LE SENTIMENT TRAGIQUE DE LA VIE

 
Onze danseurs de nationalité différente campent l’humanité. Chacun danse ses peurs, son histoire, ses frustrations, seul ou à deux, malgré soi, dans une chorégraphie de transe involontaire, une danse testamentaire, la danse d’un Ça vengeur, à l’heure de mourir. La mannequin, double dégingandé de la russe femme fatale, l’enfant guerrière écossaise révoltée et honteuse qui veut partir, qui ne cèdera pas, qui veut le sauter le mur, le politicien américain carriériste, contrôlant le monde, dont le destin qui le mène à la mort lui échappe en vain, sont quelques uns des personnages si singuliers, si seuls, qui se succèdent en une farandole angoissante dont le terme commun ne peut être que la mort.

La mort tout de suite, ou la mort dans quelque temp. Des spasmes s’insinuent progressivement dans les corps des danseurs, selon le rythme de leur peur et le degré de leur faiblesse, et bientôt l’hystérie générale les entraîne dans l’exubérance et emportent leur voix en cris à peine humains, désespérés, qu'intensifie en une brutalité la beauté du chant de la soprano, atteignant là le sublime, fascination du beau et du danger, le mélange de l’homme et de la bête. Et comme l’homme est homme, il rit encore. Car il faut troubler le désespoir avec la première chose que l’on trouve, des plus vulgaires et prévisibles, pour faire rire, vite, l’urgence du rire, pour vivre, pour occulter la mort du grand rire désespéré, mais pas seulement.

Le rire selon Platel tient aussi du rire gras rabelaisien, ce rire franc, ce grand éclat qui ose défier la mort et qui vient du plus loin, des entrailles. C’est le rire de l’homme qui rit de son sort en parlant de la merde, en faisant un poème au caca. Le poème au caca est le plus sûr moment humain, le plus désespérant, le plus riant, le plus grotesque, courageux et laid. La chorégraphie, que les danseurs ont directement contribuée à créer, détient une force et une cohérence impressionnantes procurées par la maîtrise technique ahurissante de tous les acteurs de cette oeuvre. Car ils durent explorer et approfondir les voies et les impasses où la complexité de la vision de Platel pouvait mener, y laissant plus que leurs idées, plus que leur technique, une puissante identification, feinte ou non, totalement crédible, avec leur personnage.

L’impact du mouvement des corps des danseurs, la beauté de l’adaptation de l’opéra, la perfection de l’exécution musicale et l’expressivité de la soprano, confèrent à ce spectacle une charge émotionnelle qui frôle l’insupportable. Le spectateur, jeté dans le monde fou de l’époque médiévale, dans un charivari imposé, où les personnages sont de pauvres hommes modernes incapables de mourir, reste coi devant tant de beauté, de plaisir esthétique, si rare, d’harmonie, de complétude et simultanément de profonde angoisse, devant la perfection de cette pièce moderne et, depuis toujours, là.


Spectacle présent à Avignon In 2006.

Festival de Otoño Teatro de la Zarzuela C/ Jovellanos, 4 + 34 91 524 54 10

VSPRS, Idée et mise en scène : Alain Platel
Musique : Fabrizio Cassol
A partir des Vêpres de Monteverdi en collaboration avec Wim Becu et Tcha Limberger
Dramaturgie : Hildegard de Vuyst
Assistante de mise en scène : Juliana Neves
Dramaturgie musicale : Kaat de Windt
Dansés et créés par : Quan Bui Ngoc, Mathieu Desseigne Ravel, Lisi Estarás, Emile Josse, Iona Kewney, Samuel Lefeuvre, Mélanie Lomoff, Ross McCormqck, Elie Tass, Rosalba Torres Guerrero et Hyo Seung Ye Soprano : Cristina Zavalloni
Musique interprétée par : Tcha Limberger : violon et flûte Vilmos Csikos : double basse
Ensemble Oltremontano sous la direction de Wim Becu : Wim Becu et Adam Woolf : sacabuches Marleen Leicher et Jamie Savan : cornettes Aka Moon : Fabrizio Cassol : saxophone Stéphanie Galland : percussion Michel Hatzigeorgiou : basse, guitare, bouzouki
Scénographie : Peter de Blieck
Costumes : Lies Van Assche
Lumières : Carlo Bourguignon
Son : Alexandre Fostier

ABUS DE MOTS

Le thème est maintenant lancé depuis le dimanche 9 juillet et a été répété 12 fois depuis, jusqu’à aujourd’hui, dernière représentation. Et c’est la lune que Hiroyuki Nakajima a choisie comme inspiratrice à ses créations calligraphiques. Dans un lieu religieux, la chapelle Saint Charles, l’expérience philosophico- esthétique, est fortement mise en scène, cadencée, rythmée autour de la figure du calligraphe, dont les œuvres antérieures pendent aux voûtes.


En rien, je ne veux douter de la maîtrise, de la qualité merveilleuse des œuvres du maître et de son savoir. La sagesse asiatique incomprise pour cause d’européocentrisme inspire toujours le respect et empêche de reconnaître les fraudes et les mystifications. Il serait fortement anti-poétique de prétendre que les œuvres toujours sensibles du monde asiatique ne sont pas belles pour être difficiles, et dans le cas de Lune ce serait carrément la preuve de ma bêtise et de mon ignorance grossière.
Cependant, et ce n’est pas ce spectacle que je veux questionner, et surtout pas sa qualité, il faut absolument cesser d’accepter sans douter ce mot de « performance ». Il serait bon de définir ce style, qui n’en est pas, qui n’en a pas, et qui envahit la typologie théâtrale et sert aux oisifs à classifier ou à justifier une création mauvaise. Que l’on s’entende. Ici ce n’est pas l’art, ce n’est pas l’œuvre que je mets en doute, mais la nécessité de mettre en scène la préparation à la création. Car cette phase, ce processus, ne peut jamais être remis en cause par le public, n’invitant jamais les spectateurs à y entrer. Le public regarde passivement le maître faire ses étirements et ses rituels intimes ou codifiés, préludes à la création de son œuvre. Voir l’œuvre se faire est une autre histoire, c’est un plaisir curieux et un moteur d’émotion. Mais quel sens en revanche aurait l’exhibition du processus qui n’a pour but que l’admiration d’une œuvre achevée, où le regard du spectateur n’intervient que pour esthétiser le comportement du créateur, et partant, le rigidifier dans un moment où au contraire le créateur ne doit être que lui-même ? Quel autre sens donner hormis celui non plus d’une exhibition mais d’un véritable exhibitionnisme digne d’une télé réalité ?

La performance vient d’un choix esthétique, d’une volonté politique, anti-conventionnelle, de la volonté d’effacer les limites et les cadres de définition. La performance ne peut devenir la télé réalité du théâtre, elle doit rester acte ponctuel, dans lequel le spectateur s’intègre suivant l’objectif clair du créateur. Il me semble nécessaire donc que les théoriciens du théâtre ou que les spectateurs restent vigilants et doutent de la validité des cases et des mots que les programmateurs veulent user pour vendre un art, -parfois très haut et excellent comme dans le cas de Lune-, pour un autre.


Lune, performance de Hiroyuki Nakajima
La chapelle Saint Charles
Jusqu'au 21 juillet à 17h

DES CRIS D'AMOUR, LA MORT, ET TOUJOURS L'AMOUR


Il semble un enfant, un petit vieux assis à un bar, quelqu’un à la recherche d’affection. Sa vie remplace les critiques et les plaisanteries. Sa vie transforme la voix et le corps de l’acteur. Il fait un geste et Pepe met une musique. Delbono semble raconter son histoire à Pepe, tout lui raconter, encore une fois, lui répéter sa recherche du passé et de l’amour. Pippo Delbono ne lit plus, il se lève et il commence à jouer des textes de ses spectacles : du Temps des Assassins à La Rage ; d’Henry V au Silence. Il raconte ses morts, ses amours, ses rages, les dates fondamentales de sa vie, des dates toujours tombant en juin. Il décrit les petites rues décadentes et silencieuses de Gênes.

Récits de juin est la narration intime de l’arrivée au théâtre de Pippo Delbono, de sa rencontre avec son monde d'êtres à la marge, différents, exilés pour toujours de la réalité. Le théâtre de Delbono n’est pas une philosophie conceptuelle, ni intellectuelle, c’est un acte intime et éthique à la recherche de l’origine de chaque discours et de chaque geste, de chaque désir, à la recherche de l’amour jusqu’à la mort. Le travail est étonnant. Les textes joués sont inspirés des écrits de Pier Paolo Pasolini, de Sarah Kane et de William Shakespeare. Ils vont jusqu’au bout de la répétition et du sens incompréhensible des mots : amour, mort et théâtre. Le langage est une construction désordonnée de phrases en italien et en français. Les monologues criés en italien restent des bruits de rage, avec des phrases gutturales qui restent dans le cœur du spectateur, lequel reconnaît des mots, encore amour et mort, et pleure.

Dans la performance de l’acteur, les nuances d’un registre à l’autre sont effacées. Delbono crie puis raconte tranquillement, puis il crie, puis il souligne une anecdote comique de son existence. Seules des émotions restent, des bribes d’image d’un corps qui se verse de l’eau sur la tête, qui se démène et agite les bras, qui sue, les cheveux dans les yeux. Le spectacle n’existe déjà plus. Nous avons retrouvé l’essentiel de nos vies, nous avons sué avec Delbono en effleurant tous les morts connus et aimés. Comment réussir à raconter le sifflement de Delbono dans la bouteille de bière à la recherche de l’amour perdu ? Comment réussir à dire son bras qui répète des cercles autour de son corps assis au sol ? Et la tête qui tourne en rond, les yeux fermés ? Les spectateurs sont des étrangers les uns par rapport aux autres, mais ils se reconnaissent dans leur intimité. Sans vidéo, sans décors, sans costumes, Pippo Delbono raconte sa vie et la vie des autres, par son corps halitueux et sa voix pénétrante.


Récits de juin, mise en scène et interprétation de Pippo Delbono, son de Pepe Robledo, a été présenté au Musée Calvet, du 17 au 20 juillet, Festival Avignon In.
Information : www.pippodelbono.it

À L'ÉPREUVE DE LA BEAUTÉ HUMAINE

Après avoir sillonné l’Europe avec quelques uns des ses spectacles cultes tel que La Chambre d’Isabella qui apparaît à ce jour comme une référence dans le bel itinéraire de Jan Lauwers, la Needcompany présente à Avignon le Bazar du Homard.


Nous voici admis dans la fabrique théâtrale de cet auteur, metteur en scène, cinéaste qui se présente avant tout comme un plasticien : « C’est une certitude, c’est ma racine, celle qui me sert à utiliser toutes les autres disciplines que je considère comme autonomes. C’est la raison pour laquelle on qualifie mon théâtre de visuel. » J. Lauwers est l’auteur du texte de sa nouvelle création, pièce pour huit danseurs où de petites et grandes tragédies évoquent des fragments d’actualité sur un écran de fiction/friction. Une aventure théâtrale qui a débuté à Avignon l’été dernier sous la forme d’un Needlapd, cette fameuse formule d’ateliers – spectacles qui présentent au public les ébauches d’une œuvre. Jan Lauwers cherche visiblement à ce que le public se sente proche de son processus de création et lui confie le soin d’apprécier les différentes facettes de son univers. « L’art se déroule dans la zone d’ombre où imaginaire et réalité se contrecarrent et c’est au spectateur de déterminer le sens de l’ensemble », précise-t-il dans l'un de ses essais.

Nous embarquant dans un bazar narratif qui entretient sans relâche le goût de l’insolite et de la provocation, la pièce relève d’un genre inclassable dans lequel la Needcompagny excelle d’ailleurs. Cette tragi-comédie décalée trouve son rythme dans le perpétuel renouvellement des formes qui la composent : musique, danse, arts visuels, chants. À travers une succession de récits et d’images, l’histoire d’une série de personnages traversés par une douleur dont ils essaient de s’accommoder nous est dévoilée : Axel n’a pu sauver son fils ; Mo « dont on ne sait si c’est le diminutif de Moïse ou de Mohamed » ne possède aucune identité ; Salman « n’est pas », il est un clone en proie à l’ennui ; Vladimir serait un violeur d’enfants… Au fur et à mesure que l’on appréhende ces vies incertaines, sombres, taraudées par le désir de vivre mieux, plus parfaitement – « Tu voulais la perfection. Mais la perfection est tellement prévisible, monotone… ton homme nouveau, il crève de monotonie. » –, l’art revêt son rôle de producteur de pensée. Quel est notre seuil de tolérance pour les doutes et les faiblesses humaines ? À quel « life style » aspirons-nous ?

Des êtres les plus violents, Jan Lauwers parvient à cerner une beauté singulière. Ce théâtre qui se joue aux confins de l’absurde apparaît soudain comme une mise en perspective, extrême, logique et désarmante du réel qui nous assaille – les voitures brûlent. La question du sens revêt ici toute son importance dans des termes teintés d’un humour caustique : What does a lobster mean ? Dès lors, l’artiste devient un médiateur entre le monde empirique et sa transcendance, mettant par là même nos consciences en péril.


Le Bazar du homard, de Jan Lauwers Festival In d’Avignon, Cloître des Célestins
Du 9 au 15 Juillet www.needcompany.org

Bernard Faivre d’Arcier propose le 20 juillet au cinéma Utopia un documentaire sur les 60 ans du Festival d’Avignon et une série d’émissions radiophoniques sur France Culture.

Votre actualité ?

« J’ai élaboré un documentaire sur Avignon en vue de son soixantième anniversaire. J’ai fait cette proposition à la Chaîne Arte. Et Michel Viotte qui est un documentariste, qui a beaucoup travaillé sur l’Afrique, qui vient notamment de réaliser un film sur le Musée des Arts Premiers, Quai Branly, a souhaité participer au projet. Pour la production, on a fait naturellement appel à la Compagnie des Indes, qui s’occupe depuis longtemps déjà de la captation des spectacles avignonnais. Sachant qu’il n’y a pas toujours eu d’archives filmiques, j’ai refusé le découpage chronologique pour une organisation thématique. Le film dévoile l’histoire du Festival d’Avignon à partir d’images d’archives et d’une quinzaine d’interviews de réalisateurs, comme Olivier Py, Thomas Ostermeier, de comédiennes, comme Valérie Dréville, et de témoignages de l’époque Vilar (Sonia De Beauvais et Paul Puaux). (...) Ce que je montre dans ce travail, c’est que l’irruption de nouvelles formes artistiques ne s’est jamais faite sans heurts. En 1964/65, lorsque Vilar cesse de mettre en scène et invite Maurice Béjart dans la Cour d’Honneur, c’est l’émeute. Béjart fut très contesté. Il en fut de même lors de la diffusion de La Chinoise de Jean-Luc Godard. Le Festival a subi des crises permanentes, celle de 2005 s’inscrit dans la continuité. Avant elle, il y eut Merce Cunningham et la danse abstraite. Bob Wilson. Antoine Vitez avant d’entrer dans la légende avec son Soulier de Satin a été descendu par la critique. »

Et votre bébé Theorem* ?

« On a fermé Theorem, il y a quatre jours. C’était la fin d’un cycle et la Commission européenne ne le finance plus. C’était un cycle de trois ans, renouvelable une fois seulement. (...) Cela a moins de raisons d’exister aujourd’hui. On a fait connaître tellement d’auteurs. L’ouverture est faite. »

(* En 1998, le Festival d’Avignon initie le projet de coopération européenne THEOREM, dans le but de soutenir et de faire connaître aux publics européens le travail de jeunes artistes talentueux d’Europe centrale et orientale, dans le domaine du théâtre et de la danse contemporaine.)

Votre regard sur le théâtre actuel ?

« Jusqu’aux années 80, le théâtre avait une fonction éducative. Seul le contenu et les formes épurées importaient. La fantaisie artistique n’avait pas sa place. Puis la volonté d’apporter une plus grande charge artistique s’est imposée. Pina Bausch par la danse a participé à cette ouverture à la différence. Aujourd’hui, l’ouverture est faite. On assiste au contraire à un retour de l’adéquation entre la forme et le contenu. Et l’enjeu politique est de plus en plus important. Il faut lester le théâtre d’un poids politique. Nous subissons d’énormes pressions. »

Les spectateurs ont envie qu’on leur raconte des histoires qui leur ressemblent ?

« Oui. Ils sont exigeants, informés. Heureusement, Jacques Nichet, Didier Bezace, George Lavaudant assurent ce renouvellement. »

Peut-on parler de vitalité du théâtre français ?

« Oui. Mais il faut que les metteurs en scène français s’intéressent davantage aux textes étrangers. Ils ne le font pas assez pour des raisons de temps, d’administration et aussi de manque d’ouverture d’esprit. Peu lisent l’anglais, l’allemand. Ils devraient financer des traductions de travail. A Berlin, ça se fait. On ne peut pas pour autant dire que le théâtre français manque de vitalité. Regardez les formes diverses, qu’il peut prend en s’associant au cirque, à la danse, la rue, la vidéo. Je pense au merveilleux travail de Christophe Huysmans. Bartabas aussi propose un théâtre populaire et magnifique. A lui seul, il rassemble 35.000 spectateurs. C’est du In. »

C’est un cas isolé. Ne pensez-vous que le In demeure élitiste ?

« Le théâtre permet à beaucoup de gens de tenter ce qu’ils veulent. C’est pour ça qu’il faut continuer de défendre le statut d’intermittent. Quant au Off, il survit plus qu’il ne vit ? Il faudrait d’autres festivals Off en dehors d’Avignon. Et trouver d’autres rendez-vous, que des villes en France se proposent d’accueillir cette manne créative ! Avec le In et le Off, on a un schéma complet de ce qui se fait. Chacun a sa fonction. »

Que pensez-vous des guerres intestines qui animent le Off ?

« Des enjeux professionnels et financiers. Comme je le disais déjà à l’époque de mes mandats, il y a trop de pressions car il n’y a pas d’instance représentative du Off. »

Si vous aviez une baguette magique ?

« Je voudrais que le Centre National du Théâtre (CNT) - ndlr : BFA en a été directeur de 1993 à 98 - soutienne des initiatives comme la vôtre, mais aussi une revue écrite. Il faut interpeller les professionnels. Les scènes nationales pourraient donner une cotisation de 100 euros par mois pour l’existence de nouveaux médias. C’est important la circulation des idées. J’appelle au renouvellement des directeurs de centres dramatiques. J’en ai fait les frais. J’avais 35 ans, quand j’ai pris la direction du Festival. J’ai été remplacé par Vincent et Hortense qui eux ont aussi 35 ans. Il y a une passation nécessaire. Il en va de même pour les critiques, mais on refuse hélas de s’attaquer aux médias. Circulez les critiques ! »


Cour d’honneur et champs de bataille, sera diffusé jeudi 20 juillet à 14h au Cinéma Utopia (Avignon). Depuis le 26 juin et jusqu’au 21 juillet, sur France Culture, Bernard Faivre d’Arcier se raconte.

Parcours de BFA :

Bernard Faivre d’Arcier, administrateur civil, choisit, à sa sortie de l’ENA en 1972 le ministère de la culture. En 1980, il devient directeur du Festival d'Avignon.
Conseiller culturel du Premier ministre (1984-1985), il crée en 1986 la Sept, pôle français de la chaîne Arte.
En 1989, il organise les manifestations célébrant le bicentenaire de l’Assemblée nationale.
Il devient directeur du Théâtre et des Spectacles de 1989 à1992.
De 1993 à 2003, il est de nouveau directeur du Festival d’Avignon, directeur (1993-98) du Centre national du Théâtre et commissaire pour la Saison hongroise 2001 en France.

Photo © DR - Festival d'Avignon