LES 400 COUPS D'UN ENFANT TERRIBLE

Succès de fait pour le Centre Dramatique Régional (CDR) de Tours avec Victor ou les enfants au pouvoir. Une création de qualité qui met en opposition clarté des apparences et noirceurs des âmes, rires et effrois. Mais qui laisse pourtant un arrière goût d’inabouti…

Ce soir, Victor fête ses neufs ans. Du haut de son mètre quatre-vingt-un et de son vécu d’enfant modèle, Victor va être le roi de la fête. Et mener la danse tout au long de la nuit. Car ce soir, Victor a décidé de changer l’ordre des choses. Les passer dans la moulinette de sa terrible intelligence pour les resservir en amuse-bouche, plat principal et dessert. Pour trinquer au vitriol à la santé de ses proches. Balancer bien soigneusement deux trois coups de pieds dans la fourmilière. Histoire de voir ce qu’il s’y passe. Histoire de lever le voile de la bienséance bourgeoise et des habitudes. Et montrer crûment les choses telles qu’elles sont. Pour dénoncer, pour rire. Et mieux désespérer.

Rite de passage par excellence, les fêtes d’anniversaire célèbrent la fin d’un état et le début d’un autre. Et si la ferveur de la fête donne souvent la primeur à la porte qui s’ouvre pour masquer celle qui se ferme, l’anniversaire marque toujours la rupture. C’est autour de cette idée de rupture que se construit le spectacle. Une rupture assez habilement mise en espace, avec l’utilisation de l’arrière- scène représentant à la fois le jardin et la dimension onirique de la pièce. Rupture aussi entre la blanche apparence du décor et la noirceur des sentiments. Entre la légèreté du piano (joué sur scène) et la froideur des lumières. Entre la supposée naïve candeur de l’enfance et le machiavélisme affiché de Victor. Entre le texte enfin et le jeu des comédiens, oscillant entre burlesque et tragédie.

En quête de rupture

Ces ruptures, qui jalonnent donc la pièce, conduisent les personnages au bord des gouffres de la folie et les ramènent dans le cadre rassurant des usages mondains. Pour mieux les faire basculer dans les affres du désespoir. Le tout dans la joyeuse agitation du rire. Car le but est bien ici de rire. Rire des prétentions, de l’adultère, de l’inceste, de la folie, du patriotisme. Mais rire aussi de l’échec – échecs éducatifs, amoureux, filiaux et sociaux – pour le rendre plus pitoyable. Plus miséreux. Profondément humain.

Sans doute, le propos est-il daté. Ecrite en 1928, la pièce met en scène des relations sociales bourgeoises qui ne sont plus vraiment de mise aujourd’hui. Mais le message de Vitrac garde pourtant toute sa pertinence. Sur l’enfant roi. L’enfant clairvoyant, l’enfant manipulateur. L’enfant grandi trop vite. Sur les apparences trop lisses qui cachent des vérités houleuses. Sur les mensonges confortables et les certitudes bancales. Sur l’envie de tout envoyer paître parfois. Loin des conventions. Et sur la fonction à la fois salvatrice et destructrice du rire. D’autant que l’aura surréaliste de la pièce lui rend accessible toutes les époques. Et que la mise en scène accentue le côté irréel des choses.

Petit goût d'inabouti

La première demi-heure de représentation peine pourtant à trouver les grâces du public. Il faut attendre l’entrée en scène d’Antoine Magneau (magistralement interprété par Samuel Bodin) pour que l’ensemble décolle vraiment. Envolée absurde et grisante qui entraîne l’intrigue dans un tourbillon jubilatoire. Mais un tourbillon qui s’affaiblit parfois, la mise en scène semblant par endroits inégale. Ici encore, l’effet recherché est vraisemblablement la rupture. Mais on ne la trouve pas vraiment. Car si les envolées délirantes sont fort adroitement conduites, les passages posés manquent de consistance. Ni complètement normalisés, ni tout à fait caricaturaux. Un peu comme si Bouillon n’avait pas su trancher entre deux tendances. Et c’est dommage.
Une hésitation que l’on retrouve également dans le décor, au demeurant fort beau. Mais qui aurait porté plus loin le surréalisme en gagnant en épure. En évoquant plus qu’en montrant. En faisant disparaître l’objet fonctionnel (qu’il soit chaise, cadeau, poste de télévision, vivier ou coiffeuse) au profit d’un ressenti plus fugace et plus porteur.

Bien sûr, la pièce n’en est encore qu’à ses balbutiements et tout n’a pas encore trouvé sa place. Bien sûr, la création est risquée et les soirs de premières ne peuvent pas offrir un spectacle mature. Bien sûr aussi, les comédiens portent la pièce avec brio. Mais au final subsiste une impression d’inabouti. Une frustration liée à cette idée tenace que la création aurait pu tenir du grandiose. Et qu’elle ne fait que flirter avec...


Victor ou les enfants au pouvoir,
de Roger Vitrac, mise en scène de Gilles Bouillon
Avec : Alice Benoit, Mathilde Martineau, Aurélia Poirier, Hélène Stadnicki, Julie Timmerman, Samuel Bodin, Bertrand Fieret, Gaëtan Guérin, Christophe Reymond et Alain Bruel

Centre Dramatique Régional de Tours, Nouvel Olympia, 7 rue Lucé – Tours – 02.47.64.50.50
Du 12 janvier au 03 février à 20h30 sauf les mercredi et jeudi à 19 h. relâche les dimanche et lundi.

Théâtre de Chatillon (Paris) du 9 au 24 mars - tous les soirs à 20h30 sauf le jeudi 15 à 19h.

UNE PLAISANTE VERSION D'OPÉRETTE

La comédie la plus célèbre de Gogol revient dans une mise en scène de Christophe Rauck. Il privilégie un comique visuel proche des films muets burlesques et une atmosphère de vaudeville à l’ancienne avec couplets chantés.

La fable est drôle et cruelle. Un jeune surendetté, Khlestakov, débarquant dans une bourgade provinciale, est confondu avec l’inspecteur gouvernemental chargé de vérifier l’honnêteté et le bon fonctionnement de l’administration locale. Résultat de ce quiproquo, les magouilleurs du coin cherchent à acheter le silence du prétendu fonctionnaire. Celui-ci comprend vite à quel point il peut profiter de la situation et ne s’en prive pas.

La troupe s’est résolument investie dans un jeu corporel très au point. Chaque mouvement est calculé et quasi mis en chorégraphie. La maîtrise physique crée une caricature de silhouettes qui renforce l’impression de pantins désarticulés, manipulés. C’est le côté le plus plaisant de cette représentation où le public a l’impression de voir défiler, tressauter, gambader des personnages empruntés à Chaplin, Keaton ou Lloyd. Le mouvement finit par l’emporter sur le texte. Entrées et sorties se succèdent à un rythme effréné notamment grâce à des armoires et des cabines d’essayage devenues coulisses, un escalier venu des cintres. L’œil y trouve son compte.

Le sens du piquant

En revanche, il semble qu’entraînés par l’énergie déployée, une bonne partie des comédiens se laissent aller à en rajouter par moments. On frise alors le comique grimacier et gesticulatoire agaçant d’un de Funès.
C’est le cas de Juliette Pluecocq-Mech dans le rôle de l’étudiant imposteur. Son côté androgyne mise sur une certaine ambiguïté qui rend le rôle intéressant. Sa souplesse d’acrobate lui permet bien des facéties qui cependant n’évitent pas, parfois, une sorte de cabotinage.
Marc Chouppart, en bourgmestre madré et pétochard, est délicieux. Il use de registres sans cesse différents.
En épouse frustrée, Emeline Bayart impressionne par sa pétulance et, en juge, Myriam Azencot par sa sobriété.
Le reste de la troupe campe alternativement des rôles drolatiques et des silhouettes éphémères autant que récurrentes avec un sens du détail piquant.

On s’amuse. On décroche çà ou là, car certains passages manquent un peu d’intérêt. On se laisse emporter par le dynamisme de l’ensemble. Par des trouvailles plus ou moins bienvenues. Par l’une ou l’autre surprise farfelue, comme cet attelage vaguement surréaliste dans lequel l’escroc prend la fuite, comme ces apparitions vidéo amusées (cafards de la chambre d’hôtel, slogans, portraits…). Par le côté parodique des chansons de Rémi De Vos. A contrario, la portée morale et sociale de la comédie de Gogol paraît totalement gommée par la farce. En ces temps de malversations politiques ou financières banalisées, c’est plutôt dommage et cela ne fera précisément pas oublier la mise en scène très engagée du Letton Alvis Hermanis voici un an ou deux.


Le Révizor
Texte : Nicolas Gogol (éd. Actes Sud, 1999)
Mise en scène : Christophe Rauck
Distribution : Myriam Azencot, Emeline Bayart, Marc Chouppart, Amélie Denarié, Florent Fichot, Gilles Geenen, David Geselson, Jeanne Gogny, Martial Jacques, Alexis Jacquet, Jean-Charles Maricot, Nora Meurin, Juliette Plumecocq-Mech, Pierre-Henri Puente, Hélène Sir-Senior, Marc Susini
Musiciens : Marc Barnaud, Arthur Besson
Paroles des chansons : Rémi De Vos
Musique : Arthur Besson
Scénographie : Aurélie Thomas
Costumes : Coralie Sanvoisin / Lumières : Olivier Oudiou / Vidéo : Thomas Rathier / Mouvement : Claire Richard / Voix : Tania Pividori

Production : Comédie de Reims, CDN ; Compagie Terrain Vague (Titre Provisoire) ; Théâtre du Peuple - Maurice Pottecher Au Théâtre du Nord à Lille jusqu’au 19 janvier 2007.
En tournée : à Château-Gonthier les 23 et 24 janvier ; Centre dramatique de Limoges du 1er au 3 février. 

PSY-CHÉDÉLIQUE

Les Lyonnais étaient au rendez-vous, samedi 16 décembre, pour venir applaudir le jeune célibataire – dixit l’artiste lui-même – mais néanmoins séducteur Chris Orlandi. Une heure de spectacle pour se délecter de ce joli minois et adhérer ou non à l’esprit déjanté de ce one man show, qui nous emmène dans le cadre intimiste de la psychothérapie.

Sur scène, un mobilier de circonstance pour recréer l’atmosphère du cabinet « doctoral » ; dès lors, nous devenons tous, malgré nous, des analystes potentiels à l’écoute des états d’âme, angoisses et obsessions de l’humoriste. Mais ici, le divan apparaît comme symbole de la copulation, la psy Natacha devient tour à tour Mata Hari ou "Tabatacache" (ndlr, allusion à la star du X), et Freud qui veille du haut de son portrait n’est bon qu’à fredonner quelque rengaine. Très vite, la thérapie dérape et tout le monde en prend pour son grade. Fred, l’ex bedonnante qui s’en est allée avec une autre femme, le sexologue aux techniques de guérison contorsionnistes et ce cher public qui comptait rire, sans se mouiller, du ridicule du personnage.

Ah ! Qu’ils devaient nous envier ces spectateurs privilégiés des rangs d’honneur, mis au banc de touche sous nos yeux moqueurs ! Car de conseils de drague en intrusion dans la vie de couple et petits pics cinglants sur les capacités de compréhension de son auditoire, rien n’arrête Chris Orlandi. Un show euphorisant tant l’hystérie du patient est ici exacerbée. Au nombre de ses symptômes se comptent des hallucinations auditives ; des intermèdes musicaux ponctuent ainsi la représentation et laissent Chris Orlandi pousser la chansonnette et se déhancher frénétiquement jusqu’au retour soudain à la réalité.

Le salace, ça lasse...

Surprenant ? Certes ! Hilarant ? Peut-être moins. Comme quoi le comique de répétition n’a pas son effet garanti. On s’attarde davantage sur le travail de la langue où les pirouettes stylistiques égalent les jeux de mots humoristiques. Distorsions, liaisons et art de scander farfelus des phrases et des mots font renaître Paul… Nareff ou nous convertissent au Christophisme. Pas de panique, le malade souffre sûrement de dyslexie ! Cette façon qu’a le comique de rebondir sur les syllabes et consonances pour faire surgir des idées inattendues et presque outrancières, crée des connivences avec les bons bouffons que nous sommes, et nous octroie quelques moments de franche rigolade. Mais attention à ne pas tomber dans la facilité. Car si les métaphores et périphrases s’avèrent maniées avec talent, elles n’empêchent pas de rendre prévisibles quelques saynètes et donc d’en amoindrir le résultat. Le sujet est bien choisi et offre d’importantes ressources cocasses et drolatiques, mais on est en droit de regretter certaines facéties dues à la pléthore de propos graveleux déjà maintes fois utilisés dans le circuit humoristique. A la fin, le salace, ça lasse...


Je suis fou de ma psy
One man show de Chris Orlandi
Le 16 décembre à la Salle Rameau, 29 rue de la Martinière 69001 Lyon

En tournée le 31 décembre, au Théâtre du Monte Charge à Pau, les 12 et 13 janvier 2007 au Vertigo à Nancy, en mars 2007 au Koek’s Théâtre de Bruxelles, les 12 et 13 mars 2007 au Théâtre de Poche à Sète, en mai 2007 au Théâtre de la Marguerite à Antibes et en juillet 2007 au Festival Off d’Avignon.

Cool Production : Tel : 01 42 47 02 33 - GSM : 06 03 53 98 73

UNE SATIRE MUETTE DU QUOTIDIEN

Le Théâtre TKO est venu de Pologne pour le festival « Scènes étrangères » de la Rose des Vents. Ses comédiens jouent l’écrivain Bohumil Hrabal sans lui emprunter ses mots. C’est drôle, plutôt acidulé et quasi chorégraphié.

L’accueil par quelques figurants préfigure déjà ce qui suivra. Un contrôle presque policier précède un passage entre des femmes aux seins transformés en lampes de poche et comme surprises dans des attitudes de la banalité journalière. La salle est envahie par un lancinant bruit de train lancé sur ses rails. Quand vient la lumière, des valises métalliques sont dispersées dans l’espace, des êtres figés en statues prennent des attitudes d’attente, d’inquiétude, d’espérance, de lassitude, de tensions. Les images sont fortes qui se figent et redémarrent dans une atmosphère d’étrangeté.


Le spectacle enfile des saynètes, agrémentées de musiques typiques, dans lesquelles dominent le curé et la vodka. Elles décrivent, pimentés par la caricature, des rituels englués dans une banalité qui les rend ridicules et attendrissants. Les gestes seront toujours en rupture entre l’élan et l’hésitation, l’audace et la timidité. Les mouvements balanceront entre la solitude individuelle et l’attirance vers l’autre, l’individu personnalisé et la collectivité rassurante autant qu’agaçante.

Dérision omniprésente

Au commencement, il y a le père qui attend à la maternité la naissance de son bébé. Le baptême se concrétise en libations. La cérémonie nuptiale connaît ses accrocs et sa bonne humeur factice ; elle se décline en tiraillement entre rêve amoureux et réalité pragmatique. La confession est aussi un jeu de séduction entre pasteur et pénitentes. Mort, enterrement et veuvage poursuivent le cycle et le bouclent. En leitmotiv, un chanteur de rues fait défiler dans son orgue de Barbarie des paysages de grandes capitales tandis que retentit une chanson, tube stéréotypé lié au lieu. Ainsi la dérision reste-t-elle omniprésente. Tandis que les éclairages variés de Lisek Lukowski campent chaque ambiance avec subtilité.

Les cinq interprètes se meuvent dans l’espace, le bouleverse en modifiant les places des valises devenant tour à tour décor et praticables. Sans être du mime, leur prestation présente des aspects de chorégraphie. La connivence entre les comédiens donne sa malice à un divertissement agréable que l’on classera derrière le souvenir laissé autrefois par « Le Bal » que monta Jean-Claude Penchenat avec le Théâtre du Campagnol, filmé ensuite par Scola, et dont le propos, au-delà de l’humour, suggérait des réflexions sociétales profondes.


Vends maison où je ne veux plus vivre
Bohumil Hrabal (éd. Seuil, coll. Points, 1992)
Distribution : Grazyna Srebrny-Rosa, Marta Zon, Jacek Buczynski, Bartosz Cieniawa, Marciej Slota Mise en scène, adaptation et choix des musiques : Jerzy Zon
Scénographie : Joanna Jasko-Sroka
Costumes : Zofia de Ines - Lumière : Jerzy Lisek Lisowski
Production Théâtre KTO de Cracovie

PAROLES DE GLACE

De sa Norvège natale, Jon Fosse nous apporte le froid avant l’heure : mots gelés et attitudes crispées caractérisent l’Hiver du dramaturge. Alors que le thème s’attache à explorer la rencontre amoureuse, le texte en illustre la banalité comme l’indicible jusqu’à devenir, paradoxalement, symbole de la non-rencontre.

Tout commence étrangement. Le décor est posé. La ville, son activité, ses bruits… et cette déambulation chorégraphiée de présences éparses qui se croisent, s’évitent, se cherchent. Et puis soudain, deux êtres, côte à côte, sur un banc public, un instant à peine… Alors la parole enfin s’enclenche, brutale, incisive, répétitive. La Femme s’adresse à l’Homme dans un élan qui respire la souffrance, la colère, la demande… d’être aimée. « Je suis ta nana » scande-t-elle à tout bout de champ, quand lui se défile par des « Il faut que j’y aille ». Quand l’un fait un pas en avant, l’autre recule et les rôles s’inversent imperceptiblement au fil des rendez-vous qui rythment cette liaison inattendue. Les personnages semblent coincés entre le dialogue intérieur, réflexif et la véritable adresse à l’autre, piégés par les émotions ou libérés par les insultes qui seules fusent sans retenue.


Sur scène, le lit de la chambre d’hôtel côtoie l’extérieur urbain. Une abolition des frontières qui nous fait passer sans transition de la sphère intime à la sphère publique, de la relation particulière et cachée au rapport exposé et commun. Par cette mise en espace, Gilles Chavassieux rend sans ambages l’idée de deux entités choisies par l’auteur comme l’incarnation exemplaire d’une incommunicabilité existentielle. En témoigne le regard omniprésent d’un sans-abri qui empêche de considérer le duo amoureux isolément et la situation comme insolite ; la présence d’un couple secondaire se fait également l’écho ludique de l’histoire principale dédoublant un récit que l’on aurait pu croire singulier.

De ce texte où rien n’est vraiment achevé, où toute tentative d’exprimer à l’autre son désir apparaît comme un échec probant, émane un sentiment ambivalent. Il ne fait aucun doute que l’œuvre est parlante mais nous ressortons pourtant empreints d’un vide incommensurable. Une conséquence directe non pas d’une absence de matière mais de la prise de conscience d’une impossible communication qui nous touche tous. L’émotion est d’autant plus forte que François Rabette et Magali Bonat nous renvoient avec justesse le malaise des corps et la profondeur des silences. De leurs hésitations, de leurs non-dits se dégage une force théâtrale sans artifice qui empêche nos cœurs d’être hermétiques à cet Hiver.


Hiver, de Jon Fosse
Mise en scène de Gilles Chavassieux
Avec Magali Bonat, Laure Giappiconi, Yannick Laurent, Alain Porta et François Rabette

Du 21 novembre au 3 décembre 2006
Au théâtre les Ateliers, 5 rue Petit David 69002 Lyon
Tél : 04 78 37 46 30