Festival Scènes étrangères : à la Rose des Vents de Villeneuve d’Ascq les 8 et 9 décembre 2007.

Seagull-Play (Villeneuve d’Ascq / Lille)

EXPRIMER TOUT LE THÉÂTRE

Revoici « La Mouette » de Tchekhov. Elle est prétexte à une formidable démonstration de ce qu’est l’art théâtral. Sur la trame de l’œuvre originelle, le Brésilien Enrique Diaz dépeint en actions le phénomène des possibilités d’images, d’ellipses, de transformations mentales de la réalité en la multitude de codes que la scène offre. Une prodigieuse jubilation !

De l’intrigue tchekhovienne, ne reste que le fil conducteur : des personnages en recherche d’eux-mêmes, des auteurs et des comédiens entre réussite et échec, des couples à l’affût d’un bonheur qu’ils sont incapables de réaliser. Assez pour que le spectateur suive l’intrigue, assez pour qu’il se remémore d’autres versions de cette comédie dramatique.


L’essentiel est ailleurs que dans l’anecdote et le texte initial. Il est dans la réflexion active pratiquée en vue de faire sentir au public en quoi réside l’essence du théâtre. En quoi celui-ci suscite une connivence permanente grâce à l’interaction entre la présence effective des comédiens, les artifices qui s’éloignent du réel mais s’efforcent aussi à un certain naturel, la conjonction du temps vécu au présent et celui totalement élastique d’une œuvre.

Tout est motif à explorer l’art dramatique. Parfois, ce sont les didascalies qui sont dites ou des extraits de pièces, quand ce ne sont pas des notes qui sont prises au vol. Parfois un machiniste dépose sur scène ou dans la salle des lecteurs de CD qui diffusent un décor sonore en multiphonie. Le metteur en scène vient confier pourquoi il veut des bruits de grenouille sur un monologue. Une tirade explique le travail que requiert le métier d’acteur.

Des repères se créent. Une tache de café au sol devient un lac. Deux doigts en mouvement par terre décrivent une promenade solitaire. Un veston endosse la personnalité d’un protagoniste invisible. Des accessoires apparaissent, deviennent des partenaires de jeu. Ils agrémentent ou contrastent, tel ce chou-fleur censé être mouette. Un ventilateur organise le vent à même le plateau. Un hélico télécommandé vient superviser la prestation. Une pomme de terre prend des allures de poupée vaudou. Du terreau est répandu sur les corps comme pour symboliser la fertilité des arts de scène. Une bande Velpeau résume le suicide raté. Une tomate écrasée exprime une mort sanglante. Les feuilles des dialogues et des notations finissent jetées dans des plantes. Des images vidéo s’insèrent çà ou là

Interactions : scène-salle, auteur-acteurs, passé-présent

Les comédiens s’interrogent à propos de ce qu’ils jouent. Ils se refilent leurs rôles, changeant de personnages avec naturel, tout en conservant au moins un des ses attributs pour soutenir la compréhension. Un micro est posé et testé sur quelqu’un. Ils sont capables de murmurer, de crier, de se moquer, de gesticuler, de chanter, de se mettre nu, de se déguiser, de râler, de jouir. Toujours avec même conviction, identique sincérité, toujours en affirmant  haut et fort qu’ils peuvent être géniaux à certains moments ou nuls à d’autres. Si bien que le public se trouve simultanément dans son fauteuil, sur la scène et au cœur des coulisses ; qu’il assiste aussi bien à la représentation qu’à sa conception.

Cela semble un joyeux désordre. Cela se révèle un formidable travail de mise en sens à la fois de l’œuvre de Tchekhov et de ce qui constitue le théâtre en tant que création et représentation du monde réel, de l’univers mental. On ne compte plus les trouvailles. Elles n’empêchent cependant pas l’émotion d’être perceptible et communicative : il s’agit bien de théâtre véritable, d’échanges forts entre les comédiens et les spectateurs mais aussi entre générations, entre époques.


La Mouette (Seagull-Play)
Auteur : Anton Tchekhov (texte adapté par les comédiens et le metteur en scène)
Mise en scène : Enrique Diaz
Distribution : Lorena da Silva, Emílio de Mello, Enrique Diaz, Felipe Rocha, Gilberto Gawronski, Isabel Teixeira, Mariana Lima
Scénographie : Afonso Tostes
Vidéo : Daniela Fortes, Enrique Diaz
Musique : Lucas Marcier, Rodrigo Marçal (Arpex Studio)
Lumière : Maneco Quinderé
Costumes : Cello Siva
Direction du mouvement : Cristina Moura
Production : Emílio de Mello, Enrique Diaz
 
Coproduction : Temps d’Images 2007 / La Ferme du Buisson, Scène nationale de Marne-la-Vallée, en coréalisation avec le Festival d’Automne à Paris
Société productrice : Centro de Empreendimentos Artísticos Barca Ltda
Diffusion : Made in Productions

Photo © Paulo Lacerda

PÉDAGOGIE D'UNE SOLANACÉE

Prolifique auteur d'une bonne centaine de pièces, Bernard Da Costa nous donne à voir et découvrir ici une œuvre étrange dans laquelle deux êtres à la fois forts et fragiles, très différents aussi, se retrouvent pour, à leur manière, refaire le monde à leur échelle.

Une plantation de tomates, curieux endroit pour une rencontre !... C'est pourtant là que va se produire cet événement unique, emblématique, entre Karim dit Kim, un jeune délinquant récidiviste en fugue du centre de rééducation dont il est  pensionnaire, et Clémentine, une femme d'un certain âge qui mène une vie quelque peu marginale en cultivant des tomates avec tout l'amour et l'attention que l'on doit avoir pour mener à bien cette tâche. Les premiers contacts sont tendus. Kim est au seuil d'une vie déjà marquée par une révolte puissante contre les humiliations, les violences subies et rendues, l'absence de perspective sensée. De Clémentine, on ne connaîtra pas tout de suite le passé. On apprendra plus tard qu'elle a été exclue de l'Education Nationale pour avoir frappé l'un de ses élèves...


Clémentine est la constance, la patience même. Incapable de se projeter dans l'avenir, Kim réagit au quart de tour, souvent avec violence... Clémentine propose à Kim de s'occuper des plants de tomates contre une modeste rétribution... Kim accepte après avoir hésité un certain temps. Il va peu à peu découvrir, non sans mal, que ce travail l'oblige à faire preuve de toutes les vertus que son absence d'éducation ne lui a pas permis de découvrir : la rigueur, la patience, l'humilité, peut-être aussi, enfin, une certaine forme d'amour, au sens le plus large du terme.

Métaphore de la liberté en forme de pomme d'amour...

La tomate, c'est évident, est ici le personnage central, l'héroïne même de cette tragi-comédie moderne, ainsi que la définit Marie Pagès (Clémentine) qui en a réalisé la mise en scène. Symbole de la nature, dans toute sa richesse de couleurs et de saveurs, qui en elle à nos yeux se focalise, elle est le point de rencontre des deux personnages et, dans sa croissance, l'axe même de leur commune évolution : le cheminement de chacun d'eux vers l'autre. La progression du temps est marquée ici par la succession des plans de tomates qui, d'une scène à l'autre, ont grandi et mûri...

Mais la tomate, fruit coloré et charnu dans lequel on mord avec volupté, correspond aussi paradoxalement à ce bon vieux principe de réalité qui ne permet guère d'échappatoire, encore moins de comportements anarchiques dans la quête par chacun de sa propre liberté, laquelle, comme on le sait bien, est connaissance de la nécessité. Clémentine en fît jadis la cruelle expérience dont elle tira les enseignements... A son tour, Kim va payer son propre tribut : il sera condamné à la prison pour violences graves envers le directeur du centre de redressement. Il gardera néanmoins, en attendant, le contact, au moins téléphonique, avec son mentor féminin. « J'ai changé... » lui dira-t-il. « Moi je n'ai pas changé... » lui répondra-t-elle... Sans doute, dès cette constatation faussement contradictoire, un nouveau départ sera possible plus tard...

Marie Pagès est très convaincante dans le personnage de Clémentine à qui elle sait conférer une certaine et bienvenue opacité. Benoît Thévenoz sait faire de Kim un garçon aux comportements contradictoires allant de la douceur à l'inattendue violence.


Le Bonheur de la tomate de Bernard Da Costa.
Avec Marie Pagès et Benoît Thévenoz.
Mise en scène de Marie Pagès. Création 2007/Cie Salieri-Pagès.

Du 11 au 15 décembre 2007
2007 à 20h30 au Ring, 13, rue Louis Pasteur, 84000 Avignon.
Tél. 0490270203.

Photo © DR

Installés dans un bunker, une trentaine de spectateurs assistent à l’enfer des familles en proie à l’inceste, à la pédophilie, à l’alcoolisme, aux pressions sociétales, aux dérives mentales, au sadisme érigé en morale. Un moment fort, rendu plus palpable encore grâce à l’intimité scène-salle.

Écrit par l’autrichien Werner Schwab (1958-1993), mis en scène en italien par Marco Martinelli, « Sterminio (Extermination du peuple) », ne s’embarrasse guère des conventions. La faune humaine qui grouille au sein d’un immeuble est une caricature sociétale qui va au-delà de l’expressionnisme. Elle est à la fois satirique, monstrueuse, apocalyptique, hallucinante.


À l’entresol, la mère Ver et son fils, peintre ivrogne au pied bot. Ils exsudent leur haine réciproque en un amour criminel. Au-dessus, fermente la famille Kovacic, immigrés parvenus qui se veulent plus autochtones que les autres, intégrés dans la consommation à tout crin et dont les filles sont des teignes provocatrices. Enfin, au sommet, la Pestefeu, aristocrate déchue, autocrate méprisante à tendances sadiques, profitera de son anniversaire pour massacrer ses voisins.

Une mise en scène d’ambiances contrastées

Martinelli a réalisé une mise en scène d’atmosphères. La pénombre du début et celle de la séquence du massacre permettent des effets de lampes de poche susceptibles de modifier l’aspect des corps. Le visible en devient difforme et l’à peine visible stimule l’imaginaire du côté d’une fabuleuse hideur et d’un érotisme boueux.

Le contraste avec l’éclat coloré de l’endroit où les Kovacic étalent leur suffisance polychrome frappe le public de plein fouet. Veulerie et hypocrisie s’incarnent en parents tandis que cruauté et fourberie se clonent en adolescentes vicieuses. Quant au sadisme de Pestefeu, il se déchaîne en une séquence onirique hallucinée. Le tout ainsi brassé tient de Lautréamont, de Sade et de Gombrowicz, cocktail de démesure, d’humour décalé, de lyrisme pastiché, de valeurs réduites en purée. 

Le jeu très physique des interprètes est dense. Tout se trouve dans les corps, leurs mouvements, leurs déplacements. Les voix agissent comme des mélopées. Et peu importe si on ne comprend pas la langue, si le surtitrage est plutôt rapide en sa prolixité. La puissance charnelle des présences, l’étrangeté des éléments de décor, les contrastes des éclairages en disent davantage que les mots.


Scènes étrangères : Le Garage Théâtre de l’Oiseau-Mouche à Roubaix du 30 novembre au 5 décembre.

Sterminio (Extermination du peuple)
Texte : Werner Schwab (éd. L’Arche, 1998)
Mise en scène : Marco Martinelli
Distribution : Alessandro Argani, Paola Bigatto, Cinzia Dezi, Michela Marangoni, Ermanna Montanari, Laura Redaelli
Scénographie : Enrico Isola, Vincent Longuemare
Lumières : Vincent Longuemare
Costumes : Vincent Longuemare, Ermanna Montanari
Son : Franco Masotti

Production : Ravenna Teatro (via di Roma 39, Ravenna [I])

Photo © Ravenna Teatro

LIBERTÉ TROMPEUSE

« Jouissez ! » fut l’injonction emblématique de mai 68 et le symbole d’une invitation à la liberté sexuelle. Vu par le regard du cinéaste Jean Eustache, cet état des mœurs affectives et sexuelles de l’époque donnera naissance, quelques années plus tard, au film La Maman et la Putain. Olivier Rey s’empare aujourd’hui de ce succès cinématographique, en révèle la dimension contemporaine et théâtrale.

Alexandre est un jeune homme oisif qui partage son temps entre Gisèle, l’ex qu’il tente de reconquérir, Marie, la femme avec qui il vit et Véronika, l’infirmière qu’il vient tout juste de rencontrer : trois figures de la femme fantasmée et idéale à la fois mère, épouse et putain. Dans une société en pleine redéfinition, Alexandre oscille entre attitude réactionnaire et mélancolique résignation. Un combat intérieur inscrit dans une époque permissive, dans une mutation des rapports amoureux, dont nous sommes sans aucun doute les héritiers. Réactualisant quelque peu le contexte, Olivier Rey réussit à nous transmettre l’idée de Jean Eustache d’un déclin des utopies soixante-huitardes, tout en nous parlant au présent.


L’amer goût du désespoir

Olivier Rey nous pousse dans le précipice de l’œuvre avant même de commencer sa pièce. Personnages fumant ou dormant, dans l’atmosphère silencieuse d’une chambre en désordre, nous sont livrés dès l’entrée dans la salle. Puis tout s’éteint, le rideau se ferme et l’histoire  se construit dans différentes ambiances nocturnes jusqu’au retour de l’image initiale. Eclairée par l’ensemble de la pièce, cette peinture de la luxure se dote à terme d’un amer goût de désespoir. Le metteur en scène a soigneusement sélectionné et agencé les passages du film dans une succession de séquences pimentées, imprégnées par divers paysages musicaux.  Ici, pas de trompe l’œil mais un théâtre brut avec changement de décors à vue se mêlant au discours théâtral. Le texte de l’auteur sort délibérément du cadre scénique et s’adresse à qui voudra bien l’entendre, interpellant et incluant tour à tour personnages, régisseurs ou spectateurs à l’action dramatique.

Avec un début presque sur-joué, La Maman et la Putain d’Olivier Rey gagne sans tarder en intensité pour exploser lors du monologue final de Véronika, où l’émotion s’empare littéralement de nous. Des paroles crues et acerbes à la hauteur de la blessure du personnage nous prennent aux tripes sans crier gare, nous frappent de leur triste lucidité. L’interprétation admirable des comédiens nous emmène d’un tragique qui fait sourire à la profondeur du désespoir de jeunes anéantis par une révolution faussement libertaire. Un très bel écho théâtral au film de Jean Eustache.


La Maman et la Putain, de Jean Eustache
Mise en scène d’Olivier Rey
Avec Carl Miclet ou Sylvain Bolle-Reddat, Mahaut d’Arthuys, Marianne Pommier et Magali Bonat
Son et Lumières, Emmanuelle Robin
Costumes, Nadège Joannès

Du 27 novembre au 6 décembre et du 11 au 21 décembre 2007, au Théâtre les Ateliers,
5 rue Petit David 69002 Lyon
Tél : 04 78 37 46 30 / www.theatrelesateliers-lyon.com

Photo © Johann Trompat

Désormais, l'histoire du théâtre, ne pourra plus s’écrire sans Milin. Avec L’Homme de février, créé en 2006, il nous invite à explorer la boîte noire du cerveau et réinvente la mise en scène. 

Révolutionnaire, déjanté et toujours profondément réfléchi, « L'Homme de février » bouleverse tous les codes du théâtre et laisse au spectateur l'impression d'avoir vécu une expérience unique. Et c'est bien d'expérience qu'il faut parler, puisque Milin, après « Le Triomphe de l'échec » et « Machine sans cible »,  s'interroge encore une fois sur la création, la science et le fonctionnement du cerveau humain.

Futur indéterminé. Cristal rêve de devenir chanteuse. Seul problème, dès qu'elle se trouve confrontée au public, sa peau rougit, gonfle et se couvre de plaques. Une hyper sensible. Pour se réparer, Cristal se dope, à l'aide de cocktails de médicament qu'elle a soigneusement mis au point. Avec clarté et lucidité, elle analyse son problème, sans pour autant renoncer à sa drogue.


Assis tout autour de la scène,  voilà soudain le public plongé au cœur d'une salle de contrôle futuriste, dans laquelle une tripotée de scientifiques de tout poil analysent les moindres faits et gestes du cerveau de Cristal, chaque production de sa pensée. Dans cette chambre de mesure quantique, mise au point pour capter l’intuition créatrice, chez les scientifiques, comme chez les artistes, tout est calculé, mesuré, décortiqué...jusqu'aux relations des spectateurs avec les acteurs ou entre eux, car, comme l'explique Gildas Milin, "ici, les perturbations et les incidences des uns sur les autres sont l'objet même de la représentation". 

Fiction et rock’n roll

Dans sa recherche intérieure et sa reconquête d'elle même, Cristal fait la connaissance de Christelle, son double inversé. Christelle aussi est chanteuse, mais n’a besoin d’aucune drogue pour affronter le public. Une amitié se forge entre les deux femmes. Cristal livre peu à peu ses névroses à Christelle, qui invente à son amie une fiction, l’Homme de février, pour l’aider à se reconstruire.

L’Homme de février est un personnage fictif, mis au point par le thérapeute américain Milton H. Erickson. Pour sortir ses patients du mutisme, il leur propose d’inventer un personnage imaginaire qui sera toujours à leurs côtés pour les soutenir. Selon lui, la fiction est porteuse de guérison.

Mais dans la fiction à univers multiples de Milin, qui est vraiment l’Homme de février? Christelle, les musiciens accompagnant les deux chanteuses, les scientifiques, le spectateur lui-même?

Le metteur en scène choisit de ne pas répondre. Il surprend, dérange. Se met volontiers en danger, et ose tout. Notamment ce concert de rock d’une demi-heure, mettant en vedette les deux chanteuses, qui remet en cause avec audace la séparation des genres et des arts, et questionne encore une fois la mise en scène, avec un “spectacle dans le spectacle”.

Une mise en scène qui, justement, respire le happening, dans lequel elle est née au cours de différents festivals. Les acteurs-musiciens de la troupe des Bourdons farouches s’amusent, étonnent, et s’amusent d’étonner. Tous vêtus d’une combinaison de plongée -plongée dans l’âme, dans les méandres de la création ?-, leur jeu est impeccable, que ce soit en tant que comédiens ou comme rockeurs.

La salle reste ébouriffée devant tant d’innovations théâtrales, un peu décontenancée peut-être, mais toujours enthousiaste face à cet ovni fantasque et génial qu’est Gildas Milin.


L’Homme de février
Théâtre de l'Ideal à Tourcoing,
Texte, musique et mise en scène : Gildas Milin - Intervention sur l’espace : Élise Capdenat - Costumes : Magali Murbach -  Lumières : Bruno Goubert - Son : Samuel Pajand
Avec: Jérôme Boivin, Flavien Gaudon, Olivier Guilbert, Déborah Marique, Gildas Milin, Samuel Pajand, Julie Pilod, Guillaume Rannou, Philippe Thibault, Vassia Zagar.
 
Photo © Katrin Ahlgren