ENTRE PÈRE ET MER

Littoral constitue l’une des pièces phares de l’oeuvre de Wajdi Mouawad. Puissant et dé-paysant, ce texte reflète l’ensemble du théâtre d’un jeune auteur dont l’écriture colorée et imagée ne se lasse pas de nous faire voyager. Aujourd’hui Mouawad revient sur son récit et en signe une mise en scène imprégnée de vie, de poésie et de beauté.

La pièce gravite autour de la figure du père, un père mort et pourtant plus présent que jamais. Son fils Wilfrid découvre dans les affaires personnelles de son géniteur les vestiges d’un récit épistolaire dont les lettres n’ont jamais été envoyées. Il rouvre alors une page de son histoire et rejoint les ter-res de son Liban natal à la recherche d’un lieu de sépulture pour son père. Le jeune homme entame un long chemin de deuil ponctué de multiples rencontres qui le mèneront au terme d’une quête in-time et personnelle.


Mouawad séduit par le dédoublement de la fiction théâtrale qui inclut dans la représentation une grande part d’imaginaire. L’histoire devient le récit d’un réel fantasmé par le personnage central, Wilfrid, dont l’imagination tente en permanence d’adoucir la dure réalité. Refusant d’accepter cette mort brutale, Wilfrid se raccroche à son passé, ressuscite son défunt père et fait surgir les héros de son enfance comme autant de subterfuges pour vaincre ses démons. Entre réalité et songe, sa vie devient le scénario d’une prise de cinéma, dont les différentes séquences font se côtoyer personna-ges authentiques et chimériques, vivants et morts.

Une esthétique remarquable

Wajdi Mouawad parvient sans mal à nous immerger dans son univers grâce à une écriture à la fois vivante, sensible et drôle. Le texte seul réussit à nous transporter dans un monde pittoresque mais la transposition scénique qu’il propose ici lui donne une force supplémentaire : l’auteur-metteur en scène a joint au propos une véritable esthétique visuelle. La représentation se déguste du regard et propose une succession de tableaux où lumière, musique et décors s’imbriquent et se fondent en une parfaite harmonie. Les acteurs évoluent dans cet espace au moyen d’une gestuelle souple, de dépla-cements vifs et alertes, entraînant le spectacle dans un mouvement permanent, dans une aventure chorégraphiée.

Autre élément clé, la peinture, qui revient de manière récurrente habiller cette mise en scène, se fai-sant tantôt eau, terre ou sang. Les acteurs usent sans retenue de cette matière picturale pour impré-gner corps et décors, transformant progressivement l’espace scénique en une sorte de toile expres-sionniste. Ainsi Littoral devient une fresque d’une grande intensité expressive, un spectacle stylisé où se projettent des peurs et des désirs sous forme enchantée.



Littoral
Texte et mise en scène - Wajdi Mouawad
Avec Jean Alibert, Tewfik Jallab, Catherine Larochelle, Patrick Le Mauff, Marie-Ève Perron, Lahcen Razzougui, Em-manuel Schwartz, Guillaume Séverac-Schmitz
Assistant à la mise en scène - Alain Roy
Scénographie - Emmanuel Clolus
Lumières - Martin Sirois
Réalisation sonore - Yann France
Costumes - Isabelle Larivière
Maquillages - Angelo Barsetti

Jusqu'au 30 avril 2009
Théâtre des Célestins, 4 rue Charles Dullin 69002 Lyon
Tél. 04 72 77 40 00 / www.celestins-lyon.org

Photo © T. Baron

UN CASTELET POUR ENFANTS GRANDS

Plasticien et auteur, Patrick Corillon a conçu un spectacle dans lequel les marionnettes sont des tringles, des tissus et des mots. Il conte à sa manière l'existence d'un personnage en quête de son propre langage.


ParParti de la légende d'un théâtre de marionnettes, Corillon raconte comment, après avoir brûlé son matériel pour se chauffer, un marionnettiste en vint à remplacer ses pantins par leur tringle et continua à captiver ses spectateurs. Puis, suite à une censure conséquente à la guerre, remplaça le texte dit par des mots écrits sur des draps.


Le père mort, son fils décide de ne reprendre le théâtre que s'il trouve ses mots à lui. Il signe un pacte avec le Diable et part en quête d'un langage. S'ensuit un périple initiatique que narre une conteuse à la voix un peu monocorde tandis que le « Théâtre du Silence » prend possession du castelet avec ses éléments visuels.

C'est là qu'intervient le plasticien. Caché en coulisses, il manipule une machinerie complexe dont les effets sont néanmoins épurés. Des tringles apparaissent et disparaissent. Des rideaux montent ou descendent, se superposent ou se succèdent.

Des lettres surgissent, des phrases se forment et se transforment

Tout est graphique. À commencer par le livre que lit la narratrice dont les pages sont elles aussi à transformations : déploiement en accordéon, extensions, repliements. La scène est réduite à une fenêtre lumineuse dont la présence évoque la télé ou le ciné mais dynamisée par la réalité des métamorphoses réalisées à vue.

La typographie s'affole. Des formes surgissent, tournoient, sillonnent, profitent de trouvailles optiques. Des déroulants s'exclament, expliquent, surprennent. Des signes prennent sens à la manière d'idéogrammes ou de pictogrammes. Les vocables révèlent leurs signifiés. Des ressorts provoquent des apparitions. Tout est mouvant, fluide, bourré d'inventivité et ne doit rien aux technologies sophistiquées actuelles.

Une bonne part du charme vient de là. C'est du bricolage mais un bricolage génial mis en valeur par les éclairages et soutenu par une bande son dont le piano émet des sons très contemporains tout en ne supprimant pas le mélodique.





Présenté au BPS22 à Charleroi les 20, 21 et 28 mars 2009


La Meuse obscure
Texte: Patrick Corillon (éd. MeMo)
Conception, scénographie, manipulations : Petrick Corillon
Jeu et aide à la mise en scène : Dominique Roodthooft
Narratrice : Johanna Korthals
Lumière : Joël Bosmans
Son : Pierre Kissling
Musiques: Bartok, Ligeti...



Production : Le Corridor

Coproduction : Théâtre de la Place (Liège); Scène Nationale du Granit (Belfort)



En tournée : les 8 et 9 mai 2009 à la Fabrique de Théâtre, 128 rue de l'Indusrie à La Bouverie (065/61.34.60) ; les 23 et 24 avril au MAC's, rue Ste-Louise à Hornu ( 065 80 01 36) ; du 8 au 28 juillet, à 11h au Théâtre des Doms, 1bis rue des Escaliers Ste-Anne à Avignon (33 (0)4 90 14 07 99 - www.lesdoms.be)





Photo (c) Herman Sorgeloos

FUIR CE MONDE CRUEL

Ce sont les échanges et les secrets de famille dans un bien étrange trio que relate cette création où le drame est latent sous l'emballage glamour…
 
Ludovic est - lui a t-on dit et il le croit - un extraterrestre, par son père. Jugeant sa mission d'envoyé spécial sur terre terminée, il voudra rejoindre ce père sublimé. Sa mère quant à elle, vit dans l'univers d'un conte pour enfants. Une jolie autant qu'énigmatique petite personne nommée Cendre fera irruption dans le monde clos de cette cellule monoparentale, provoquant le Destin, à moins qu'elle ne le représente….



Surprenant mélange qui fait que, d'une part, pour construire le personnage de Ludovic, l'auteur s'est inspiré d'un fait de société, objet jadis d'un reportage de l'émission Strip-tease. "La Soucoupe et le Poulet" montrait un Jean-Claude de cinquante ans, couvé par sa mère, construisant une soucoupe volante dans son jardin : deux personnes déconnectées de la réalité. D'autre part, c'est dans le merveilleux qu'il installe la Mère (sans nom), en complète immersion…

Il n'est pas nécessaire, bien sûr, d'avoir lu le roman-culte de l'Américain Frank Baum : « Le Magicien d'Oz »(1899), ou vu le film de Victor Fleming avec Judy Garland (1939) pour suivre l'histoire de cet ado attardé, surprotégé  par une mère possessive atteinte de folie douce, droguée aux médicaments. Mais les références et allusions (y compris musicales et dansées) sont cependant si claires et nombreuses que l'on risquerait alors de perdrr un peu de compréhension des enjeux.


Cette mère se prend à la fois et tour à tour pour une bonne fée et pour la fillette Dorothy, héroïne du conte, enlevée par un cyclone avec son chien Toto… nom que la mère donne à son fils ! Il n'est pas inutile non plus de savoir qu'elle ne pleure pas sur un simple nain de jardin brisé mais sur un Munchkin, personnage vivant et réel pour elle…À force d'identification, ce n'est pas, à la fin, se retrouver gentiment chez elle au Kansas natal mais c'est plonger dans l'aveu le plus terrible qui parachèvera sa folie, avant, encore durant un moment, l'illusion d'être star dans un final hollywoodien.

Ce pourrait être kitch, c'est magistral !

Thierry Janssen est à la fois l'auteur et le personnage principal de sa pièce dont il a voulu confier la mise en scène à un autre comédien-auteur-metteur en scène, Guy Theunissen, pour plus de liberté de jeu mais aussi pour bénéficier d'un regard neuf. Apports précieux également, et  cela d'autant que les différentes scènes se déroulent dans des lieux très différents, Vincent Lemaire, le scénographe, et Laurent Kaye l'éclairagiste pour créer un décor qui sait magiquement se transformer et mettre en valeur des costumes, référents eux aussi.

Les trois personnages que Thierry Janssen a imaginés sont pitoyables et effrayants, poétiques et dramatiques, touchants en tout cas, et le trio d'acteurs les sert de la meilleure manière : Jo Deseure, la Mère et Erika Sainte, Cendre.

On peut voir encore dans "Facteur Humain" une métaphore de notre aspiration à tous d'échapper au quotidien décevant  et de partir vers un Ailleurs meilleur. À la façon de Ludovic, s'envoler dans les étoiles, "over the rainbow", ou par la "route de briques jaunes" en se réfugiant dans l'imaginaire du Pays d'Oz… À moins que, par une autoroute virtuelle plus actuelle, il suffise d'atteindre les mondes nouveaux que la technologie invente et nous offre, chez nous…



"Facteur Humain"
Texte : Thierry Janssen (éditions Lansman)
Mise en scène : Guy Theunissen assisté de Mathilde Schennen
Scénographie, costumes : Vincent Lemaire
Interprétation : Jo Deseure, Thierry Janssen, Erika Sainte
Lumière : Laurent Kaye
Création sonore, vidéo : Sébastien Fernandez
Chorégraphie : Fanny Roy

Création et coproduction Théâtre le Public/La Maison Ephémère au Public  du 25 mars au 25 avril 2009, 20 h 30 – www.theatrelepublic.be

Photo © Cassandre Sturbois

UN JEU D’HUMOUR ET DE BAZAR

Avec Raskine à la mise en scène, rien n’est jamais banal. Il a l’art de donner à ce qu’il monte une conception qui permet au spectateur de découvrir une œuvre autrement. Tonique assurément quand il s’agit d’une pièce archiconnue comme celle de Marivaux.

Le décor, avec présence des comédiens dès l’entrée du public, est un peu bazar. Quelques canapés recouverts d’une housse en plastique, des tableaux dressés contre un mur, un ordinateur portable, un aspirateur… Cet environnement ne respecte pas les codes de l’époque ni du théâtre traditionnel, mêlant l’ancien et le contemporain, un vrai faux rideau rouge et un plateau ouvert sur la salle, des accessoires de jeu et des incursions en coulisses.


Il y aura donc incessante fluctuation entre interprètes et personnages, fiction et réalité, temps réel et temps historique, acteurs et techniciens. La fin, surprenante, démontrera qu’une fois la représentation terminée, les acteurs redeviennent des travailleurs ayant fini leur boulot et repartant chacun vers sa vie privée quotidienne, habité par des humeurs bien éloignées des protagonistes qu’il incarnait.

La richesse inventive de ces mises en abîme continuelles donne un poids particulier aux situations originelles de la comédie. Elles deviennent l’illustration même de ce qu’est l’art du théâtre. Ceux qui sont en train de regarder ceux qui se dissimulent sous des identités d’emprunt sont le public attentif des histrions costumés et grimés exactement comme les abonnés assis dans leur fauteuil prennent plaisir à ce qui se passe sur les planches et sous les projecteurs.

Humour et questionnement

Sans doute le parti pris de Raskine a-t-il l’inconvénient que les dialogues, distillés, abandonnent le rythme du marivaudage au profit d’une lenteur permettant l’observation quasi scientifique d’êtres occupés à se leurrer les uns les autres. L’intrigue classique utilisée par l’auteur passe au second plan. Elle devient un jeu social, coloré d’humour distancié.

Chaque être est désormais celui qui cherche à duper, qui y prend plaisir même lorsqu’il s’aperçoit avoir lui-même été dupe. Le pouvoir des mots entre en compétition avec l’analyse des yeux. Les paroles manipulent l’esprit rationnel. Les apparences vestimentaires et gestuelles interpellent et suscitent des réactions critiques. Mais les sentiments viennent brouiller la perception, affaiblir la lucidité.

C’est d’autant plus convaincant que Raskine n’a pas pris des jeunes premiers pour jouer les amoureux mais – si l’on peut dire – des vieux premiers. La maturité de leur âge donne une tonalité particulière aux personnages jouant les jeux de la séduction. Il ne s’agit donc plus de la fougue de la jeunesse mais bien de stratégie de personnes d’expérience. D’où l’aspect si pas tragique mais désespéré de cette comédie intemporelle.


 
Mise en scène Michel Raskine assisté d’Olivier Rey
Distribution : Stéphane Bernard, Christine Brotons, Jean-Louis Delorme, Christian Drillaud, Marief Guittier, Guy Naigeon, Michel Raskine
Scénographie : Stéphanie Mathieu
Costumes : Josy Lopez
Lumières : Julien Louisgrand

Co-production : Théâtre de Sartrouville (Sartrouville) Comédie de Valence (Valence) Théâtre des Deux Rives (Rouen) La Rose des Vents Le Bateau Feu (Dunkerque) (Villeneuve-d'Ascq) Le Granit (Belfort)

En tournée : du 31 mars 2009 au 3 avril 2009 au Théâtre de Sartrouville ; du 21 au 23 Avril au Théâtre de la Ville à Valence

Photo © Michel Cavalca

ACTUALITÉ DE LA BÊTISE ET DES MASSACRES

Esther Mollo a pris la farce de Jarry pour la traiter librement en l’insérant dans l’histoire contemporaine et son utilisation des medias. Notre monde, plus que jamais, est devenu ubuesque.

Esthétiquement passionnante et vocalement décevante, la réalisation d’Esther Mollo prend le parti de l’image, qu’elle soit vidéo, chorégraphique, corporelle. Cela fourmille de trouvailles visuelles, d’éléments scéniques qui émoustillent l’attention et stimulent la perception.


Les medias sont plus que jamais à la merci d’un tyran, d’un génocidaire voire d’un simple autocrate drapé dans les oripeaux de la démocratie. D’où la présence sur scène d’une caméra en action singeant le direct des JT et cadrant seulement le politiquement correct. D’où aussi le remarquable travail vidéo accompli par Philippe Martini. Il a brassé des images d’archives pour en composer un patchwork qui relève autant de l’inventaire historique que de la personnalisation actualisée des dérives auxquelles mène le pouvoir chaque fois qu’il vire vers l’absolutisme, le népotisme, la corruption, la répression et sa jumelle l’oppression.

Des discours visuels

Des objets, souvent fétiches de notre ère hyperconsommatrice, déferlent, à la fois environnement de l’action et partenaires des comédiens : poupées Barbie, baby foot, soldats de « plomb », modules de legos, caddie… L’action elle-même est centrée dans et sur une armoire à tout faire abandonnée au beau milieu d’un terrain vague dépotoir. Elle ne craint pas de s’adjoindre une Mère Ubu mâle ornée de moustache car ici le grotesque est forcément (et férocement) l’essence même de cette représentation.

Outre le va-et-vient permanent entre réel et virtuel à travers images filmées et sons enregistrés, les comédiens manifestent un travail corporel inventif et expressif. Mime, danse, occupation variée de l’espace meublent une scène où tout bouge et se renouvelle sans cesse. Dommage que l’utilisation des voix se contente de la musique d’accents d’origine étrangère et omette de varier ou de nuancer les tons.

De la version rabelaisienne de Jean Vilar (1958), de celle visuellement délirante de Jean-Christophe Averty à la télé (1965), de celle du provocateur Phénoménal Théâtre (1970), via la chanson de Dick Annegarn (1973), via la présentation assaisonnée aux petits légumes du Nada Théâtre (1990) jusqu’à son adaptation antimilitariste pour jeune public par Arcinolether (2008), « Ubu Roi » n’a pas fini d’être une fable de notre réalité politique.


Création du 13 au 28 mars 2009 au Salon de Théâtre, boulevard Gambetta à Tourcoing

Ubu…
Texte originel : Alfred Jarry (« Ubu Roi »)
Adaptation et mise en scène : Esther Mollo
Distribution : Nicolas Madrecki, Amalia Modica, Alexandre Padinha, Simone Olivi
Vidéo et scénographie : Philippe Martini
Son et vidéo en temps réel : Jean-Baptiste Droulers

Production : Théâtre Diagonale en résidence à la Virgule, Centre transfrontalier de Création théâtrale

En tournée : le 1 avril 2009 au Centre socio-éducatif, rue Gustave-Delory à Watterlos (03 20 27 13 63) ; le 7 mai à la Comédie de l’AA, Place Saint-Jean à Saint-Omer (03.21.38.55.24).

Photo © Fabiana Mantovanelli