L'INDICIBLE À VUE

Quand l’indicible sort de la déconstruction des phrases, la poésie est au rendez-vous dans toute sa force… L’humour aussi. Un étranger parmi les siens… En chemin vers ses racines. Un voyage dont assurément on ne sort pas le même. « Comprendrez, vous pourrez pas ». Une des phrases du monologue de l’Invisible, un texte de Philippe Blasband merveilleusement interprété par le comédien belge d’origine congolaise, Dieudoné Kabongo.


Un voyage dans la langue, puisque l’auteur l’a triturée en tout sens, pour mieux en faire ressortir la puissance. Ainsi l’évocation du pays d’origine du personnage, frappé par la guerre, est d’une violence inouïe. « La guerre, vous, vous y croyez. Mais vous ne savez pas. Nous, on sait, mais on ne peut pas y croire. ». En quelques mots, tout est dit. L’horreur de l’arrachement à la terre, cette terre dont on vient, dont on est fait, et qui devient folie. Partir vers un ailleurs qui n’est pas le vôtre, et ne le deviendra jamais… Et si vous retournez aux sources, vous n’appartenez plus vraiment à ceux « de là-bas »… Quel est cet invisible en chacun de nous qui est notre sol, notre identité ? Comment le conserver malgré tout, malgré les arrachements de la vie ? Que reste-il de ces racines quand on est « désolé » ?

Voilà toutes les questions qu’aborde, tout en subtilité et en poésie, le spectacle l’Invisible. Un seul en scène loin des clichés classiques du one man show, domaine dans lequel le comédien a pourtant fait ses premières armes de scène. Mais ici, il s’agit réellement d’une œuvre de théâtre. La personne devant nous est un réel personnage, même si, Dieudonné Kabongo le déclare lui-même, ce personnage est nourri par l’histoire personnelle du comédien.
Pendant une heure, il occupe ainsi l’espace, y interprétant plusieurs personnages, voyageant dans plusieurs lieux, le tout dans une grande économie de décor. Une grande sobriété préside en effet à la mise en scène : un socle en fer, une chaise… Malgré cela (ou peut-être grâce à cela) nous suivons le personnage, de sa maison, de son village, à son exil en Belgique, ce « pays pluie ».

Le texte est traité dans toute sa musicalité, si bien qu’entre les quelques notes jouées sur un balafon, la musique semble imprégner le texte. Comme une berceuse évoquant l’enfance, les racines. Un spectacle tout en douceur donc, pour une heure de sérénité. Un Invisible à découvrir, sans aucun doute.


L’Invisible, texte de Philippe Blasband, avec Dieudonné Kabongo, mise en scène d’Astrid Dubray Jusqu’au 27 juillet, au Théâtre de la Manufacture, à 11 heures

FESTIF ET INTERACTIF

Ce spectacle conçu et mis en scène par Serge Barbuscia pour le Théâtre du Balcon et repris à l'Hôtel de Sade est le prétexte à un rendez-vous particulièrement réjouissant. Festif et interactif, en effet : chaque spectateur, en entrant dans ce haut lieu de la chanson « engagée » - ici le mot est tout à fait à sa place puisque les chansons, discours, sketches, etc, témoignent tous, et avec quelle force, de leur époque : les débuts de la Troisième République ? représente un député nommément désigné et, si son nom est tiré par le présentateur du spectacle (Fabrice Lebert), il lui sera demandé, tel un modeste et éphémère M. Loyal, de lire un court texte servant à introduire le numéro suivant.

C'est une bonne part de l'Histoire en chansons du peuple français qui revit ici, avec l'évocation du premier cabaret au nom inoubliable : le fameux Chat noir immortalisé par une chanson d'Aristide Bruant à qui nous devons aussi la non moins célèbre Nini Peau d'Chien. Le répertoire de cette période fertile en événements chargés de signification recèle des trésors de la chanson populaire, ceux qui évoquent, entre autres, la Commune de Paris de 1871 : la Semaine sanglante, la Butte rouge ou le Temps des Cerises... Mais aussi des chansons satiriques dénonçant ? déjà ! - les abus, les inégalités voire les turpitudes du nouveau régime... Le tout est ponctué par des extraits de grands discours comme celui de Victor Hugo s'élevant contre la cléricale loi Falloux, l'évocation des minutes du procès de Louise Michel ou encore les formulations sans appel du J'accuse d'Emile Zola.

Lutter contre le cléricalisme, pour la laïcité, contre les massacreurs des communards, contre l'antisémitisme, tout cela participait bien alors, tout comme aujourd'hui, d'un même combat, celui des forces de justice, de progrès social et politique contre le conservatisme inique d'une bourgeoisie repue et imbécile. Aïni Iften, en brûlante passionaria, Serge Barbuscia, tour à tour en vigoureux tribun ou désopilant comique troupier, accompagnés musicalement par Patrick Lisacale, manifestent, chacun dans son registre d'expression, une présence remarquable. Ce Cabaret Républicain qui réécrit devant nous de brûlantes pages d'une Histoire terrible et passionnante est en tous points une entreprise exemplaire.


Cabaret Républicain
Hôtel de Sade, du 13 au 24 juillet 2006 à 22 heures.

La pièce nous enveloppe peu à peu dans une atmosphère pesante, quasi irréelle, dans laquelle il n’y a plus de codes qui tiennent. Un couple, lui et elle (on ne saura jamais leurs noms) a fait le choix de s’isoler, de se reclure même, loin du monde, loin des autres pour être enfin « seuls ensemble, seuls l’un près de l’autre. ».


Autour de cette maison qu’ils viennent d’acheter, aucune âme qui vive. La vision de la mer pour seul horizon, le ressac des vagues pour seul bruit extérieur. Nos deux personnages sont là en symbiose, mais rapidement leur état fusionnel relève plus d’une angoissante relation. Ce n’est pas le bonheur simple et rêvé des amoureux qui rêvent d’être seuls au monde, c’est quelque chose d’autre, de plus pernicieux. Elle et lui parlent, se déplacent de façon fantomatique. Leurs mots comme pour mieux cerner la réalité reviennent à la manière d’une lancinante et inquiétante rengaine. On en compte à peine deux cents qui se croisent, se répètent avec d’infimes variations. Ce langage automatisé pousse les dialogues à la frontière du réel. En même temps, il nous hypnotise et à mesure que l’on s’immerge dans la pièce, on est pris dans cette transe verbale quasi métaphysique.
Nos deux personnages en sont donc là à échanger sur le bonheur d’être enfin seuls. Et pourtant elle le sait, « quelqu’un va venir ». Son intuition vire progressivement à la paranoïa et les voilà bientôt obsédés par cette présence potentielle qui viendrait troubler leur intimité. Soudain, on frappe à la porte. La figure de l’étranger apparaît sous les traits du jeune homme qui leur a vendu la maison. Celui-ci a rapidement un comportement troublant, insaisissable. Sa venue matérialisée l’angoisse qui flottait jusque là. Et pourtant rien ne se passera vraiment.

Tout l’art de l’écriture est d’inquiéter sans raison palpable, de suggérer un éventuel drame. Les comédiens Nathalie Pivain et Frédéric Gustaedt poussent le jeu au maximum. Ils déambulent l’air absent et débitent leur texte lentement, chaque mot bien articulé. Ils excellent à nous faire douter. On ne parvient pas à savoir s’ils sont seulement un peu robotisés ou si leur curieuse attitude cache une folie plus profonde.
Quant au visiteur, Thierry Belnet, son rire tonitrue avec des accents inquiétants et son sourire reflète un indéfinissable malaise.
La mise en scène, signée Nabil El Azan, trace un espace confiné. Le plateau est nu seulement habillé d’un éclairage géométrique qui laisse apparaître les ombres des personnages. Une interprétation envoûtante, dérangeante de ce texte où les mots défilent avec langueur, réduits à leur essence première.

Anne CLAUSSE
www.ruedutheatre.info

ÉPERDUS DANS LA RÉALITÉ

La compagnie d’Aurélie Faller-Dauendorfer est née en 2002. La chorégraphe s’est formée à la technique de danse jazz, et dans plusieurs ateliers de danse contemporaine, avec des artistes comme Carolyn Carlson, Robyn Orlin, Philippe Genty. Addiction est sa deuxième création, où elle parle des dépendances qui sclérosent et contrôlent la vie de l’homme commun.


L’espace est dans l’ombre. Deux chaises et des ampoules posées au sol sont les seuls objets. Un danseur et une danseuse dialoguent sur l’amour avec leur corps. Les danses sont virtuoses, rapides. Subitement, les corps changent de rythme, ils deviennent incertains. Dans de courtes scènes, les deux corps représentent l’homme en crise face à sa réalité : les corps sont figés, assis comme devant un téléviseur, les corps ne peuvent pas choisir le rythme de leurs pas dans la rue, et ils sont transportés par la rapidité des événements autour d’eux. Les interprètes dansent jusqu’à s’épuiser, ils se battent contre une entité invisible, quelquefois ils sont pris de frémissements, désormais tombés dans la folie.

Ce sujet d’une société malade, d’un pouvoir invisible qui gère nos vies passe d’une chorégraphie à l’autre du festival Off d’Avignon (d’Ellas de Jesus Hidalgo à Couleurs de femmes d’Yun Chane, de L’Envers du Decor de la compagnie Bruits des corps au Sacre du Printemps d’Heddy Maalem). A certains moments, les corps cherchent à se caresser pour se relaxer, pour retrouver des sentiments humains. D’autres fois, les gestes codifiés de la danse sont fragmentés dans la pénombre. La musique accompagne l’évolution des danses, elle est composée par un bruitage de sonorités de la réalité et par des rythmes pop et rock. Les gestes et les sonorités de la quotidienneté réussissent à figurer la rue aux spectateurs, sans avoir besoin d’images concrètes. Et dans une scène, les corps dansent en tenant dans leurs mains les petites ampoules allumées : ils cherchent dans le noir, par des gestes sinueux, dessinant de petits sourires, comme animés de l’espoir de trouver une (ré)solution à leur existence.

La chorégraphie reste souvent une danse très belle qui oublie de faire évoluer la réflexion sur le sens du spectacle. L’élément fort, le point de départ pour les créations futures de la chorégraphe, pour continuer à se questionner sur la société contemporaine, est la métamorphose des corps, leur changement continuel d’un état émotif à l’autre, qui exprime les possibilités infinies du corps humain d’interpréter et de ressentir différemment sa réalité.


La chorégraphie Addiction, compagnie Faller-Dauendorfer, est présentée au Théâtre des Lucioles, 7-29 juillet, à 15h15 les jours impairs

Festival Avignon Off
Chorégraphie : Aurélie Faller-Dauendorfer
Danseurs : Aulélie Faller-Dauendorfer Pierre Henry Nohé
Musique originale : Olivier Pôt et Wilfrid Connell
Informations : Théâtre des Lucioles 10, rue Rempart St. Lazare 84000 Avignon 04 90 14 05 51 

MAGIC CAR

Sous la chaleur plombante de Villeneuve lez Avignon, à la plaine de l’Abbaye, là où les Cartoun Sardines ont cette année élu domicile au milieu d’autres compagnies, parmi les roulottes, dans un esprit forain qu’ils affectionnent, Philippe Car me reçoit ; à deux pas du chapiteau où chaque soir plus de 250 personnes viennent s’émerveiller et faire bombance de la féerie et de l’inventivité de ces délirants saltimbanques, qui revisitent les grands textes. Torse nu, larges lunettes de soleil, bob sur la tête, difficile de croire, avec son allure de trentenaire et l’intacte étincelle qui l’anime lorsqu’il évoque son métier, que le boss de la compagnie Cartoun Sardines approche la cinquantaine. Les Marseillais ne sont pas nés d’hier.

Le début de l’aventure ?

« C’est dans une école de mime en 1978 que tout a commencé, chez Pinok et Matho, elles-mêmes élèves d’Etienne Decroux. C’est là que nous nous sommes rencontrés avec Patrick Ponce (ndlr, son associé), nous étions deux Marseillais de 20 ans à Paris et avions découvert une façon de travailler encore peu répandue à l’époque, qui ensuite a débouché sur l’École de Jacques Lecoq. Nous sommes revenus à Marseille avec l’idée de travailler ensemble et de transmettre ce savoir en mettant en place notamment des cours de théâtre. (…) C’est un travail spécifique où l’acteur-instrument travaille beaucoup à partir du corps, mais aussi de la voix, en fait, nous n’avons pas appris à faire du mime, mais à inventer du théâtre, à développer une imagerie théâtrale à partir de tout ce qui est à la disposition de l’acteur, ce qui inclue aussi la marionnette, le théâtre d’ombres etc. »

La recette magique du succès des Cartoun ?

« Si nous sommes populaires, c’est parce que nous faisons un travail que nous voulons extrêmement populaire. Je crois que c’est le fait de vouloir rendre les gens heureux, de leur raconter des histoires, comme aux enfants, même si elles sont parfois terribles, souvent énormes et rocambolesques. J’aime l’idée que les gens viennent au théâtre comme ils vont au restaurant. On fait tout pour mettre de la magie dans les spectacles, et l’on met aussi le spectateur en condition, en confiance, avant et après, par exemple avec les loges et les coulisses à nu. Un peu comme si l’on montrait les cuisines d’un restaurant. C’est important pour nous de faire croire à un univers en montrant au public comment on le lui fait croire. On aime que les gens se rendent complices de ce qu’on fait ; et puis, il y a cette part de loufoque, on voit une moustache, un chapeau, une paire de lunettes, et le spectateur retrouve sa part d’enfant et a envie d’en faire autant. (ndlr, dans les villages Cartoun, l’avant est aussi un moment où l’on casse la croûte et l’après est constitué d’une surprise musicale type fanfare). Ainsi, ce n’est plus l’esprit qui dirige, mais nos sens qui prennent le relais et le spectateur se laisse porter. Pour reprendre les mots d’Ariane Mnouchkine, « le spectacle se situe au-dessous du sourcil." »

Toujours de grands textes ?

« En trente ans, nous avons monté finalement six ou sept pièces du répertoire, avec de grands auteurs, alors qu’on a fabriqué plus de vingt-cinq spectacles, beaucoup de créations. On fait plutôt le choix d’un univers d’auteur, c’est pour cela qu’on choisit une pièce qui n’est pas forcément la plus représentative de l’auteur aux yeux du grand public. Par exemple, avec le Malade Imaginé, inspiré du Malade Imaginaire on a souhaité rendre compte de l’atmosphère d’une certaine époque et aussi bien sûr rendre hommage à l’auteur, tout le monde sait qu’il eut son dernier souffle sur cette pièce-là. Avec le Conte d’hiver de Shakespeare, on a voulu croiser tragédie et comédie, aller voir les sources mêmes utilisées par le dramaturge anglais, voir quel a été son propre chemin d’inspiration. Et puis il y a aussi le théâtre de boulevard avec La Puce à l’oreille de Feydeau, qui au départ nous semblait pourtant éloigné de nos centres d’intérêt. »

Tragedy ?

« Avec Tragedy, nous sommes dans une approche plus thématique. On a commencé à y réfléchir en 2003 avec les grèves des intermittents. On s’est remis en question, quelle est notre nécessité, nous, artistes avons-nous une fonction dans la société ou sommes-nous simplement des amuseurs ? On a donc travaillé sur les origines du théâtre, depuis la naissance de l’homme et les premières pièces de théâtre écrites avec des mots pour toucher à l’essence du fonctionnement de la société humaine. (…) C’est vrai, le public nous le dit, il n’y a pas d’histoire d’amour dans Tragedy, enfin si, de l’amour paternel, maternel, filial, fraternel, mais il y a surtout de grands rôles féminins, dans la tradition du théâtre grec, différent de notre patrimoine, plus avare en personnages féminins de premier plan. »

A qui vous comparer, Molière, Royal de Luxe… ?

« C’est vrai qu’avec Royal de Luxe (ndlr, compagnie de théâtre de rue, rendue célèbre par son Peplum, machineries extraordinaires et gigantisme des personnages), nous sommes toutes deux des troupes des années 70, issues des collectifs de création. (…) Ce qui compte pour moi, c’est constamment le retour aux sources. Antonin Artaud disait que « le théâtre est oriental ». Je m’inspire beaucoup du théâtre traditionnel indonésien, notamment à Bali où je me rends souvent. Il a lui-même inspiré la Commedia Dell’Arte, c’est notre héritage. Ce que nous produisons, c’est un théâtre traditionnel inventé, un théâtre de tréteaux, de numéro, de cirque, de la prouesse, du clownesque, oui, nous sommes très influencés par le spectaculaire. Ainsi, dans un spectacle, nous soignons tout particulièrement les entrées et les sorties. »

Des styles différents ces dernières années : confusant pour le public et la critique ?

« L’histoire des Cartoun Sardines, c’est l’histoire de deux personnalités et des directions artistiques parfois différentes. Avec Patrick Ponce, depuis trente ans, nous avons déjà pris des périodes pour travailler un temps sur des choix plus personnels. Patrick a voulu ces dernières années travailler sur le thème du diable, d’où un Faust (ndlr, présenté avec succès au cinéma Utopia Avignon Off en 2004) Le Diable en personne (ndlr, présenté au Chêne Noir Avignon Off 2005, spectacle très critiqué) et un troisième volet en préparation : Lulu. Disons qu’il y a deux identités, l’esprit Philippe Car, porté sur des spectacles festifs, l’esprit caravane, cirque et chapiteau et l’esprit Patrick Ponce, à l’approche plus intimiste. (…) Vous savez, c’est une prise de risque à chaque fois de faire un spectacle. D’ailleurs cette année, nous n’avons pas notre village entier à l’île de la Berthelasse pour des raisons budgétaires. Nous devons faire vivre trente personnes chaque mois, quatre permanents et le reste d’intermittents, avec un budget de 800.000 euros et seulement 20% d’aides et de subventions. »

Le In, c’est pour quand ?

« J’ai lu beaucoup d’articles et d’interviews des artistes invités dans le In dans la presse et je trouve que le In est loin de nos préoccupations, loin du public, de notre manière d’aborder cette discipline, loin de la fête. A Villeneuve, nous avons trouvé un regroupement de vraies troupes, nous avions l’impression que cela n’existait plus, des maisons sur roulottes, un outil de travail à vue, un esprit forain qui apportent un bonheur réel et immédiat au public. Il y a quelques années avec Bernard Faivre d’Arcier (ndlr, ancien directeur du Festival d’Avignon jusqu’en 2003), on avait évoqué l’idée que le In puisse reconnaître notre existence sur l’île de la Berthelasse. Une reconnaissance du In pourrait nous permettre, c’est vrai, de pouvoir jouer dans des théâtres qui ont plus de moyens, pour pouvoir être plus confortables de temps en temps, et ainsi accéder à une reconnaissance par des lieux institutionnels qui nous boudent jusqu’à présent. »

La relation théâtre / public ?

« Je crois que depuis quelques années, l’esprit du théâtre est gâché dans la tête des gens. Beaucoup nous disent, « c’est bien ce que vous faites, c’est pas du théâtre ». Les gens associent le théâtre au fait de s’ennuyer. C’est l’ère du metteur en scène qui a cassé des choses depuis les années 50 en imposant ses vues au détriment de spectacles portés, fabriqués et représentés par les acteurs. Vilar, lui, se présentait comme un régisseur. Le metteur en scène est celui qui régit les idées. En Allemagne, en Italie, c’est cette conception là qui perdure. Pour être un bon metteur en scène, il faut avoir le moins d’idées possibles. Faire face au plateau et lever la main quand on s’ennuie ; on se laisse trop facilement bluffer par ses propres idées, alors qu’il faut se concentrer sur ce qui se produit entre acteurs et ce que produit l’action. »

Vous allez voir quoi au théâtre ?

« J’ai de l’admiration pour deux couples de Belges, Yves Hunstaed et Eve Bonfanti et Abel et Gordon, des vrais clowns. Et parmi mes références, il y a bien sûr le Théâtre du Soleil dont je n’ai jamais raté un seul spectacle. J’aime le caractère épique du travail d’Ariane Mnouchkine. Dans Le dernier Caravansérail, on est dans le domaine du journal télévisé retransmis au théâtre par un poète, c’est un pari fou et magnifique. Et je suis aussi un passionné de l’expérience et des choix artistiques de Peter Brook, tout son chemin expérimental pratiqué avec des acteurs étrangers, ses improvisations en Afrique, c’est un théâtre d’une grande simplicité en même temps. Voilà donc deux extrêmes qui me guident en Occident. »

Si vous étiez un personnage de théâtre ?

« Je pense que le personnage du professeur Hercule dans Tragedy me convient bien. C’est un scientifique rêveur, rempli d’innocence et prêt à croire à tout. Comme pour mon rôle de berger italien dans le Conte d’hiver. Un naïf à qui rien ne pose problème, qui n’a pour seule envie que celle de vivre tranquillement et d’aimer ses enfants. On m’a toujours dit que la vie n’est pas un conte de fées et je continue à vouloir penser l’inverse. (rires) »


-Roméo et Juliette, jusqu'au 17 juillet à 18h
-Tragedy, jusqu'au 23 juillet à 22h15
Festival Off - Villeneuve en Scène
Plaine de l'Abbaye, Villneuve Les Avignon

En savoir plus sur les Cartoun Sardines.

Photo © DR - Philippe Car dans Histoire de Taor Malek, quatrième Roi mage