SUR LE FIL DE L’IMAGINAIRE

Les enfants aiment s’inventer des histoires, les incarner. Les enfants n’aiment pas que les adultes viennent les empêcher de vivre ces rêves. Mais comment réagir lorsqu’un adulte qui n’en est pas vraiment un débarque dans le rêve ?

Dominique, une fille, s’est construit un château en agençant de vieilles échelles, des escabeaux, des planches dans une pièce débarras de sa maison. Elle aspire à ce que ses parents lui offrent un costume de chevalier pour parader lors de l’anniversaire d’un copain. En attendant, elle s’entraîne à guetter l’ennemi, à ramper entre les meurtrières, à sillonner le chemin de ronde, à mitrailler tout ce qui bouge et ressemble à un ennemi. Un jour qu’elle vient d’essuyer un ultime refus parental et qu’elle exècre ses géniteurs, elle tombe sur une sorte de clochard venu chercher refuge. Il se prétend mage perdu loin des siens et privé de l’exercice de ses pouvoirs.


L’histoire est celle de l’apprivoisement de deux êtres que tout sépare. Qui chercheront à se mieux connaître après avoir été effrayés l’un par l’autre. Qui dévoileront peu à peu leurs secrets. Qui trouveront des accointances et échangeront des points de vue, des idées. Méfiance et rejet feront petit à petit place à estime et amitié.

Philippe Léonard a retrouvé là un rôle où il se sent à l’aise. Il donne à son personnage une densité humaine pleine de failles, de doutes et d’attendrissement. Lise Dineur insuffle une autorité et une brusquerie plutôt forte à son garçon manqué de gamine. Le duo fonctionne comme il se doit au théâtre à travers une succession de tensions et de relâchements.

L’enfant apprend à faire l’expérience d’être soi, de séparer le rêve de la contrainte du concret. Elle perçoit combien un enfant a besoin de ses parents et à quel point on manque aux siens lorsqu’on est séparé. Elle accepte ensuite cet inéluctable de l’existence qu’est le départ de ceux que l’on aime. Fussent-ils sortis de leur imagination. Car finalement, Clément, clodo et sorcier, est-il un être de chair et de sang ou une créature fantasmatique, de celles qui amènent à grandir ?  



Texte : Philippe Léonard 
Mise en bouche : Valérie Joyeux, Kim Leleux, Lise Dineur
Mise en scène : Valérie Joyeux 
Distribution : Lise Dineur, Philippe Léonard 
Scénographie : Emilie Cottam 
Décors : Guy Carbonnelle 
Décor sonore : Vincent Raoult 
Eclairages : Luc Jouniaux
Mouvement : Dominique Duszynski

Production ; Foule Théâtre (Bruxelles)

Durée : 55’
Public : 6-12 ans

Photo © Ph. Jolet

UNE PARTIE DE PELOTES

Un décor bleu et rouge. Des fils, des pelotes. Des instruments de musique étranges. Une bambine et un bambin qui jouent avec tout, avec rien. L’univers est celui des tout petits, ceux qui ont encore tout à découvrir, qui s’émerveillent ou s’effraient de la moindre chose.

Les objets sont à toucher. Ils sont aussi à écouter. Les mots sont à dire. Ils sont aussi à entendre et à savourer de l’oreille autant que du palais. Les enfants explorent. Ils expérimentent. Ils sont partagés entre leur curiosité et leur crainte de l’inconnu. Tout est doux. Tendre. Presque attendrissant.


Les adultes ont l’impression d’observer leurs rejetons lorsqu’ils sont en train de jouer seuls. Ils parlent pour eux-mêmes, inventant des personnages et des situations qui naissent de leur discours même. Ils arpentent l’espace de leur chambre ou de leur salle de jeu en métamorphosant les choses, les personnifiant, les dotant d’une vie extérieure capable de devenir compagne des histoires qu’ils se tissent.

Les chérubins retrouveront probablement ce qu’ils sont. Ils se reverront par leurs propres yeux à travers les comédiens, les choses, tels qu’ils auraient pu être filmés mais sans qu’ils sentent l’intrusion des aînés. Ils seront en confiance pour être ailleurs comme ils devraient être chez eux. En totale simplicité.

La réussite aurait été davantage pleine si l’enchaînement des séquences était réellement joué au lieu d’être juxtaposé. Si le parti tiré des structures sonores des frères Baschet tenait davantage compte des possibilités musicales multiples et étranges de ces instruments qui semblent surtout cantonnés à n’être que des éléments du décor au lieu d’en être des acteurs. Tel quel, le spectacle constitue déjà une bulle sereine de spectacle vivant parmi la prolifération des productions tonitruantes, glapissantes, échevelées, cavalcadantes de l’industrie du dessin animé et du DVD stéréotypés.



Conception et mise en scène : Françoise Flabat 
Distribution : Céline Cambier, Olivier Haesevelde
Marionnettes : Christine Corman 
Scénographie : Françoise Flabat, Christine Corman 
Éclairages : Olivier Haesevelde 
Décor sonore : Olivier Haesevelde sur instruments Baschet 

Production : Créa Théâtre (Tournai)
Durée : 45’
Public : de 2 à 5 ans

Photo © Richard Strapazzon

DEVENIR SOI MALGRÉ TOUT

Lorsque Souffian El Boubsi entame son seul-en-scène, on se dit qu’il va nous parler de lui et de son enfance d’immigré. Comme Sam Touzani dans « Liberté, égalité, sexualité » ou comme Mohamed Barri dans « Lost cactus » dont les propos sont enracinés dans l’autobiographique. Contrairement aux apparences, le propos est tout autre.

Bien sûr, cela commence par le côté révolté de l’ado qui se voit maltraité et méprisé par un père autoritaire, rigoriste, violent, injuste ; écrasé par un frère préféré et considéré comme plus intelligent que lui. Bien sûr, cela se traduit par un comportement agressif, provocateur, intransigeant qui marque un repli sur soi et une sorte de haine latente d’autrui. Et, lorsque le monologue semble tracer un portrait acide de ceux qui apparaissent comme des représentants de l’intégrisme obtus, on se réjouit de l’audace du jeune comédien auteur.


Il n’est bien entendu pas commode pour un musulman de culture de prendre de front un obscurantisme dont les manipulations ont créé des extrémistes aveugles. Alors, Soufian prend le biais du conte initiatique traditionnel pour embarquer son public de jeunes vers les fantasmes de liberté, de réussite sociale et d’amour partagé qui animent chacun, tout en laissant en arrière-plan la présence malsaine des instigateurs terroristes.

Retour sur soi

Il déploie une verve intarissable. Il se livre à une véritable performance orale et corporelle qui tient davantage d’un marathon oral que d’une conférence didactique. Le recours au légendaire illustre sa démonstration qu’avant de parvenir à se connaître soi-même, à s’assumer et à être capable d’aller vers les autres, de les accepter afin qu’ils vous acceptent à leur tour, il faut dépasser la forfanterie de celui qui prétend ne jamais connaître la peur.

Sans doute le langage de l’interprète s’embarrasse-t-il un peu trop de redondances systématiques dans le domaine de ce que les linguistes appellent le phatique, constitué par des tics de langue ou des rappels incessants à l’écoute. Mais le ton direct convainc. Les ados auxquels s’adresse en priorité ce spectacle se retrouveront dans le phrasé, le timbre de voix, le déplacement des accents toniques, le vocabulaire. Ils trouveront peut-être aussi l’envie d’un retour sur soi en vue de dépasser les blocages superficiels mais tenaces, entretenus sciemment par la société, pour séparer les générations et les classes.



Texte et interprétation : Soufian El Boubsi 
Mise en scène : Hamadi

Production : Théâtre du Public (Écaussinnes)

Durée : 1h10
Public : 14-16 ans

Photo © Sara Tant

SEUL POUR TOUS

Sur fond de luttes sociales, une légende raconte de quelle manière les hommes ont utilisé le charbon à la place du bois lors de la naissance de l’industrie. Sa version moderne s’inscrit dans le courant de réflexion écologique.

Un mendiant sénile vend des briquets. Un badaud le paie sans acheter mais lui rappelle qu’ils se sont connus lorsque le vieux était contremaître à la fonderie où le plus jeune travaillait. À l’époque le chef était intransigeant, impitoyable, tyrannique, méprisant. L’autre était remuant, revendicatif, syndicaliste avant la lettre, d’où son surnom de « barbouti », mot patois signifiant « chardon ».


L’exploitation abusive des forêts avait alors entraîné une pénurie de bois. Pour sauver l’emploi, il fallait dénicher un autre combustible. Aux ouvriers d’inventer une solution nouvelle, sous peine de se retrouver sans emploi, massacrés par la gendarmerie sous prétexte d’apposition aux patrons. D’où le recours au charbon. Pour y parvenir, selon le code des contes d’autrefois, il faudra que le héros, après négociation avec une sorcière, passe par l’épreuve de l’affrontement face à la bête Pharamine, celle qui garde le feu.

Une réalisation exemplaire

Les trouvailles de mise en scène aboutissent à une véritable démarche dramatique. Le dispositif scénique, qu’entourent les spectateurs dans une pénombre propice au mystère ; les signes donnés remplacent les coûteuses machineries, les décors faussement réalistes ; une table se métamorphose en plateau, en antre caverneux ; grâce à sa mobilité, une lampe suspendue crée, la présence du monstre sans avoir besoin de le montrer ; des cailloux concrétisent la montagne, leur raclement rend perceptible les mouvements de la terre autant que les grognements de la créature fabuleuse. Les dialogues sont percutants, directs. Les trois comédiens jouent juste, sans effet superflu, usant de leur corps avec une maîtrise expressive.

L’œuvre suscite des prolongements abondants. Elle touche à l’histoire et à l’évolution de l’exploitation abusive de la planète, symbolisée par le passage du briquet à l’ancienne du prologue au briquet à gaz actuel à la fin. Elle fait allusion aux conflits sociaux qui ont émaillé les relations entre les maîtres de l’économique, la force de travail des exploités et les forces de l’ordre utilisées par le pouvoir politique. Elle plonge dans les racines des vieux mythes de la culture populaire.




Texte : Eric Durnez d’après le conte traditionnel « La gardienne du feu » (éd. La Farandole, 1975)
Mise en scène : Thierry Lefèvre et Rebecca Leroux
Distribution : Jérôme Nayer, Juan Martinez, Delphine Veggiotti

Production : Une Cie (Genappe)/Théâtre royal de Namur/Fabrique de Théâtre de Frameries

Durée : 60’
Public : dès 11 ans

NOUS SOMMES TOUS LES ÉTRANGERS DE QUELQU’UN

Fable fraternelle, cette histoire simple raconte simplement de quelle manière rendre simple la relation compliquée entre les êtres.  Elle suggère également que lorsqu’on débarque en territoire étranger, il faut apprendre à apprivoiser les habitants et les coutumes, à comprendre la culture de l’autre.

Une cicogne en migration vers le sud est blessée par la balle d’un chasseur. Elle tombe dans un lieu inconnu et y installe un nid provisoire. Peu de temps après, un coucou, électrocuté par une ligne à haute tension débarque au même endroit. Il parle une langue slave inconnue de l’échassier francophone. Il est, comme n’importe quel coucou, manipulateur et envahisseur. Pas facile de communiquer, de cohabiter dans de telles conditions. D’autant que la première arrivée est intransigeante : pas question d’empiéter le moins du monde sur « ses » terres.


Le début de l’histoire, situé dans le lieu clos d’une forêt où est disposé le public enfant, a des allures de farce réjouissante. L’opposition des caractères, la tension qui les confronte, les différences culturelles qui les constituent, sont drôles, accessibles aux petits par leur aspect burlesque, aux adultes par des jeux de mots ou des allusions amusées.

Le tout est émaillé de trouvailles multiples. Des objets miniatures permettent de raconter des historiettes rigolotes et tendres à propos du passé de chacun. Des animaux marionnettes illustrent des situations, concrétisent des rêves. Cela et des ombres chinoises au climat fragile et poétique, vers la fin, mène le scénario du côté d’une grande délicatesse émotive. Les sentiments d’hostilité se sont mués en solidarité puis en amour.

Martine Godard et Thierry Hellin incarnent des animaux marrants. Ils les interprètent à la façon de la commedia dell’arte. Ils y ajoutent beaucoup d’humanité. Et, aspect non négligeable, ils incitent leur public à une analyse très concrète du phénomène de l’incarnation de l’imaginaire par le théâtre, de l’écart qui sépare le réel de la fiction.


Texte : Création collective
Mise en scène : Agnès Limbos et Pierre Lafleur
Distribution : Martine Godard, Thierry Hellin
Lumière : Joël Bosmans, Bruno Guns
Costumes : Emilie Cottam
Décor : Robert Delcour

Production : Arts & Couleurs ( www.artsetcouleurs.be )
Public : de 4 à 8 ans
Durée : 50’

Photo © Erik Ducheils