UN CRU PLUTÔT DE BONNE CUVÉE

Comme chaque année depuis plusieurs décennies, les programmateurs des centres culturels et de l’enseignement viennent faire leur marché de spectacles pour la jeunesse. Cette fois encore près de 40 créations leur ont été proposées. Le bilan est plutôt positif.

Certes, il y eut les inévitables échecs, demi ou intégraux. Comme Île ou ailes ? (Cie pour Rire), théâtre forain au texte creux jusqu’à la vulgarité, à l’interprétation approximative et nullement convaincue, aux pistes ambiguës et brouillonnes. Aussi Dédales (Cri), reprise du mythe d’Icare en emballage vidéo bâclé, à la dérision mal jouée ou Switch on* (Matteo Moles) qui, voulant dénoncer la robotisation, se laisse envahir par la robotique au détriment de la danse. Et encore La Solution belge (Galafronie) où s’est égaré le comédien auteur Jean Debefve qui avait donné naguère des textes et des mises en scène superbes et s’est contenté cette fois de se faire plaisir sans arriver à le partager.

Il faut y ajouter Bulle le funambule (Petit Éphémère), conte simplet, mimé de manière approximative ou le ballet Coussin Cactus (Arcoballo) dont la joliesse gestuelle ne masque pas le vide du contenu. Sans oublier, Chut chut chut (Zygomars). Car avec un décor spectaculaire en diable, ils ont oublié qu’il leur fallait une histoire et non une pléiade de sujets esquissés sans aucun véritable aboutissement. Glissons également quand même, en dépit de l’interprétation de Jean Loubry, comédien subtil, sur L’Histoire de M. Sommer, sans doute parce que Süskind est un auteur ennuyeux (hormis Le Pigeon), parce que la mise en scène est statique. Dommage, puisqu’il y avait de quoi dire à propos d’un être qui « toute sa vie a fui devant la vie ».

Problèmes de société

La plus belle réussite est sans nul doute Tête à claques*  (Ateliers de la Colline). L’inventivité y est permanente, mêlant drôlerie et drame, plaisir et réflexion à propos du rejet, de la marginalisation et de la violence. Vient ensuite Le Barbouti* (Une Cie), leçon d’histoire sur les fonderies, l’exploitation ouvrière sur fond de légende ; leçon de théâtre qui opère sa magie à partir de presque rien. Bourré de trouvailles scéniques et esthétiques, Le Chantier-Babel* (Créa) dresse une fresque impressionnante, parfois confuse, de l’évolution du monde et de la férocité permanente des hommes. Celle-là même que Voltaire dénonce dans Candide* (Arcinolether), classique revisité par une commedia dell arte pas totalement intégrée à la narration.  

C’est d’exclusion qu’il est question aussi dans Achille et Sarabelle (Imaginaction) - voir photo 1 - où une famille est victime des pressions sociétales. Belle efficacité de jeu mais tendance à simplifier et caricaturer à la fin de la pièce. Tour de cochon (Transhumance) - voir photo 2 - parle du système hiérarchique des multinationales, de sa façon de broyer les êtres. Le parti pris d’un jeu mimé très élaboré sombre vite dans le schématique et vire souvent aux grimaces à la Michel Leeb ou à la de Funès. Les dérives totalitaristes s’expliquent à travers le monologue Le Fabuliste* sans vraiment toucher à travers une mise en scène infantile.

Exclusion et rejet raciste sont mis à la portée des petits avec une merveilleuse humanité grâce à La Cigogne et le coucou* (CILeke). Ces deux composantes du monde d’aujourd’hui éclatent dans La Danse des sables* (Copeau) : confrontation des cultures et préjugés occidentaux et musulmans, non sans une certaine démagogie qui rend le message équivoque. Le Bon berger* (Agora) prend prétexte d’un seul-en-scène pour apprivoiser notre peur du handicap. Revisitant l’histoire, celle notamment de Galilée, L'Oeil orange (Inti) décrit l’intolérance et donne une leçon, un peu trop scolaire et donc insuffisamment théâtrale, sur l’évolution des conceptions du cosmos.

C’est un ballet qui aborde l’écologie. À l’ombre des arbres* (Félicette Chazerand) est d’une harmonie visuelle communicative, sorte d’hommage à la beauté de la nature alors que les terriens la massacrent. Une beauté proche anime l’hymne au désert et son appel à la compréhension des civilisations non européennes que constitue Umusegnyl* (Iota). Cette invitation à partager et à comprendre éclate de joie de vivre dans la bouche et les corps des conteurs de Dounia* (Planète Cultures). Quant à la consommation, elle est joyeusement fustigée par le biais des conditionnements médiatiques aliénants dans Holly*  (Isocèle).

Psychologie et sentiments

Les peurs enfantines sont traitées. Avec tendresse et poésie via les danseurs de Plongeurs d’ombres* (4 Haut), parcours au cœur des rêves et de l’imaginaire né de la lecture. Avec une certaine maladresse par Le Chat-requin (Agnès, Alphonse et moi), pièce en un acte proche d’Ionesco, à cause d’une absence de mise en scène ne permettant pas de décoder s’il s’agit d’enfants jouant à singer des parents ou des parents retombés en enfance.

Vivre ses chimères sans opposition des parents, tel est le thème de Bon débarras* (Foule Théâtre). Il débouche sur le besoin de protection ressenti par tous et sur la relativité inévitable de la notion de liberté. Cette dernière se débride grâce aux multiples transformations d’objets des multiples historiettes lancées par Le Moulin à paroles* (Papyrus) si volubile qu’on se perd par moments entre les mots.

Et l’amour ? Il est bien là, ne demandant qu’à surgir parmi les Petites histoire de cœur* (Zygomars), ou au creux de la tendresse légèrement mièvre de Bilie* (Créa Théâtre) ou sensuellement épanouie de Bach… à sable* (Guimbarde) tout en délicatesse musicale et chorégraphique.

Mais l’amour, c’est aussi le sexe. Sans tabous, Ça…* (Mutants) en fait une revue drôle, enlevée mais abordant aussi bien sida, homosexualité, maternité précoce… Mais l’amour, il arrive que ce soit la rupture, la séparation, sujet qu’aborde En blanc* (Musical Possible) en une sorte de parodie d’opéra, massacre des conventions tant théâtrales que sociales. Mais l’amour peut s’avérer déception lorsqu’on mise sur les apparences, comme le démontre avec brio et invention le Riquet Factory* (Diagonale Market).

Que faire contre la solitude ? Que faire pour devenir soi-même et se construire ? Des réponses s’esquissent chez Ranelot et Bufolet* (4 Mains), batraciens en train d’apprivoiser avec bonhomie les voisins, les saisons, la parole. D’autres réponses restent en suspens dans la fuite vers l’imaginaire de Un Monde presque parfait* (Du Public), performance verbale où l’interprète pèche par le recours systématisé à la fonction phatique du langage via des tics répétitifs continus. Solution encore que de changer de vie, de réaliser ses désirs comme l’auguste de Contre-naissance d’un clown* (Ah mon amour). Une fois résolu le problème de son identité, il devient alors possible de rencontrer sa complémentarité. Chose qui arrive aux protagonistes de Où est passé Mozart ? (Anneau), comédie gentille aux limites de la tradition. Bien que, auparavant, il faille tâtonner pour connaître son corps, ses émotions et celles de autres ainsi qu’il apparaît dans les recherches dansées de À corps et cris* (Oz).



Renseignements : CTEJ (Chambre des Théâtres pour l’Enfance et la Jeunesse), 321 Avenue de la Couronne,1050 Bruxelles (0032 (0)2 643 78 80)



PRIX DU JURY :

Le Prix de Madame la Ministre de la Culture Fadila LAANAN, d’une valeur de  2 500 euros, est attribué à Tête à claques, des Ateliers de la Colline

Le Prix de Madame la Ministre de l’Enseignement fondamental Marie ARENA , d’une valeur de 2 500 euros, est décerné à Plongeurs d’ombre, de la compagnie 4 Haut

Le Prix de Madame la Ministre de l’Enseignement secondaire Marie ARENA, d’une valeur de 2 500 euros, est décerné à Un Monde presque parfait du Théâtre du Public

Le Prix de la Province de Liège , d’une valeur de 1 500 euros, attribué à une jeune compagnie est décerné à Riquet Factory, de la compagnie Diagonale Market

Le Prix de la Ville de Huy , d’une valeur de 1 000 euros, est décerné à En blanc du Théâtre musical possible

MENTIONS :

Mention  pour le travail sur la mémoire  : Le Barbouti de Une Compagnie

Mention recherche et audace pour : Contre-naissance d’un clown de la compagnie Ah mon amour

Mention simplicité et  imaginaire : Le Moulin à paroles du Théâtre du Papyrus

Mention Éveil des sens : À l’ombre des arbres de la compagnie Félicette Chazerand/Parcours

Mention approche juste et intelligente de l’interculturalité : La Cigogne et le coucou de la compagnie Arts et Couleurs et Dounia de la compagnie Planète Cultures

PRIX DE LA PRESSE :

Pour la modernisation et la redécouverte d’un conte trop oublié, pour le rythme et la complexité du jeu, pour son discours humaniste, et pour ses belles promesses, le prix du Kiwanis, d’une valeur de 1.000 € va à : Riquet Factory  de la Compagnie Diagonale Market

Pour la magnifique présence des artistes, pour la poésie du spectacle et de la scénographie, pour la rigueur esthétique, pour l’initiation à la danse et à la musique, pour l’épure et surtout pour ces petits grains de sable qui nous chatouillent encore le creux de l’oreille, un coup de coeur à : Bach... à sable du Théâtre de la Guimbarde

Pour l’approche décomplexée et dédramatisée d’une thématique au coeur des préoccupations des adolescents... et des adultes. Pour la manière d’aborder toutes les facettes d’un même sujet, sinon en profondeur du moins par le biais de savoureux préliminaires, pour la forme musicale et l’utilisation inédite, en autres, de Guignol, un coup de coeur à : Ça...  de la Compagnie des Mutants

Pour l’univers industriel auquel il donne corps et âme, pour l’intelligence de la scénographie et la judicieuse direction d’acteurs, pour l’irréprochable jeu des comédiens, pour l’écriture d’une sobre intensité, pour le message social, pour la difficulté des épreuves à surmonter et pour la thématique rarement abordée au théâtre, un coup de coeur à : Le Barbouti  de Une Compagnie

Parce qu’il y a des gifles qui font parfois du bien, parce que chacun est sorti bouleversé du spectacle, parce que l’auteur est allé jusqu’au bout de sa démarche, parce que les marionnettes ont très vite trouvé leur juste place, parce que les comédiens nous ont émus de la première à l’inoubliable dernière réplique, parce que l’on a rarement l’occasion de voir du théâtre aussi complet à Huy, comme ailleurs, parce que, parce que, parce que... notre coup de foudre, à l’unanimité : Tête à claques  des Ateliers de la Colline

Ont participé au vote : Mariane Nihon (RTBF) - Isabelle Spriet (Les Parents et l’Ecole) - Sarah Colasse (Le Ligueur et La Libre Belgique) - Michel Voiturier (www.ruedutheatre.info) - Philippe Vassilieff (Agence Sigma) - Jean-Marie Wynants (Le Soir) - Laurence Bertels (La Libre Belgique)

LE MYTHE DE L’AMOUR FOU

Reprenant quasi dans son intégralité la vieille légende et plusieurs de ses variantes, Paul Emond a écrit une adaptation moderne qui, en dépit de quelques disparités et ambiguïtés, passe bien la rampe. Les Baladins du Miroir, fidèles à leur projet de théâtre forain, l’interprètent dans leur chapiteau itinérant sous forme de spectacle populaire.

La mise en scène de Nelle Paxinou n’élude guère les contradictions. Ainsi le filtre d’amour administré erronément par Brangien aux jeunes gens devient ici action volontaire, du style bon tour joué à des compagnons, avant d’être catégoriquement niée par la suite. Elle ne brille pas non plus par son inventivité. Les entrées et sorties alternativement côtés cour ou jardin sont monotones. Le plateau tournant qui rend fluides les passages d’une scène à l’autre se contente souvent de tourner sans apporter de surprises.


Mais les Baladins ont toujours aimé le spectaculaire. À défaut de numéros circassiens, ils promènent un immense dragon, ils envoient sur la piste des vaisseaux impressionnants pour relier la Cornouaille bretonne et l’Irlande. Ce seront les seules fantaisies permises cette fois-ci. Par contre les costumes chatoient et leur utilisation derrière des rideaux de tulle rappelle la beauté fragile des fresques murales d’autrefois.

Un spectacle familial

La distribution est particulièrement homogène. Elle joue avec une diction étudiée qui rend l’ensemble un peu froid et ne parvient pas à couvrir systématiquement une musique exécutée en direct par un quintet allègre. Heureusement, Geneviève Knoops, en narratrice amusée, entre vite en connivence avec le public ; les pitreries des barons Abdel El Asri et Diego Lopez Saez ponctuent l’histoire ; la dégaine dégingandée de Sophie Lajoie en nain bondissant donne du piment à ses interventions.

La première partie est agréable. La seconde, avec ses épisodes secondaires empruntés çà et là, s’étire, ne renouvelle pas grand-chose. Quoi qu’il en soit, l’occasion est belle pour entrer dans un mythe que peu de gens ont lu en dehors de quelques extraits étudiés en classe. Ils y retrouveront l’origine en littérature française de la passion amoureuse plus forte que raison d’état, morale et convenances. Ils glaneront d’autres souvenirs d’école : les ordalies, le rejet des lépreux, les combats à l’épée…



Tristan et Yseut
Texte : Paul Emond
Mise en scène : Nele Paxinou et Olivier Magis
Distribution : Alain Boivin, Alexandre Crepet, Abdel Al Asri, Suzanne Emond, Geneviève Knoops, Sophie Lajoie, Diego Lopez Saez, Virginie Pierre, Coline Zimmer, Wout De Ridder
Musique : Wouter Vandenabeelle
Scénographie : Aline Claus, Saïd Abitar
Costumes : Sylvie Van Loo
Maquillages : Serge Bellot
Lumières : David Taillebiuis, Michel Hayoit


Créé au festival de Spa le 19 août ; présenté au festival du Théâtre au Vert de Silly les 29 et 30 août 2007.
En tournée : Arlon (Parc des Expositions) du 21 au 24 octobre ; à Montigny-le-Tilleul (Parc communal) du 14 au 24 novembre ; à Boisfort (place Andrée Payfa-Fosseprez) du 29 novembre au 9 décembre ; à Liège (Esplanade St-Léonard) du 14 au 22 décembre.

Production : les Baladins du Miroir

Photo © Abdoul Aziz Soumaïla.

ALERTE AUX TYRANNIES, HARO SUR LES CENSURES

Un pays sous la férule totalitaire d’un régime qui n’accepte que les lois intransigeantes et  restrictives fait peser sur son peuple une absence de liberté, un embrigadement constant, une surveillance policière permanente, un conditionnement idéologique énergique. Comment vivre en homme sous un tel poids idéologique nationaliste et réductionniste qui vise à régenter aussi la pensée ?

Le discours que Maricourt met dans la bouche d’une enfant décrit une famille dans laquelle la mère penche pour une acceptation du régime tandis que le père fait preuve d’une résistance plus ou moins active. La gamine est partagée entre les deux par un même amour. Elle n’a pour confident qu’un personnage virtuel à qui elle se confie régulièrement.


Ce qui apparaît c’est que la dégradation d’une démocratie contraint les citoyens à deux attitudes contraires : soit se soumettre et abdiquer toute individualité, soit fuir à l’étranger et tenter de reconstruire une vie. Le fait de mettre cet écartèlement de choix dans la tête d’une gamine amène l’auteur à exposer le fonctionnement du système scolaire d’une nation qui a pour but essentiel de formater les esprits afin d’en faire des soumis.

Guère probant

Un message fort réclame un emballage solide. La mise en scène de Barbara Rufin n’y parvient pas suffisamment. Hormis l’intérêt d’un jeu avec des objets transformés (des baguettes de xylophone matérialisant les parents, un tabouret devenant prison…), l’aspect scénique n’est guère probant. Parfois même incohérent comme cette idée que l’enfant esquisse des pas de danse de ballerine alors qu’elle rêve d’être chef d’orchestre. Quant aux éclairages changeants, sensés témoigner des états d’âme du confident virtuel, ils semblent plus plaqués que significatifs.

L’interprétation de Lisou de Henau ne convainc guère. Sauf à de rares moments, on ne le sent pas habitée par ce personnage tiraillé d’un jeune qui découvre l’esprit critique tout en respectant et aimant autant sa mère que son père, qui se pose quantité de questions sans avoir la certitude que ses réponses sont justes. Reste le contenu. Il mérite d’être répandu si nos sociétés continuent à croire en les libertés fondamentales et à combattre les intégrismes, les fascismes, les totalitarismes religieux, politiques, économiques.

Michel VOITURIER
www.ruedutheatre.info

Le Fabuliste, conte triste pour petits et grands enfants
Texte : Thierry Maricourt (éd. Sansonnet, 2000)
Mise en scène : Barbara Rufin
Distribution : Lisou De Henau
Musique : Alexandre Davidson 
Lumières : Aude Ottevanger 

Production : CILeke (collectif CIL) (Bruxelles)/ Ça t’as vu !

Durée : 45’
Public : 9 -11 ans

LAIDEUR INTELLIGENTE CONTRE STUPIDE BEAUTÉ

« Riquet à la Houppe » n’est pas le conte le plus connu de Perrault. Trois filles s’en sont emparé pour le transformer en théâtre d’aujourd’hui. Leur réussite est un coup splendide pour un premier spectacle.

Sachant que Riquet est moche mais surdoué, que les deux héritières du roi du pays voisin sont l’une très belle et fort stupide, l’autre particulièrement laide et maligne et qu’il faudra un jour qu’un mariage unisse les deux royaumes, que faire ? Ce postulat une fois posé, restent les alternatives proposées par une bonne fée : chacun a reçu le pouvoir soit de rendre charmante, soit de rendre intelligente la personne qui serait aimée selon qu’elle est affreuse ou qu’elle est idiote.


Voilà la trame du conte traditionnel. La troupe ne s’est pas contentée de l’adapter. Elle en a fait un conte moderne dans une forme contemporaine. Riquet est en effet écrivain. Il invente les personnages de sa vie. Il crée, tel Frankenstein, les deux donzelles qui nourriront les péripéties de son récit. La disgracieuse sera son assistante pour composer un chef d’œuvre d’écriture ; l’affriolante sera son aimée. D’où un premier motif, celui des créatures dominant leur créateur, des personnages hantant leur concepteur. Avec, en annexe celui de l’élaboration d’une œuvre littéraire, son agencement avec ses rebondissements, son choix de vocabulaire et de tournure de phrase en vue de provoquer des effets sur le lecteur.

Des thèmes éternels en une problématique actuelle

Ensuite se décode la compétition éternelle entre la séduction et la répulsion, l’esprit et la niaiserie, avec son cortège de préjugés liés à l’apparence. Enfin se rajoute le thème de l’amour partagé ou non, du couple assorti ou non, de la passion irrépressible et du mariage désagrégé. Belle brochette d’idées à débattre, auquel se surajoute le traitement du conte de tradition populaire et la confrontation entre langage de maintenant et langue du XVIIe siècle.

Et le jeu dans tout cela ? Il est admirable. Le trio use d’un travail corporel spécifique à chaque personnage.
Ismahan Mahjoub en Riquet se sert de sa voix comme d’un instrument de musique qui module les sons, les déforme, leur donne des timbres différents.
Julie Marichal et Julie Goosens en princesses rivalisent d’attitudes typées, de mouvements presque chorégraphiés. Tout cela pour aboutir à une fin pour le moins inattendue, au point d’accroître encore le plaisir d’une représentation jubilatoire par son efficacité parodique.

 

Riquet Factory
Texte : Création collective (d’après le conte «Riquet à la houppe» de Charles Perrault)
Interprétation : Ismahan Mahjoub, Julie Marichal, Julie Goosens
Mise en scène : Maud Finné 
Éclairages : Patrick Léonard

Production : Compagnie Diagonale Market ( Bruxelles) avec le soutien de Groupov (Liège) et du Centre culturel de Chênée 

Durée : 60’
Public : 9 – 14 ans