SOPHOCLE CHEZ LES SDF

Longtemps interdit en Pologne, le texte de Janusz Glowacki est joué au Théâtre de La Luna dans un décor et une mise en scène soignés et par des comédiens parfaits en tout point.

Un banc en bois dans un parc de New York, dépouillé de sa vie, l’hiver. Anita, SDF à l’âge indéterminé qui traîne toujours son caddie avec elle comme une tortue traîne sa carapace, vient réveiller Sacha, endormi sur le banc sous sa couverture. Elle cherche Paulie, l’homme qu’elle aime. Flea, toujours en quête d’un peu d’argent à escroquer et compagnon de banc de Sacha vient les rejoindre. Paulie est mort. Sacha et Flea vont donc se mettre enquête de son corps pour lui offrir un enterrement digne, près des siens.

Janusz Glowacki, l’auteure polonaise d’Antigone à New York a repris la trame de la tragédie de Sophocle pour la replacer dans un contexte contemporain et dans le microcosme des sans domiciles fixe. Le texte est magnifique d’humanité et d’intensité. Ces SDF sont, certes, des figures grotesques et boiteuses, mais ils sont tellement plus humains que le personnage inquiétant du policier, habillé en homme d’affaires et qui expose avec cynisme les procédures d’interpellation des contrevenants.
Anita et Paulie, Flea et Sacha puis Sacha et Anita, les SDF fonctionnent en binômes qui s’attachent l’un à l’autre comme à une bouée de sauvetage crevée. Ces clochards en guenilles sont en vérité un miroir de notre vie car ils ne réagissent pas face à l’oppression symbolisée par le policier. Ils préfèrent s’emmurer dans des rêves impossibles que la société leur fournit à l’image d’une Marilyn Monroe dont le portrait trône au sommet d’un arbre mort. Ils préfèrent se faire des promesses qu’ils ne tiendront jamais. Ce cadavre, finallement, c’est leur honneur et leur dignité qu’ils ont perdus, comme ça, sans s’en rendre compte, et qu’ils tenteront de récupérer dans un sursaut d’orgueil.

Les quatre comédiens sont émouvants et confondants de vérité. Samir Dib, Céline Sorin et David Marchetto ne cherchent pas à rendre leurs personnages meilleurs qu’ils ne le sont. Le pathos est exclu de cette tragédie et il ne reste au fond que de la tendresse pour ces héros marginaux.
François Juillard campe un policier féroce de cynisme, représentation douloureuse de notre bonne conscience.
La mise en scène d'Alfred Le Renard est sobre et bannit les grands effets. Il se contente d’épauler un texte déjà puissant et d’accompagner d’excellents comédiens. Cette Antigone à New York est magnifique. Magnifique et accablante.

Antigone à New York de Janusz Glowacki
Mise en scène de Alfred Le Renard
Décors de Jean-Marie Baré
Lumières de Jérôme Lété
Avec : Céline Sorin, Samir Dib, François Juillard et David Marchetto.

Au théâtre La Luna, 1, rue Séverine, Avignon
Du 6 au 28 juillet à 12h10

TENDRE UTOPIE

Ce texte simple ouvre la porte sur un monde de tous les possibles ; on pourrait vivre dans la « rue de la Sardine » de Steinbeck, sans bouger de chez soi. Un très beau texte, magistralement interprété mais à la mise en scène trop lente.

Il y a là Doc, Mac et Hazel. Alias Philippe, Joël et Sergeï. Trois Sans domicile fixe qui cherchent un banc pour dormir. Trois destins qui se mutualisent autour d’un roman de John Steinbeck. Et rêvent du jour où ils pourront enfin partir pour Monterey, Californie. Là bas, ils sont attendus. Dans cette « Rue de la Sardine » dépeinte maintes fois par le romancier. Et ils s’y voient déjà, dans leur palais idéal, entre Lee Chong, les filles de chez Dora et l’usine de sardines. Et leur misérable sort en bandoulière, ils quittent les contingences de leurs pauvres vies pour se projeter, tout de suite, dans ce monde parallèle qu’ils se sont créé. Un monde imaginé par Steinbeck qui devient leur quotidien et leur permet de vivre. Tout simplement.


« 2, rue de la Sardine » est un texte empreint d’une poésie toute particulière, qui ne découle pas des mots mais de l’univers qu’il décrit. Et l’on ne peut que suivre les délires des uns et des autres, adhérer à leur rêve et se voir, nous aussi, en train de boire un verre avec eux ; et avec les personnages de « rue de la sardine » aussi bien qu’avec ceux de « Tendre jeudi ».

Notamment car les comédiens nous font toucher du doigt le rêve des trois pauvres hères. Avec une mention toute particulière pour le jeu de Fabien Boseggia. Etonnamment crédible dans son rôle de naïf bégayant. Et s’il signe en outre, avec talent, le texte de la pièce, peut-être aurait-il du prendre davantage de recul pour la mise en scène, qu’il conduit également. Celle-ci peut, en effet, paraître un peu trop molle en début de pièce. Le temps de réponse des comédiens semblant parfois bien long. Et le rythme tardant un peu à cadencer le spectacle.

La découverte est cependant des plus agréables. Un peu de rêve dans un macrocosme de solitude, un peu de compassion et de solidarité dans un monde par trop individualiste. La leçon est belle. Et bien faite.


2 rue de la Sardine
Au Buffon théâtre, à 15 h20 - Avignon Off 2007

Photo © DR

TALENT RARE

Jonglant des émotions comme des situations, Edwige Bourdy étourdit la scène. Et offre à son public un surprenant spectacle de music hall où strass et paillettes sont remplacés par les larmes et le rire. Simple et éblouissante.

Arlette a la scène dans le sang, le chant dans le cœur et du talent à revendre. Mais Arlette n’a pas de chance et à l’éprouvant exercice des auditions, personne n’a jamais voulu lui en laisser une. Ni grande, ni petite. Et les « merci, mademoiselle, on vous rappellera » ou autres « au suivant ! » ont presque eu raison de ses rêves. Presque seulement. Et cet après-midi, elle s’offre une dernière chance. La toute dernière…  Mais le producteur tarde à arriver. Alors, en l’attendant, de rêves en confidences, elle se livre au pianiste du lieu. Lui contant la valse de ses auditions, elle lui offre la magie de son éventail de talents.


Et Edwige Bourdy est éblouissante dans ce rôle de femme drôle et fragile, virtuose et chancelante. Un rôle taillé à son incomparable mesure, qui lui va, forcément, comme un gant. Maitrisant parfaitement la technique vocale, la comédienne excelle aussi bien dans le répertoire classique que dans la variété. Et dans l’art de la comédie. Edwige Bourdy, c’est une comédie musicale à elle toute seule. Elle chante à vous donner le frisson, raconte la vie d’Arlette comme si elle parlait de la sienne. Et qu’importent que les mots soient ceux d’Aznavour, les siens ou ceux de Yves Coudray. Ils sont siens.

Adorable en Betty Boop, désopilante en Catherine Ringer et Madonna ou émouvante à en pleurer en Dalida. LA Bourdy démonte la mécanique d’un show-biz broyeur de talent et en fait un bouquet d’émotions qu’elle offre en toute simplicité à son public. Notamment grâce à la musicale complicité de Gilles Baissette. Pour un spectacle qu’ils tissent tous deux avec talent. Du rire aux larmes et des larmes au rire. Enivrant.


L’Oiseau rare
Avec Gilles Baissette et Edwige Bourdy
Mise en scène : Caroline Loeb
Textes : Yves Coudray (sur une idée de C. Loeb)
Au Buffon théâtre à midi.

Photo © DR

LE GLAIVE PAR LE GLAIVE

Allégorie brutale et bruyante pour dénoncer la décadence d’un monde qui n’aime plus ses enfants, « l’Enfant sans nom » dresse, sur la trame du mythe d’Œdipe, un tableau d’une rare puissance. Radical. Et sans concession.

Dès son entrée dans la salle, le spectateur est saisi par le monde agressif, furieux et sale dans lequel on le plonge. Une fille débrayée s’agite sur des rythmes entêtants, dans une danse éperdue. Au milieu de la scène, un trône fantoche, cuvette de WC taguée. Et partout autour, des gens amorphes, comme vidés de toute vie. Personnages vidés de tout sens, dans un monde de dépravation, brutal et abrutissant. Peu à peu se dessine l’histoire d’Œdipe, prince boiteux abandonné à la mort. Enfant sans mère ni père, qui survivra. Malgré l’abandon, malgré les moqueries. Malgré la différence. Enfant qui survivra dans l’homme devenu.


Et le mythe franchit les âges. De – 406 à 2007. De Sophocle à Durif. Un Œdipe pluriel tue son père, commet l’inceste et porte la souillure. Mais qui porte la faute ? Le bras de « l’enfant sans nom » est-il responsable de l’acte qu’il commet ? Ne sont-ce pas les dieux, dieux modernes de nos sociétés du paraître et du vendre, qui ont armé son bras et l’ont poussé au bord du gouffre ?

Le discours, comme la mise en scène et les décors, est sans concession. Impossible d’échapper à ce tourbillon de folie qui entraine les personnages dans une spirale infernale. Les comédiens semblent imbibés de leur rôle, dégoulinant sur scène de désespérance, de haine et de vide. Parfois, une heureuse respiration vient alléger l’ensemble. Mise en abyme, légère et souvent drôle, qui permet de rappeler que l’on est bien là au théâtre. Qu’il ne faut pas gratter bien loin sous le noir propos pour atteindre l’espoir. Qu’il suffit juste de le vouloir.

A n’en pas douter, nous ne sommes pas ici dans une démarche esthétique. Encore moins consensuelle. Le travail s’apparente à une prise de position politique. Qui ne se limite pas à la parole, mais met en œuvre ses propres convictions. La création, bien jouée, violemment mise en scène et esthétiquement abrupte, n’est pas faite pour être belle. Elle est définitivement dans un autre registre. Celui de l’engagement, de la parole et du partage. Un théâtre tourné vers l’avenir. Un avenir que la compagnie « Création Ephémère » construit plus généreux.


L’Enfant sans nom, d’Eugène DURIF (d’après Œdipe Roi, de Sophocle)
Mise en scène de Philippe Flahaut

Théâtre de l’Alizée, à 21h50.

Crédit photo © Michael Bause

NOUVELLE VOIE

Grande métaphore du régime communiste Bulgare des années 80, cette pièce allie humour, aventure, tragédie et dénonciation. Un mélange étonnant, surtout dans l’espace restreint d’un autobus…

Un maniaque, un alcoolique, un vieux paysan, un rebelle rockeur, un joueur de violoncelle VIP, un couple d’amoureux, un duo de divorcés par intérêts, tout ce beau monde conduit par un chauffeur peu délicat qui n’en fait qu’à sa tête… Faisant d’abord ses courses pendant les heures de service, puis voulant aller voir sa maman et finissant avec une bouteille de « gnole » au volant, les passagers sont de moins en moins rassurés et la révolte se fait sentir. Chaque personnage représentant une valeur propre, la dénonciation n’en est que plus sévère. Virages serrés, accidents frôlés, bagarres à l’intérieur du bus… On s’amuse à voir les personnages se révéler à leurs justes valeurs tout au long du voyage, au fur et à mesure que la pression monte jusqu’au point de non retour. Faut-il vraiment faire confiance au chauffeur ? On constatera très vite que non.


Coiffures délirantes, maquillages lourds, ces personnages sont de véritables caricatures. Les amoureux ont l’inconscience et l’espoir de la jeunesse, l’alcoolique titube tout le long du chemin, le paysan joue l’idiot du village, le musicien est si snob qu’il ne veut pas jouer pour la petite société… Le tout pour un melting-people d’un genre nouveau. Le chauffeur dans tout cela reste invisible et pourtant toujours présent. Situé à l’étage du bus, il représente un régime politique contrôlant la totalité du véhicule avec violence et entêtement.
La mise en scène va dans ce sens, avec des lumières soulignant la vitesse de l’engin matérialisé par un squelette en métal posé sur des ressorts. Le tout est mouvant, avec des sièges renversables, des fenêtres simulées avec virtuosité et une échelle démontable pour rejoindre le conducteur. Ce mécanisme fonctionne à merveille, avec des possibilités de jeu multiples, ce dont ne se privent pas les comédiens…

La mise en scène est très réussie, les personnages sont parfaitement bien dessinés, les rebondissements surviennent assez souvent pour maintenir un rythme cadencé. Des chants bulgares s’ajoutent à la fête, ainsi que des bruitages superbement agencés. La froideur de cette structure de bus en métal nous rappelle à une période où la Bulgarie vivait des jours sombres, à partager avec de l’humour, symbole, dans la pure tradition du théâtre d'Europe centrale et orientale, de résistance et de renaissance.


Texte : Stanislav Stratiev
Traduction: Athanase Popov
Adaptation et mise en scène : Laurence Renn
Interprétation : Raphaël Almosni, Pascan Andres, Lionel Bécimol, Sandrine Bounhoure, Pierre Gérard, Olovier Mathé, Natacha Mircovich, Christian Ruché, Marc Ségala
Scénographie : Thierry Grand
Lumières : Didier Girard
Maquillages : Catherine Saint-Sever

Au théâtre du Chien qui fume à 12h30.

Photo © DR