JE M’AIME, MOI NON PLUS

La compagnie Projectyl propose au Chapiteau d’Adrienne une reprise de leur pièce Ma Cage, récit en mouvements d’une femme scindée en deux, entre désespoir et rage de vivre.

Le spectacle commence par le battement sourd d’un cœur, promesse d’une exploration des abîmes de l’être humain. L’être humain s’appelle ici Amandine, une petite femme brune visiblement complexée, repliée à l’intérieur d’elle-même. Car c’est à l’intérieur d’Amandine que tout se joue : on y trouve une autre femme, grande, élancée, les cheveux rouges, aussi sensuelle et aérienne qu’Amandine est coincée et maladroite. Cette femme est la voix intérieure d’Amandine. Plus qu’une deuxième personnalité, elle représente une possibilité, elle est la femme qu’Amandine pourrait être. Mais lasse sans doute de se retrouver face à une image d’elle-même qu’elle ne reconnaît pas et qu’elle craint, Amandine décide de se mettre en cage, de se séparer d’elle-même.

La thématique de la transparence traverse l’ensemble de la pièce. D’abord parce que le spectateur se trouve face à une femme et à ce qui la nourrit de l’intérieur. Ensuite parce que le mal-être de cette femme mal-aimée trouve peut-être son explication dans sa transparence au monde. Transparence enfin des objets du décor, table, lit, paravent, qui ne sont composés que d’une armature en bois, comme si non seulement Amandine mais aussi les objets de son quotidien étaient à la recherche d’une substance capable de les rendre tridimensionnels.

Langueur et sensualité

La pièce repose sur l’opposition constante entre les deux personnages : l’une est gracile et gaie lorsque l’autre est pesante et fêlée, Amandine ne s’aime pas alors que sa petite voix l’aime intensément. Cette opposition rend les moments de symbiose d’autant plus fondamentaux, ceux où Amandine, enfin, accepte la part lumineuse de sa personnalité.

Ma Cage aurait pu sombrer dans la théorie s’il n’y avait eu ces deux actrices, Caroline Arragain et Delphine Baril. Excellentes interprètes, elles ancrent leurs corps dans l’espace du Chapiteau d’Adrienne et rendent le tout concret. A partir d’un thème à la fois rebattu et difficile à manier, le dédoublement de la personnalité et le conflit intérieur, la compagnie Projectyl créé une pièce surprenante, non pas pour sa nouveauté, mais pour sa langueur extatique, sa sensualité aussi et sa sensibilité. Tout passe ici par les gestes, les attitudes, les expressions et l’accompagnement sonore. Le texte se fait rare et se révèle finalement inutile tant la pièce repose sur l’immédiateté et la puissance d’évocation du corps – et de l’esprit – en mouvement.


Ma Cage
Conception et interprétation : Caroline Arragain et Delphine Baril
Décors : Nicolas Darmon
Vidéos : Franck Esposito
Costumes : Christèle Fontenoy
Lumières : Marc Prévôt
Musique : Olivier Villaudy

Au Chapiteau d’Adrienne, 62, rue René Binet 75018 Paris. Jusqu'au 8 juin 2007.
Voir le site de la compagnie pour de prochaines dates : www.projectyl.net

L’INNOCENCE SACRIFIEE

Avec son Hérodiade, Laurent Contamin livre un texte dense, poétique et politique, magnifié par la mise en scène d’Urszula Mikos et le jeu des acteurs. une immersion dans la folie ordinaire.

La pièce commence comme un Big Bang : tout implose. Les personnages réunis sur scène soliloquent, se hurlent dessus, se croisent sans se voir et se parlent sans s’entendre. La cacophonie, ensuite, devient symphonie et la partition complexe, influencée par les techniques scénaristiques, rendue par Laurent Contamin n’épargne personne, ni les acteurs, ni les spectateurs qui doivent travailler, dur, pour saisir progressive,ment les enjeux de cette Hérodiade.



Hérodiade/Hero Died
Texte de Laurent Contamin
Conception et mise en scène d’Urszula Mikos
Vidéos de Muriel Habrard et Vincent Beaumont
Scénographie de Kristina Solomoukha

Interprètes : John Kokou, Tomasz Kowalski, Perle Palombe, Marianne Pichon, Michel Quidu, Charles Rosillo, Olivier Werner, Khalid Benouechen.

Au Théâtre Le Proscénium 168 bis rue de Charonne Paris 11e. Tel 01 40 09 77 19
Du 14 mai au 5 juin 2007.

REICH DONNE LE "LA", KEERSMAEKER LE "PAS"

La compagnie Rosas revient sur les vingt-cinq années au cours desquelles Anne Teresa de Keersmaeker a travaillé jusqu’à l’étourdissement l’écriture minimaliste du compositeur Steve Reich et présente une Steve Reich Evening. Un dépassement chevillé au corps.

En Avril 2002 la compagnie Rosas célébrait ses vingt ans. A cette occasion la « Reine Anne Teresa de Keersmaeker », comme la nommait Dominique Frétard (Le Monde, 2002) dans un article retraçant l’évènement, reprenait des parties de son répertoire et présentait une nouvelle création, April Me.

En composant une « Steve Reich Evening », la chorégraphe flamande nous donne à voir la traduction de sa fascination pour le rapport intense et souverain que la musique entretient avec le mouvement pur. On sait d’elle qu’elle a entrepris de décortiquer les partitions contemporaines de compositeurs tels que Bartok, Ligeti, Cage, Reich… On sait d’elle qu’elle résiste à la musique, s’y glisse, en explore l’architecture, la confronte au jeu chorégraphique afin d’en extraire la partition d’un chant visuel.


Dès le départ, le ton est donné avec la mise en mouvement du Pendulum Music, une installation de Steve Reich datant de 1968 : deux micros attachés à deux cordes pendulaires passent au dessus de deux haut-parleurs posées à terre et déclenchent des sons étourdissants lors de leurs passages, et ce, jusqu’à l’extinction de leur mouvement. Dans cette « evening », tout se compose en spirale et se dénoue en mouvement. En écho à ce précepte, le Poème symphonique pour 100 métronomes, daté de 1990, laisse une fois de plus au public le choix d’une lecture entre imaginaire et étonnement. Le temps de cette version néo-dada du happening, la danse s’est naturellement trouvée en plein accord entre la performance et l’installation. Revoilà quelques constantes des compositions « keersmaekeriennes » : la nuance dans la répétition du mouvement, l’accélération puis le ralentissement, la spirale, enfin l’épuisement, l’inertie. Le parti pris est ferme et assumé : « répète-toi pour mieux te décentrer ».

La musique source de beauté et de défi

Au canon de deux percussionnistes dans Marimba Phase succède le célèbre mouvement chorégraphique pendulaire de Piano phase, l’un des quatre volets de Fase (1982). Du Just Before de 1997, on retrouve le Drumming, Mouvement I dans tout son caractère jubilatoire. La pièce procure l’ivresse d’une polyphonie sensible et rageuse et conserve avec éclat sa ligne émotive. Sa force réside dans l’image offerte d’une danse qui sauve le corps. Loin de se contenter des épisodes précédents la chorégraphe a présenté deux nouvelles créations sur la musique de son compositeur de prédilection. Four Organs, dont les accords scandaleusement hurlés par quatre orgues électriques (1970) a, semble-t-il, égaré les danseurs dans une improvisation mal détourée. En revanche, Eight Lines dont la musique fut créée en 1979, est un pur instant de légèreté. Secoué par des mouvements félins, aériens et enchevêtrés les uns aux autres, c’est tout un style qui se reconduit avec audace et que l’on se réapproprie à chaque occasion.


Steve Reich evening
Théâtre de la Ville, Paris, le 5 Mai 2007
Choreografie / Chorégraphie Anne Teresa De Keersmaeker
Muziek / Musique Steve Reich, György Ligeti
Gedanst door en gecreëerd met / Dansé par et créé avec Botjan Antoni, Tale Dolven, Kosi Hidama, Kaya Kolodziejczyk , Cynthia Loemij, Mark Lorimer, Moya Michael, Zsuzsa Rozsavölgyi, Igor Shyshko, Clinton Stringer, Sue-Yeon Youn, Anne-Lin Akselsen, Anani Dodji Sanouvi

Prochaines dates : Du 23 au 25 Mai : deSingel, Antwerpen Le 5 Juin : Stadsschouwburg, Utrecht Le 9 juin : Les 2curies, Charleroi danses, Belgique

TUER LE PÈRE EN CHACUN DE NOUS

Pour suivre son chemin, pour se libérer des entraves, s’affranchir à jamais des douleurs de l’enfance et s’autoriser enfin à aimer, à jouir.

Faire la peau au faiseur de trouble, surtout quand il s’agit de son propre géniteur, un bien vaste sujet, indéfiniment reconduit, mais qui n’en finit pas de nous poursuivre. Par quelle folie, un jeune homme kidnappe son père, le jour de ses soixante ans, pour lui signifier son mal être, et l’obliger à l’écouter. Et comment, ce qui devait être des retrouvailles se transforme en pugilat ? Certes, la méthode n’est pas commune, bâillonner son père, le ligoter à une chaise roulante et le brutaliser, mais elle donne à réfléchir. À quel degré d’humiliation, un individu a t-il survécu pour éprouver une telle haine ?

Il faut reconnaître qu’il attaque fort Christophe Averlan, dès le lever de rideau, la situation est posée : un homme muselé, cloué dans une chaise, face à lui, un autre homme, plus jeune, lui tend une merveille de gâteau d’anniversaire, tout de crème et de bougies vêtu. Mais, apparemment, l’heure n’est pas aux réjouissances. L’anniversaire, on l’aura compris, ne semble qu’un prétexte à une rencontre. S’engage le monologue du fils où des mots comme des couteaux laminent l’espace de leur virulence mortuaire. Un face à face poignant, où le passé ressurgit par salves, où les questions restent en suspens, où la folie destructrice du fils se mue en cri d’amour pour ce père qui n’a pas su voir, pour ce père qui n’a pas su entendre.

Tel est spectacle d'une acrimonie haute en couleurs dans un décor sobre, écrasé par une lumière blafarde, de celle qui arrache les vers du nez aux menteurs patentés. Posée au-devant de la scène, une immense table rectangulaire recouverte d’une nappe blanche, arbitre la rencontre entre les deux hommes. Mi-table de légiste, mi-autel des morts, elle préfigure le dessein final.

Le daddy maltraité

La langue de Christophe Averlan dérange, indispose, titille les bienséances. L’autopsie remue les tripes. Surtout quand on touche à la sacro-sainte parentalité, on a beau dire, ça décoiffe. Quand le gentil fils s’autorise un numéro de gogo dancer devant son daddy castré, le fauteuil de devant n’est pas assez haut pour se cacher derrière. Il le rosse littéralement de mots improbables : « ça me fait bander de te voir impuissant », « je respire de te voir agoniser ».
La Fondation Beaumarchais ne s’y est pas trompée. Christophe Averlan a du coffre, de la haine aussi. Même si sa langue pêche par endroits par excès de communautarisme et cède parfois à la facilité psychanalysante, tout en condamnant cyniquement son usage, elle en utilise néanmoins les ressorts. Ensuite, il est des synapses qui ne supportent pas les tonalités « gotaineriennes ».

La mise en scène de Patrice Kerbrat, au service de la tension, très physique, respire la dualité permanente. La torture silencieuse du père, castré dans sa possibilité de donner sa version des faits, devient palpable. Une posture volontaire car ici, seule la parole du fils compte. Le père devient sujet passif. Le fils sujet offensif, qui suivant le point de vue qu’il entend donner sur son père, le balade autour de la grande table comme un pion sur l’échiquier. Belle métaphore de l’enfant assujetti aux humeurs des adultes. Jamais, le père n’aura d’autre discours que celui de lutter contre les liens au propre, comme au figuré. Mais, ce père bourreau devient une victime agonisante dont la présence grandissante dérange. Est-ce la folie meurtrière du fils qui provoque la rédemption du père ? Est-ce l’inconfort du bâillon qui rend le père sympathique ?

Charismatique Emeric

Quel numéro d’acteur ! Emeric Marchand sort tout droit d’un film de Gus van Sant, robuste et fragile à la fois. Un corps tellurique avec une tête de petit garçon tout doux. Tout aussi convaincant en smoking noir lamé et écharpe blanche façon James Bond, qu’en strip-teaseur de bars à putes. Il déploie une énergie incroyable à faire entendre sa vérité, ce fils exemplaire dont les questions sans réponses martèlent l’air de leur douleur incommensurable. Il y met tout son cœur et sa prestation est convaincante. Pourquoi cet acharnement ? De quel droit ? Nous n’en saurons rien. Seule l’incapacité à aimer justifie, donne la mesure du ressentiment. Quand les mots font défauts, ils viennent à manquer. Tous ceux que tu n’as pas su me dire, ceux que tu n’as pas su entendre, ceux que je n’ai pas pu ou su te dire… Au final, l’envie de crier « ouf » est grande, car non seulement, on doutait de l’issue de l’acte, mais surtout quelle irrespirable atmosphère. Heureusement, Jean-Yves Chillot enlève son bâillon, et il respire, bien qu’un peu abruti par cette sauvage altercation. Une belle réussite, que les âmes sensibles se fassent violence, le jeu en vaut la chandelle. Parricide, s’il vous plait.


Happy Birthday Daddy
Texte de Christophe Averlan
Mise en scène de Patrice Kerbrat, assisté de Sophie Langevin
Le fils : Emeric Marchand
Le père : Jean-Yves Chilot

Au Vingtième Théâtre, 7, rue des Plâtrières, 75020 Paris. Tel : 01 43 66 01 13.

TERRAIN DE JEU POUR ESPRITS LUDIQUES

C’était à Paris, au Théâtre de la Ville. Des mains sont sorties du sol, des têtes glissantes ont précédé des jambes longues, longues… D’emblée, c’est une subtile mise en jeu du corps disloqué qui est annoncée. La Compagnie 111 a présenté le troisième volet de la trilogie 111 : Plus ou moins l’infini. Après le volume dans IJK, puis le plan dans Plan B, Aurélien Bory, co-fondateur de la Compagnie 111, s’est associé au metteur en scène américain Phil Soltanoff pour mieux s’attaquer à la ligne.

La ligne. Ce trait continu allongé, visible ou virtuel, figure du temps, symbole d’une fuite plus ou moins puissante, plus ou moins fragile, est posé autant en sujet de recherche qu’en décor. Régissant le déplacement des acteurs dans l’espace, la ligne s’affiche tantôt rigoureuse, telle une règle (architecturale ?), tantôt évanescente telle une direction « plus ou moins » mystérieuse, hors champ.
 
Au cœur d’un ensemble de références artistiques exigeantes, l’écriture scénique se met au service d’un instant poétique. Les compositions graphiques strictement agencées envahissent la scène dès les premiers instants et se frayent un chemin jusqu’aux œuvres constructivistes et abstraites vasaréliennes. A l’instar de la ligne, la recherche picturale s’y déploie autour des formes fondamentales infiniment variables. Doit-on entrevoir au travers de cette excitation visuelle la pensée sous jacente des membres du « Op Art » selon laquelle une œuvre d’art doit pouvoir être reproduite aussi souvent qu’on le souhaite et réalisable le plus largement possible afin d’être diffusée massivement et faire éclater le cadre des élites ?

Quand le théâtre fait son cirque

Le cinétisme apparaissant comme un procédé sériel est de rigueur. Les lignes prennent la fuite et les corps se meuvent dans un espace tridimensionnel aux allures de terrain de jeu. Au gré des recoupements de lignes en parallèle ou en biseau, les êtres toujours « plus ou moins » en suspens, se jouent d’un décor minimaliste aux confins de la magie. Les lignes tiennent lieu de cadre à un théâtre qui « trace » à vive allure à la rencontre des arts visuels et du mouvement chorégraphique, loin de la parole. Acrobatie, musique, danse sont au croisement d’un désir de s’approprier l’espace dans sa forme ludique et perméable. Les tiges de bois auxquelles s’agrippent ces acrobates décrocheurs d’étoiles créées un mouvement linéaire léger, constant, parfois sinueux, ou encore en pointillé.

Toujours dans un esprit « Op », la compagnie affirme son refus d’une composition unitaire et son attachement à la création d’un évènement visuel mobile. On s’émerveille de ne pouvoir, « plus ou moins » sur-le-champ, décrypter les dessous de ce jeu et d’être dans l’incapacité de le ramener platement à sa rationalité (la nôtre ?). Partie de tennis ? Bataille d’étoiles ? Partie de squash ? Folles rencontres amoureuses ? Nouvelle définition du temps? Lignes de nos vies ? Peu importe. Cet univers se montre soucieux de l’imaginaire des spectateurs.

Un sentiment de légèreté s’est infiltré dans nos corps le temps de cette soirée. Qu’attendre de plus d’une représentation que l’actualité nous fait avaler uniquement dans sa forme duelle et frontale ?


Plus ou moins l’infini
Scénographie et écriture
La scénographie et la recherche de l’écriture scénique sont le résultat d’une collaboration de tous les membres de l’équipe.
Conception Aurélien Bory
Mise en scène Phil Soltanoff
Création lumière et régie générale Arno Veyrat
Musique Olivier Alenda, Julien Cassier, Phil Soltanoff
Site : www.cie111.com