UN FLAMBOYANT POÈME

Derrière ce titre, « Dieu comme patient », pièce créée à la Comédie de Caen, Matthias Langhof met en scène Les Chants de Maldoror, sous- titrés Ainsi parlait Isidore Ducasse, dit le Comte de Lautréamont.

Avant Arthur Rimbaud, Isidore Ducasse peignit dans Les Chants de Maldoror sa propre « saison en enfer » : une errance hallucinée dont nul ne sort indemne. Le héros de cette œuvre, sorte de somnambule échevelé, nous entraîne dans une longue épreuve qui nous confronte à la misère de l’homme, à la sournoise corruption de ses pensées, aux insanes affections de son corps. La tâche d’incarner les multiples aspects de cette œuvre protéiforme est confiée à trois comédiens.



Et l'on découvre un homme d’abord, triste et grise figure, icône de la vieillesse et de toutes les injures du temps. À ses côtés, une femme blonde et ronde exhibe une insolente fraîcheur, objet tantôt de désir, tantôt de dégoût. Et puis reste un ange, ou plutôt une créature échappée d’un paradis de pacotille. Rien n’est fait ici pour dégager le sens précis d’un soliloque qui imprègne plus qu’il n’implique, qui crée une atmosphère plus qu’il ne délivre un message.

On ne saurait pour autant rester insensible à l’univers du poète, ces chants où alternent des apparitions terrifiantes, des descriptions d’un impitoyable réalisme, et les ricanements sataniques d’un absolu désespoir.

Un monde en déréliction

« Il est beau de contempler les ruines des cités », proclame Lautréamont. C’est bien cette fascinante beauté qui se dégage de l’espace scénique conçu par Matthias Langhoff. Un décor en constante transformation, à l’image du récit et de sa baroque polyphonie. Pour illustrer cet imaginaire débridé, le metteur en scène multiplie les procédés visuels dans une troublante simultanéité.

Au devant de la scène, défile un film aux thèmes variés. Tantôt, il évoque des lieux parisiens familiers au poète, tantôt des images de guerre rappelant la violence verbale des Chants, ou encore des évocations gracieuses de jeunes femmes qui offrent un rafraîchissant contrepoint à cette même violence. Le plateau lui-même est jonché d’objets usés, de planches sales, de bancs publics et de lampadaires posés de guingois.

Restent les superbes images projetées sur des cyclos, qui imposent la présence onirique de tempêtes maritimes, de cargos échoués ou même d’un cabaret berlinois. Il faut ajouter à ce spectacle total, la prégnance de la musique, sans oublier la présence physique des acteurs qui soutiennent l’audacieux pari de théâtraliser une œuvre qui ne se laisse pas si facilement apprivoiser. Théâtre visuel et théâtre de texte, Matthias Langhoff les réconcilient crânement dans ce spectacle exigeant. Une courageuse tentative.

Dieu comme patient
Ainsi parlait Isidore Ducasse
Les Chants du Comte de Lautréamont
Mise en scène, décor, film : Matthias Langhoff
Avec Anne-Lise Heimburger, Frédéric Lolliée, André Wilms
Peinture : Catherine Ranki, Matthieu Lemarié
Costumes : Catherine Ranki, Corinne Fischer
Lumière : Frédéric Duplessier assisté d’Eric Marynower
Son : Brice Cannavo
Assistants à la mise en scène : Hélène Bensoussan, Caspar Langhoff
Construction décor : Pierre Meine, Peter Wilkinson et l’atelier de la Comédie de Caen : Patrick Le Mercier, Bruneau Banchereau, Patrick Demière, Gérard Lenoir, Hubert Ruffin, Serge Tarral
Sous la direction de Benoît Gondouin

Une production de la compagnie Rumpelpumpel
En coproduction avec La Comédie de Caen, la MC2 : Grenoble et le Théâtre de la Ville de Paris. Avec le soutien du Ministère de la Culture, du Théâtre de l’Aquarium et la participation artistique du Jeune Théâtre National.

Après sa création en octobre à la Comédie de Caen, Théâtre des Cordes

Relâche les samedis et dimanches
Du 4 au 8 novembre 2008 à la MC2 : Grenoble / les 12 et 13 novembre 2008 à Bonlieu-Scène Nationale d’Annecy / du 5 au 24 janvier 2009 aux Abbesses-Théâtre de la Ville de Paris

LAURÉAT DES EUROTOPIQUES 1

REALITY SHOW SUR LE DISCOURS DU VIDE

Antoine Lemaire visite le vide des pensées de l’adolescence désorientée. Il démontre avec un certain brio que ce vide est celui des reality show de la télé. En compagnie de cinq jeunes comédiens, il nous met face à un avenir où la vie semble dépourvue de sens.

Quelle signification donner à sa vie quand elle est entièrement devant soi ? Quels idéaux défendre ? Quelles réponses donner aux interrogations qu’on formule ?  Ces filles et ces garçons rêvent, espèrent. Mais leur conditionnement aux désirs immédiats et aux aspirations matérialistes, leur ignorance du réel dans le passé comme dans le présent les mènent à parler vide, à échafauder l’absurde.


Tout concorde. Ce  que la télé leur propose est si futile, hyperémotif, éphémère, mercantile qu’ils sont à mille kilomètres de la morale, de la philosophie, de la réflexion. Ils tournent en rond dans leur auto-insatisfaction ; ils croient s’investir dans des élans qui retombent comme des soufflés ratés ; ils sont submergés par des violences velléitaires surgissant soudain au détour d’un regard ou d’une phrase. Ils ont le mot actif et l'acte passif, la sensiblerie déferlante et les sentiments atrophiés.

Une société de médias tics

Pour bien amener l’idée de medias, les comédiens viennent au micro pour monologuer ou dialoguer, avec ce faux naturel propre aux émissions audiovisuelles. Leurs propos sont aussi dénués de vraie profondeur que ceux de la majorité des interviewés de la télé, que ceux qui encombrent les blogs. Sauf qu’ici, les textes condensent ce néant de manière fort drôle.

Caricaturale aussi est l’idée de projeter les images filmées des acteurs soit en décalage temporel ultérieur à ce qui vient de se dérouler sur scène, soit en doublage vocal - direct mais volontairement pas toujours synchrone - de situations banales sous-tendues par des discussions pseudo-existentielles.

Cruel s’avère ce catalogue des errances verbales, de la vacuité et des blessures intérieures que notre époque, sous forme de marathon permanent de la confession intime, cultive avec une délectation masochiste. Il commence par un jeu d’anagramme entre une toupie symbolique et une utopie terrassée ; il se termine par le mot « rien ».


Au Salon de Théâtre, 82 bd Gambetta à Tourcoing du 10 au 25 octobre

Vivre sans but transcendant est devenu possible
Texte, mise en scène : Antoine Lemaire
Distribution : Armelle Forner, Arthur Fourcade, Justine Lequenne (Anne Jouvenet en alternance), Faustine Notebaert, Lionel Segard
Vidéo : Franck Renaud

Production © Théâtre en Cambrésis (THEC)

CLOWNERIES SADO-MASO

Isabelle Wéry et Ludor Citrik mènent l’auguste et le clown blanc vers les chemins de traverses de la transgression. Leur relation de dominé à dominant, qui existait déjà à travers les numéros de cirque traditionnel, devient désormais celle d’adultes conscients de ce que sont sadisme et masochisme.

Elle est comédienne et auteure dans la réalité. Il est clown dans cette même réalité des intermittents du spectacle. Leur rencontre donne lieu à un spectacle dans lequel chacun joue son rôle. Isabelle Wéry y interprète donc son double rôle d’actrice et d’écrivaine. Ludor Citrik est cet auguste candide qui se prétend prêt à devenir autre. Tous deux commentent simultanément le travail qu’ils effectuent, les caractères qu’ils endossent le temps d’une longue entrée de clown, le temps d’une mini représentation.


Wéry fait dans l’autoritarisme, le dressage cruel, une certaine autosatisfaction. Citrik fait dans la soumission, le regimbement timide, l’étonnement ingénu, un certain masochisme. L’un comme l’autre usent des éléments classiques qui déterminent ce genre de personnages. Ils remettent en cause le maquillage, le déguisement, le ghetto des grimaces cantonnées au public enfantin, la neutralité sexuelle des duos circassiens.

Elle donne de la voix, prend des poses sexy mais autoritaires, domine dans une escalade d’exigences. Elle parie sur l’alternance entre séduction et rejet, attirance et avilissement, le tout dans une très manifeste jouissance. Lui oscille entre chien savant et chien battu, proie fascinée, insecte affolé par la présence d’un prédateur et victime dégoûtée. Toutes les nuances de la clownerie passent par son corps et sa voix tandis qu’il fait preuve d’une formidable maîtrise de l’improvisation.

C’est dense, drôle, inquiétant. C’est une remise en cause de l’univers habituel des pitreries coutumières au cirque à l’ancienne. On reste néanmoins sur sa faim car le spectacle est bref. Mais aurait-il pu allonger sa durée sans perdre de sa force ?



Créé au Prato à Lille le 13 octobre 2008

En tournée : les 24 et 25 février 2009 au Sémaphore (Cébazat), le 24 mars à la Coupe d'Or (Rochefort), les 14 et 15 avril au Théâtre (Grasse)

La nudité du ragoût
Texte : Isabelle Wéry
Distribution : Ludor Citrik, Isabelle Wéry
Exhausteur de goût : Yaëlle Antoine,
Arôme artificiel : Magali Castellan

Co-production : SACD / Festival d’Avignon avec le soutien du Prato (Lille) et de l’Atelier Théâtre de la Vie à Bruxelles

Photo © Bruno Dewaele