclamées, en présence de la famille royale, par la haute société londonienne, celle-là même que l'auteur dénonçait de toute son ironie, sinon de tout son mépris.

Le mois précédent, Wilde - célèbre pour son oeuvre de journaliste autant que de dramaturge - avait traîné en justice pour diffamation Lord Douglas, père du petit Lord qui avait bouleversé sa vie. Il affrontait en toute lucidité un procès qui allait lui valoir plusieurs années de bagne et la ruine de sa vie affective et sociale. Le Dandy se faisait Justicier, par pur désir de proclamer une vérité qui lui semblait essentielle et que rejetait la société victorienne. C'est placé au plein coeur de cette épreuve tragique et de ce contexte offensif, où il allait tout perdre (sauf paradoxalement sa femme Constance et ses enfants), dans cette tension et livré à ce déchirement, qu'il écrit L'IMPORTANCE D'ÊTRE CONSTANT, la pièce la plus joyeuse, légère, vivace, imprévue, libre, jubilante qui soit. Sans la moindre trace des terribles dangers qu'il traverse. L'auteur écrit sa pièce comme à l'opposé de tout souci, dans une situation duelle, sorte de mise en abyme décalée.

L'IMPORTANCE D'ÊTRE CONSTANT est un hymne au bonheur, à l'insouciance d'une catégorie sociale de nantis, à la douceur de vivre, au jeu des amours et du hasard, à la légèreté qui rassure, sinon guérit des charges qu'impose une société prude et intransigeante. Wilde écrit sa pièce avec une maîtrise sans égale, une forme évidente et accomplie. L'oeuvre est jubilatoire. Tout ici a goût du bonheur, ce qui n'empêche pas de pressentir tout autour la charge d'un monde impitoyable.

Wilde semble possédé par un plaisir illimité de créer du théâtre. Une forme de théâtre et de comédie, qui renouvelle le genre, cousin de Lewis Caroll, lointain rejeton de Marivaux, générateur au cinéma des comédies "primitives" de John Ford (autre irlandais). Et comme s'il pressentait qu'il s'agissait bien de sa dernière pièce, il fait feu de tout. Il danse sur un volcan, léger, rieur, insouciant, sans renoncer une seconde à faire agir le thème profond qui court à chaque instant, celui du Double, de l'impossible manière de s'assurer fragmenté et divisé, de cette dualité qui est pourtant un des plus répandus fardeaux de l'homme. Chacun de ses personnages est candide et cynique, naturel et dandy, actif et passif, vertueux et débauché, sincère et rusé, infidèle et constant, double et unique. C'est bien dans ces années-là que l'ont découvre une sexualité autre et les premières oeuvres de Freud, où la musique, la poésie et la peinture éclatent... Tout renvoie à une dualité de l'homme, dont la grande histoire revient à s'inventer une unité.

Quête d'unité, quête d'identité. Qui es-tu ? D'où viens-tu ? Quel est ton nom ? Es-tu mon frère ? De qui suis-je le fils ? Les personnages de L'IMPORTANCE D'ÊTRE CONSTANT courent après eux-mêmes, transgressant leur rôle social. Tous les genres volent à leur secours et tous les procédés possibles : changements d'identité, travestissements, ruses, coups de théâtre. On croise le merveilleux, presque l'incohérence du rêve (ce bébé confondu avec un manuscrit de roman sentimental et devenant un petit Moïse égaré à la consigne de Waterloo Station...). Nous sommes au théâtre et nulle part ailleurs.

Le réel existe-t-il ? La vie est un songe, nous le savons, chantonne Wilde, et tout est bien qui finit bien...

FERDINAND ET SON DOUBLE

Avec L’Homme qui danse ou la vraie Danse du diable, Philippe Caubère joue sa vie au théâtre du Rond-Point. Dans le second volet, Le Théâtre selon Ferdinand, l’acteur revient sur ses rêves d’adolescent.

Une chaise vit l’expérience de la solitude sur scène. Noir. Philippe Caubère est là, dans la lumière chaude et diffuse absorbée par d’épais tapis qui jonchent le plateau. Un saltimbanque prestidigitateur. Immobile, le temps d’une respiration, l’acteur devient L’Homme qui danse. Un souffle inaugural qui fait craquer l’espace-temps. Une déflagration liminaire de l’explosion à venir.

Et le spectateur se retrouve dans la chambre de Ferdinand, 13 ans, appliqué sur sa rédaction, mâchouillant son plume à la recherche de l’inspiration. « Qu’est-ce que le bonheur ? ». Comme la cartouche d’encre, l’imagination éclate et Ferdinand en fout partout. Le bonheur, c’est convier le général de Gaulle, Mauriac et Sartre, pour déblatérer poésie et politique entre hommes. Le bonheur, c’est twister au côté de l’idole des jeunes Johnny Hallyday, un bon copain. Le bonheur, c’est se prendre pour Gérard Philippe, traversant à sauts de chat la cour du Palais des Papes à Avignon. Le bonheur enfin, c’est d’avoir un orgueil et des ambitions démesurées. Le bonheur, c’est tout simplement le rêve de théâtre.

Dans Le Théâtre selon Ferdinand, Philippe Caubère se mesure à ses rêves d’adolescent et leur donne corps sur scène. Il gesticule, soliloque, jubile, colère, court et danse : il vit son existence de jeune homme dans le jeu et par le jeu. Le théâtre est total. Et pour le spectateur ça déborde. Les personnages fourmillent. Philippe Caubère enchaîne poses et accents, la stature éléphantesque du Général à un Mauriac rabougri et étriqué, jusqu’à la tartufferie finale, l’oral du bac, fardeau pour Ferdinand, sésame indispensable pour sa mère, bourgeoise de province, décontenancée par les velléités théâtrales de son fils.

Il y a quelque chose d’irréductible au mot dans ce spectacle de Philippe Caubère, comme dans les cinq autres de la comédie fantastique L’Homme qui danse ou la vraie Danse du diable. Car l’acteur touche à une sincérité et à une vérité quasiment ineffables. Pour raconter une vie entièrement dévolue au théâtre, l’acteur s’est inventé une écriture propre, au gré de laquelle les gestes coulent, sans même que le spectateur s’en aperçoive. Et l’illusion fonctionne, mieux que partout ailleurs, tant la frontière entre la vie et le théâtre est mince. Ferdinand vit par Philippe Caubère et Philippe Caubère vit avec Ferdinand. Une intimité qui est partagée avec le public. Car ni l’existence de l’acteur, ni l’existence du personnage n’auraient de sens sans la présence du spectateur. Le spectacle prend alors des airs de conversation. Une confiance plus qu’une connivence s’installe entre le trio.

Ce sont finalement des évidences toutes simples qui tiennent dans le projet de Philippe Caubère. Peu importe que l’on soit touché ou non par l’histoire et par la manière dont elle est racontée sur scène. Peu importe que l’on soit sensible ou non au talent de Philippe Caubère. L’ambition de l’acteur emporte tout sur son passage. Cet orgueil, péché brandi par la mère de Ferdinand, est mis au service du théâtre. Le comédien se donne dans une sincérité nue, mais toujours dans sous l’artificielle lumière d’une poursuite théâtrale. Le tout confine au merveilleux.


Philippe Caubère, L’Homme qui danse ou la vraie Danse du diable,
comédie fantastique en six épisodes.
Jusqu'au 30 décembre 2006.
Théâtre du Rond-Point. Réservations : 01 44 95 98 21 ou 0892 701 603.

RÉPÉTITIONS DE CHANT DURANT LA GUERRE

Un décor réaliste représente le bar de l’auberge Barray jusque dans le moindre détail. Les habitants de la petite ville se réunissent ici pour répéter des chansons populaires. La Deuxième Guerre Mondiale se déroule à l’extérieur et entre quelquefois par la porte lorsqu’un lieutenant allemand vient à vivre à l’auberge ou lorsque le bibliothécaire et le facteur se disputent à propos de De Gaulle et de Pétain.


Rutabaga Swing est une histoire simple de partisans, de nazis et de juifs, racontée au travers d’un théâtre musical. Les personnages possèdent chacun trois rôles : leur rôle social, leur rôle de chanteur, et enfin leur identité cachée, la plus profonde, leur point de vue sur la guerre. Les dialogues sur la guerre alternent avec des chansons populaires, qui parlent d’amour et de félicité. Des solos chantés oublient la guerre, les éclairages rendent la scène sombre et romantique, et les chansons rappellent les divertissements du temps de paix. En surface, le spectacle est un hommage à la chanson française, à la vie qui suit son parcours quotidien pendant que le monde est secoué brutalement.
Le public est en revanche secoué par un cabaret joyeux, par des danses et des chants, et par des scènes comiques, travaillées dans l’esthétique cinématographique des comédies sur la guerre des années 1940-50. Les personnages semblent reprendre les rôles typiques de ces films : par exemple le vieux sympathique, qui est en vérité l’informateur de la Gestapo ; l’Allemand qui n’est pas méchant, mais est au contraire le seul à réfléchir au sens de la guerre ; le beau patron Barray, le plus méchant, plein de talent dans la danse et le chant, mais lâche et prêt à suivre toutes les nouvelles tendances politiques…

L’équipe des comédiens est unie et énergique, ils portent ensemble la charge de joie et de drame de l’histoire. C’est un théâtre d’acteurs, où chacun montre ses capacités dans les différentes disciplines. Lorsque la scène tombe dans le noir, signant le passage d’un acte à l’autre, de vieux enregistrements de programmes musicaux radiophoniques sont diffusés. Le spectacle souligne le rôle omniscient de la radio durant la Seconde Guerre, outil de propagande, de résistance, tout comme de plaisir.

Rutabaga Swing mélange divertissement et discours, mais les chants sont trop nombreux et la performance des comédiens pousse à oublier le discours sur les apparences et les vérités de chaque personnage. Le public sort euphorique, chantonnant, mais il oublie trop vite le discours sur l’identité et la guerre.


Rutabaga Swing, textes et dramaturgie de Didier Schwartz, mise en scène de Philippe Ogouz, est présenté du 5 septembre au 15 octobre au Théâtre 13, mardis, mercredis et vendredis à 20h 30, jeudis et samedis à 19h30 et dimanches à 15h 30.

Chansons de Charles Trenet, Georgius, Léo Chauliac, André Claveau, Raymond Legrand, Jacques Larue, Hans Leip, Maurice Chevalier Interprétation : Bruno Abraham-Kremer, Emmanuel Curtil, François Feroleto, Jacques Haurogné, Jacques Herlin, Amala Landré, Marion Posta, Ezequiel Spucches.

Le texte de D. Schwartz est édité à l’Avant-Scène théâtre.

LES NUITS AVEC JOHN COLTRANE

Le théâtre du Tarmac programme dramaturges et compagnies qui travaillent dans les ex-colonies françaises, là où les peuples sont maintenant théoriquement libres de se gouverner, mais sont pratiquement encore toujours soumis au pouvoir historique, économique et culturel de l’Europe et des Etats-Unis.


Les auteurs et les metteurs en scène soutenus par le Tarmac - arrivant par exemple du Congo ou du Liban - représentent leur société, montrent ce que les peuples vivent réellement, pendant que les médias énoncent des vérités banales, sur le devoir et le péché. Leurs esthétiques mélangent la culture traditionnelle et la culture théâtrale occidentale. D’une part, une compagnie non-occidentale retravaille sa culture au travers des formes les plus compréhensibles et attire les publics occidentaux pour faire retentir plus facilement son cri désespéré. D’autre part, les définitions du théâtre classique et moderne sont désormais tombées : les artistes qui échappent à la dictature et à la guerre, qui rencontrent tant de cultures différentes partout dans le monde, savent désormais que les formes de l’art vivant peuvent se fondre dans des styles toujours nouveaux, mettant ainsi en doute des théories esthétiques abstraites, nées pour définir et caser dans les catégories de l’histoire occidentale toute poétique éphémère d’un artiste.

Entassés dans le hall d’entrée du Tarmac, commandant du vin au bar, les spectateurs attendent le début du monologue musical A Love Supreme, texte de l’écrivain congolais Emmanuel Dongala (depuis longtemps en exil aux Etats-Unis à cause de ses idées politiques) et sur la musique éponyme de John Coltrane. Six dates ont été ajoutées pour permettre d’accueillir l’affluence. Un saxophone ténor (Sébastien Jarousse), une contrebasse (Jean-Daniel Botta) et une batterie (Olivier Robin) jouent la musique de John Coltrane, pendant que le comédien Adama Adepoju se faufile entre les chaises, remplace le vrai serveur et devient un serveur l'air ennuyé et la réalité alcoolique, qui commence à raconter ses nuits avec John Coltrane, trois nuits uniques dans sa vie.

Les gestes virtuoses des musiciens rythment et dessinent un portrait des Etats-Unis, violents et racistes, des réflexions sur la musique et la poésie. Le serveur boit pour oublier, mais il se rappelle les salons du jazz, qui ont dessiné ces nuits passées à se questionner sur la vie. Le monologue est un fragment de gestes et de rires, de voix et de visages. Le serveur essaie de redécouvrir les instants où sa vie a pris du sens, où, avec ses amours et ses amitiés, il a essayé de toucher l’absolu désir de vivre. Dans ces souvenirs, John Coltrane joue et parle aussi, essaye de croire au travers du jazz en une société différente, plus humaine.

La mise en espace de Luc Clémentin est une composition d’éclairages colorés qui accompagnent et fondent entre eux les mots et les sons. Enfin, le spectateur sort du concert envahi par l’envie absolue de crier la vie du serveur et de John Coltrane.


A Love Supreme, texte d’Emmanuel Dongala
Adaptation et mise en scène de Luc Clémentin

Théâtre Tarmac jusqu'au 10 septembre à 20h.
Parc de la Villette 19e.
Dates supplémentaires : 28 août à 20 h ; 2 septembre à 14h ; 4 septembre à 20h ; 9 septembre à 16 h ; 10 septembre à 16h ; 10 septembre à 20h
Contacts : 01 40 03 93 90

La nouvelle A Love Supreme est publiée dans le recueil D’E. Dongala, Jazz et vin de palme, éd. Serpent à Plumes, coll. Motifs, 2002