L'OEUVRE EN PLEIN COEUR

Avec ou sans Roi Soleil, rien de nouveau sous le soleil : l'humain, éternel... Avec des personnages devenus des types, des noms communs, des qualificatifs, avec une œuvre parmi les plus connues, les plus magistrales, les plus accomplies du répertoire dramatique français et de son auteur, Molière, en particulier, le défi de nous en proposer une version moderne nouvelle n'était pas mince. Il y a plusieurs façons de "tripatouiller les classiques". S'y est attaqué Philippe Sireuil, une référence en matière de "révélation de classiques".

Une dimension humaine rarement atteinte ; c'est la richesse de cette pièce en particulier que d'être l'une des plus énigmatiques de Molière et propre à de multiples interprétations oscillant de la satire sociale farcesque au drame intime du couple impossible. Avec "le" Misanthrope" de Philippe Sireuil, son metteur en scène, et de Philippe Jeusette, son interprète, nous dépassons le dépoussiérage et l'actualisation, nous atteignons l'œuvre en plein cœur, dans sa grande et éternelle humanité. Le moindre détail est porteur de sens. Et le tout avec légèreté et un humour très fin qui au début de la pièce - une pièce "sans surprise" pour bien des spectateurs - nous fait découvrir les personnages en costumes d'époque… parce qu'ils reviennent d'un bal masqué. Ensuite nous aurons droit à des "ajustements" qui ne seront jamais gratuits, tels que ces "petits marquis": Acaste/Fabrice Schillaci et Clitandre/Patrick Donnay, en habitués de la jet set, tous ces mondains en vêtements "haute couture" et ce décor très "tendance zen"… de Vincent Lemaire, "bellement" mis en valeur par le metteur en scène, lui-même aux lumières.


En dispositif bi-frontal, nous voilà en vis-à-vis, spectateurs des "pipeule"; nous sommes chez les riches, les nantis d'aujourd'hui et de toujours. Et si Philippe Jeusette donne ici la pleine mesure de son talent, il est entouré d'acteurs qui sous la houlette de leur metteur en scène, ont réussi la gageure de nous proposer une vision originale de leurs personnages (devenus, avec les siècles - eh oui - quelque peu stéréotypés).

On savourera l'Arsinoé de Florence Minder, non plus figée dans un carcan rigide et unicolore, le couple Philinte/Thierry Lefèvre et Eliante/Edith Van Malder qui, de personnages trop souvent falots, prennent de réelles personnalités. Même l'insupportable "faiseur de vers", l'Oronte de Jean-Pierre Baudson, offre un côté pathétique et les valets de Simon Wauters ont du relief. Formidables acteurs que Philippe Jeusette, Alceste, donc et Marie Lecomte, sa Célimène ! Contraste étonnant et touchant : l'ours (dans tous les sens du mot) et la poupée, avec leurs faiblesses qui nous les rendent si proches "malgré" le maintien (qui se fait à la fois avec respect et naturel) des alexandrins et des archaïsmes de la langue. Fragilité de celui qui s'affirme "contre" avec force", fragilité de celle qui semble rire de tout… "Je veux qu'on soit sincère…" dit Alceste dans la toute première scène. Il a été entendu.


Texte "Le Misanthrope" de Molière
Mise en scène, lumière : Philippe Sireuil assisté de Christelle Alexandre
Travail gestuel : Marion Lévy
Scénographie et décor : Vincent Lemaire
Interprétation : Jean-Pierre Baudson, Patrick Donnay, Philippe Jeusette, Marie Lecomte, Thierry Lefèvre, Florence Minder, Edith Van Malder, Fabrice Schillaci, Simon Wauters
Décor sonore : David Callas
Costumes Catherine Somers – Maquillages : Catherine Friedland

Du 6 au 22.03.2008, grande salle du T.N.- Tél : +32(0)2.203.53.03 - www.theatrenational.be

Crédits photos : Mouche   

SINGE, CLOWN, ARTISTE, BÉBÉ, ANGE... TOUS DES PLAGIAIRES

Alors qu'il est occupé à sa production de cet été au Festival d'Avignon, il fait l'objet d'un "focus" à Bruxelles avec exposition, spectacles (1)… dont ce Roi du plagiat (en néerlandais en 2005), l'histoire d'un ange…N on pas celle de "L'Ange de la Mort" (2003) mais celle d'un ange qui rêve de devenir un "singe bavard", un humain quoi ! Un texte magnifique né de la sublime rencontre entre deux "bavards", un auteur et son vecteur idéal, deux artistes parmi les plus intéressants de leur génération : Jan Fabre et Dirk Roofthooft.

"L'Empereur de la Perte" se terminait par "à vos yeux, je serai bien un clown maintenant. Je m'en fous car je présume que des ailes me poussent entre les épaules…" et puis : "Je ferai bien de m'en retourner au début chercher l'avenir…" Et effectivement, comme chez Jan Fabre, rien n'est définitif, "rien n'est jamais acquis à l'homme", on retourne au début, et d'un clown devenu ange, il montre ici l'ange rêvant d'être un humain. D'une vieille accusation de "plagiat" par un critique virulent ne comprenant pas qu'il aime émailler ses "textes-manifestes" de citations, il fait un spectacle, basé sur l'imitation, sur le postulat de départ : l'homme n'a jamais cessé d'imiter. Le bébé qui naît, qui naîtra, va copier, immanquablement.


Il y a une vingtaine d'années, Jan Fabre a créé sa propre compagnie, Troubleyn (de "trouw blijven"/rester fidèle !), ce qui en dit long sur la cohérence et la continuité de sa démarche. Il est ce que l'on aurait appelé naguère "un humaniste" (1), non seulement artiste pluridisciplinaire (théâtre, arts plastiques) mais c'est aussi un homme de culture, convaincu que "l'avant-garde authentique est enracinée dans la tradition" et dont l'œuvre, du reste, fourmille de références.

Dans "Le Roi du Plagiat", il est question de "stein"/pierre et de quatre "Stein" censés fournir – Einstein pour la science, Wittgenstein pour la philosophie, Gertrud Stein pour l'art, Frankenstein pour l'intelligence artificielle - ce qui sera nécessaire à, non pas "l'envol de l'ange", mais tout au contraire, à son atterrissage dans la pleine matière humaine. Illustrant "l'ennui naquit un jour de l'uniformité" et aspirant aux contrastes, aux passions, à l'imperfection, à l'échec, même… Cet ange va pratiquer l'automédication, toucher au cerveau (terrain sacré d'exploration) et accomplir l'acte tabou de l'autocréation. Aussi incroyable que cela puisse paraître, l'ange Roofthooft (car l'empathie et la crédibilité sont parfaites) nous admire. Il nous envie, nous spectateurs, qu'il interpelle, nous qu'il appelle "singes bavards" - à moins que ce ne soit l'acteur exposé à la vindicte du public ? - . Humblement, il vient nous prier d'assister à ses errances et ses progrès dans le langage, dans la construction physique de son imitation… conscient qu'il est de ses limites, de sa vulnérabilité qui nous le rend attachant.  

L'acteur solaire sans qui le texte ne serait que ce qu'il est : "bavardage"…

Avec "Le Roi du Plagiat" - deuxième volet d'un triptyque dont le troisième ("Another Sleepy Dusty Delta Day") est donc en préparation pour Avignon - Jan Fabre et Dirk Roofthooft manient (complices depuis vingt ans, ils ont travaillé ensemble, d'abord à l'écriture) des concepts philosophiques avec le plus parfait naturel, l'acteur jouant de sa voix et de son corps comme un instrumentiste de haut niveau…

Et quel fabuleux acteur ! Polyglotte, favori de deux grands auteurs-metteurs en scène, Jan Fabre mais aussi Guy Cassiers (2), Dirk Roofthooft trouve dans les styles différents de ces deux auteurs de quoi faire éclater les multiples facettes d'un talent qui tel un diamant – le comédien est né à Anvers en 1959 – brille de mille feux, en Belgique comme ailleurs. Virtuose des langues, qu'il manie à la perfection, il est à l'aise dans chacune (français, néerlandais, allemand, anglais, espagnol) quand elle est prioritaire. Il dit s'enrichir de la spécificité de chacune qui ainsi traduit différemment les richesses variées d'un spectacle essentiellement modulable, comme les "performances" chères à Jan Fabre. Et, par exemple, dans la version française du "Roi du Plagiat", il ne manque pas de l'émailler de bouts de phrases et citations en allemand et en anglais…

Alors que ce personnage étrange nous semble si proche, et ce texte presque simple et quotidien, dans une forme qui le destine essentiellement au dialogue avec le public, nous touchons pourtant à de grandes vérités sous-jacentes comme la conscience que nous ne sommes qu'un maillon d'une chaîne, émergence d'un vaste magma de cultures brassées, croisées depuis les origines.


1) N'a-t-il pas été déclaré (lors de son spectacle "Histoire de larmes") "ambassadeur culturel" pour l'Unesco-IHE/Institut pour l'Education à l'Eau jusqu'en 2010 ?

2) 25 spectacles : outre "Le Roi du Plagiat", au Varia, aux Brigittines : "Quando l'uomo principale è une donna" + "L'ange de la Mort" du 12 au 15.3 et du 18.3 au 21.3.2008 et l"'Expo Jan Fabre" au Palais des Beaux-Arts (Bozar) du 7.3 au 18.5.2008

3) Aux Halles "Rouge Décanté", de Guy Cassiers, en version française

Texte "Le Roi du Plagiat" de Jan Fabre/éditions de l'Arche, Paris
Dramaturgie : Miet Martens
Mise en scène: Jan Fabre assisté de Coraline Lamaison
Scénographie : Jan Fabre – Assistant décor : Mieke Windey
Interprétation : Dirk Roofthooft
Lumière : Harryy Cole et Jan Fabre
Costumes : Ingrid Vanhove

Production de Troubleyn-Jan Fabre en coproduction avec les festivals d'Avignon et deSingel, les scènes françaises Bonlieu Scène Nationale, Espace Malraux, Comédie de Valence, en accueil au Théâtre Varia du 18 au 27.3.2008, 20 h 30 (me 19 h 30)- Tél : +32(O)2.640.82.58
www.varia.be - www.brigittines.be – www.bozar.be – www.troubleyn.be

 Crédits photos © Malou Swinnen et Wonge Bergmann

Alors que le Don Juan de Josep Palau i Fabre se joue au Teatro español et que le Circulo de Bellas Artes a présenté une réécriture du mythe dans le cadre du festival du théâtre des communautés autonomes,  au Teatro de La Abadia, Dan Jemmett met en scène la version de Tirso de Molina, El Burlador de Sevilla o El convidado de piedra.

Il est des moments où certaines pièces, certains mythes, concentrent tout particulièrement l’attention des créateurs. En Espagne, la légende du célèbre séducteur est dans l’air du temps. Parmi ses différentes versions, c’est la vision chaotique offerte par Tirso de Molina qui a interpellé le metteur en scène britannique. « Travailler sur "L’Abuseur de Séville" de Tirso de Molina, c’est tenter de faire un énorme puzzle du monde » dit Dan Jemmett. « Mais il ne s’agit pas d’un puzzle ordinaire. Les pièces semblent presque s’emboîter, pourtant, il y a des pays que nous n’avons jamais vus, des villes dont on n’a jamais entendu parler, des mers que nous n’avons jamais entendues nommer. Et tout nous inspire des voyages que, jusqu’à présent, nous n’avons pas encore commencés ».


Pour nous inviter à ces voyages, le metteur en scène et la troupe de l’Abadia se proposent justement de réagencer les éléments du puzzle, en changeant l’ordre de certaines scènes ou en opérant des coupures dans un texte dont on garde le rythme des vers originels. On joue avec les pièces, on les assemble, les désassemble pour rendre la dynamique de l’œuvre.
 
Un jeu baroque

Souci baroque d’effacement des frontières. On déplace, dans le temps (du ska au cabaret, la musique colore le spectacle au son des années 60), dans l’espace (scènes et coulisses sont interverties : les comédiens se changent à vue, tandis que certaines actions sont jouées derrière le rideau). Illusion démultipliée. Hormis le couple central du maître et du valet, chaque acteur interprète trois à quatre personnages. Il en résulte un spectacle vivant et agréable. On s’interroge pourtant sur le bien fondé de ce réagencement. Si ce mélange d’ingrédients hétéroclites confère une certaine fraîcheur au texte de Molina, il manque de cohérence, de cette vision structurante qui est la marque des grands auteurs.

Les acteurs sont néanmoins bien dirigés. Leur jeu est juste et maîtrisé. Antonio Gil, qui a cherché à « tromper le trompeur,  à manquer de respect au mythe », tout en « respectant ce qu’il y a d’universel dans ce classique », campe un Don Juan parfaitement irrévérencieux, tandis que Lino Ferreira interprète un Catalinón délicieusement comique. La scène du second dîner est, sans conteste, une des plus savoureuses. Le lieu de représentation (la salle Juan de la Cruz, aménagée dans une ancienne église) confère en effet une résonance singulière au jeu du maître et du valet s’immisçant à pas feutrés dans la chapelle où réside le "convive de pierre", pour le plus grand plaisir de ces convives de chair que sont les spectateurs…

Alexandra VON BOMHARD (Madrid)

El Burlador de Sevilla o El convidado de piedra, de Tirso de Molina
Metteur en scène : Dan Jemmett
Avec: Ester Bellver, Lino Ferreira, Antonio Gil, David Luque, Luis Moreno, Marta Poveda
Scénographie et costumes : Dick Bird
Lumière : Dominique Borrini

Teatro de La Abadia, du 22 février au 30 mars 2008
Sala Juan de la Cruz
c/ Fernández de los Ríos, 42,  28015 Madrid  - Tel : 91 448 11 81  - www.teatroabadia.com
 

LES AVENTURIERS DE L'ARTISTIQUE

Deux salles, une petite, une plus grande, dans deux coins différents de Bruxelles (enfin de Brussels puisqu'il s'agit d'une structure théâtrale flamande) : KAAITHEATER et KAAITHEATERSTUDIO'S, mais même volonté d'innovation, se voulant "reliés au monde par des milliers de fils". La politique générale de la Maison qui vient de fêter son trentième anniversaire (1) est d'être à la fois une "fenêtre sur le monde" et un lieu exceptionnel situé à Bruxelles et promotionnant "les regards singuliers" issus de ce biotope culturel…

Songs of the Dragons Flying to Heaven : en direct de Little Corea in America ?

Oui, car sous ce titre ne se cache nullement une histoire de kung-fu mais une drôle de petite pièce très "funny". Bien que le "New York Times ait gratifié le spectacle de la jeune artiste "de sang mêlé", Young Jean Lee, de "politically incorrect" tout en étant "directed brillantly", le spectateur européen ne pourra surtout que se sentir complètement dépaysé dans un univers qui mêle allègrement passé prestigieux et folklorique asiatique aux plus récentes dérives sociétales américaines, tiraillé comme la jeune héroïne entre vêtements anciens et jeans moderne. La jeune artiste coréo-américaine a écrit, mis en scène et joue ses propres expériences et ses questionnements - cultureS/identité - avec humour, impertinence et causticité sous son ravissant sourire et ses grands yeux candides. Dans un découpage en séquences brèves, elle fait alterner les scènes à deux, les danses à deux, trois, cinq, l'adresse en soliloque au public… se payant même le luxe de mettre en boîte de jeunes Américains… bon teint (le blanc !) ceux-là.

Texte, mise en scène, interprétation : Young Jean Lee
Ainsi que : Brian Bickerstaff, Juliana Francis, Haerry Kim, Jun Sky Kim, Jennifer Lim, Becky Yamamoto
Chrorégraphie, vidéo : Dean Moss
Production : HERE Arts Center, Diane White & Young Jean Lee's Theater Company

Mythobarbital ("Val der Titanen")
Comme un délire hallucinogène ou une messe ; avec la dernière création de "Abattoir Fermé", on devrait moins ressentir le dépaysement apporté par les jeunes New-Yorkais puisqu'il s'agit d'un collectif belge, de Mechelen/Malines. Ce serait méconnaître l'audace et l'envie de provocation de ces jeunes acteurs et un langage théâtral original qui est propre à ce Collectif, souvent qualifié d'"underground" et de "fleur sur un tas de fumier". La démarche de "Abattoir Fermé" vient d'être récompensée du Prix 2008 de la Culture/Arts de la Scène par la Communauté Flamande.


S'il y a de la déconstruction des gestes quotidiens, une caricature des habitudes du confort et de la consommation outranciers, il y a, aussi, une célébration différente de la matière, sous toutes ses formes. Pour une fois, l'emploi de fumigène ne sert pas à illustrer, renforcer, un propos mais est vu en tant que matière, comme les fluides et liquides, avec une volupté jouissive. Pourrait-on parler de célébration "déviante"? "Abattoir Fermé" avait d'abord nommé son projet en cours de travail : "Déviant" et si le propos (d'abord basé sur le thème de l'échangisme) a évolué, justifiant le changement de titre, les intentions sont restées les mêmes dans le fond : il est toujours question de dérives suprêmes et sublimées…

Cela commence (et finit) par une satire féroce de la vénération des dieux divers de la Société de l'Ennui et de la Consommation : l'Aspirateur devant lequel on se prosterne, le Gaspillage comme marque de prospérité et les mille et un tics de la vie courante pris très au sérieux, sarcastiquement sacralisés. Et puis poussant tout cela jusqu'aux limites de l'absurde, une Grande Déglingue va s'emparer des trois protagonistes : Kirsten Pieters dont l'élégance va se détériorer, se transformer en friabilité, Tine Van den Wijngaert dont la passivité va muter en brutalité et déchaînement sauvage, avec pour maître d'œuvre ("de donjon"?) un Chiel van Berkel tendre bourreau, entre Sade et Pasolini. Quelques mythes et grands personnages seront évoqués, revisités, de façon totalement inédite, bien sûr !

Une "œuvre théâtrale" en forme de rituel sacré entièrement muet, qui se déroulera dans un silence impressionnant et laissera les spectateurs proprement "soufflés", complètement secoués. Salutaire catharsis !

Mise en scène : Stef Lernous et Joost Vandecasteele
Avec Kirsten Pieters, Tine Van den Wijngaert  et Chiel van Berkel
Musique : Kreng
Lumiere : Leo De Nijs
Production : Abattoir Fermé, Mechelen en association avec Kc nOna/Campo/Kaatheater

I/II/III/IIII
Après deux spectacles dans la petite salle, l'un venu de très loin (USA), l'autre de bien près (Flandre), nous voici dans la grande salle où a été placé le dispositif nécessaire à la dernière "oeuvre" de Kris Verdonck -  "I/II/III/IIII" –  et ses spectacles difficilement étiquetables, entre arts plastiques et théâtre, performance et installation. Trois exemples de l'esprit d'ouverture tous azimuts et de modernité du KAAITHEATER.
 
La Grande Manipulation comme thème de saison ? Après "Le Dépeupleur" au Varia, "L'Ecole des Ventriloques" à La Balsa, voici Kris Verdonck au KAAI et une autre façon de remettre en question la condition humaine. Son parcours est des plus complet : études à la fois d'architecture & arts plastiques, d'art dramatique, de littérature. Une explication à son obsession de l'impact de la technologie sur la vie "naturelle": il a réalisé aussi bien des spots pour la pub que des mises en scène pour le théâtre. Noir dans la salle et... noir sur scène. Lentement, apparaît dans la pénombre une jeune dame parée/coiffée comme pour aller à un cocktail mondain sauf que… ses pieds ne touchent pas terre. On découvrira peu à peu, au son d'une musique minimaliste répétitive, lancinante, qu'elle est reliée par ce qu'on croyait être un collier noir-chic à une gigantesque machine. Elle sera comme contrainte par des fils invisibles, rigide, de réaliser des figures incroyables grâce à cette machine, comme elle sera, au bout de la séquence, clouée au ras du sol comme une poupée désarticulée. Icare déchu traîné par terre. Le même traitement sera appliqué exactement de la même manière, et dans le même climat oppressant, à trois autres "dames clonées" se rajoutant à elle successivement. Oui : une, puis deux, puis trois, puis quatre danseuses à la merci d'un "contrôle" de Manipulateur géant. Comme des marionnettes, elles sont suspendues et tentent de se libérer d'une "machine". Pauvres pantins essayant de retrouver un contrôle humain  - ou voulant atteindre une perfection sur-humaine ?- elles deviennent, par l'effet des ombres chinoises en fond de scène, des animaux ailés ou des chimères fantastiques. Hypnotique, ce spectacle de plus d'une heure, qui se veut répétitif jusqu'au malaise, laissera, lui aussi, les spectateurs médusés !

Concept et direction : Kris Verdonck
Dramaturgie : Marianne Van Kerkhoven
Interprétation : Annabelle Chambon, Alix Eynaudi, Gemma Higginbotham, Nikoleta Rafaelisova, Evline Van Bauwel
Musique "live" : Stefaan Quix
Construction/scénographie : Hans Luyten, Dirk Lauxers, Han Wannemakers, Raphaël Rubbens
Production : Margarita production for stillab en coproduction avec le Kaaitheater/Kunstencentrum Vooruit


1) pour cette occasion, le Kaaitheater a sorti une luxueuse brochure en néerlandais relatant les étapes de son histoire, illustrée de nombreuses photos : "Humus 3",  avec suppléments anglais (The book is a good as the shows) et français (Trente ans /1977-2007)

- Du 23 au 26.1.2008 au Kaaitheaterstudio's : "Song of the Dragons Flying to Heaven"
- Du 7 au 9.2.2008 : "Mythobarbital" et ensuite impressionnante série de dates jusqu'en juillet 2008 à travers Flandre, Hollande avec une pointe jusqu'en Angleterre
- Les 26-27.2.2008 : "I/II/II/IIII de Kris Verdonck (idem :après Gand, la Flandre, la Suisse, Bruxelles, la Hollande…) 
Pour ces spectacles qui "tournent" donc beaucoup, voir l'agenda sur les sites : www.youngjeanlee.org - www.abattoirferme.be - www.margaritaproduction.be -

KAAITHEATER : Square Sainctelette, 20, 1000 – KAAITHEATERSTUDIO'S : rue Notre-Dame du Sommeil, 81 à 1000 Bruxelles tous les deux  - Tél : +32(0)2.201.59.65 - www.kaaitheater.be

Crédits photos © "Song of the Dragons…" : Carl Skutsc - "Mythobabital" : Stef Lernous - ""I/II/III/IIII": Giannina Urmeneta Ottiker

VARIATIONS SUR MEYERHOLD

Dans le cadre de la 20ème édition du festival « La Alternativa », Eduardo Pavlovsky reprend Variaciones Meyerhold, qui tourne avec succès depuis quelques années (Buenos Aires 2005,  Madrid 2006…). Dans ce spectacle, l’acteur argentin redonne vie au metteur en scène Vsevolod Meyerhold, exécuté en 1940 pour anticommunisme.

Rien. Noir et silence. Un plateau nu duquel émerge progressivement une chaise, et sur cette chaise, un homme. Meyerhold. Invité en 1939 à participer au Premier Congrès des metteurs en scène, il s’attendait à être honoré pour avoir consacré sa vie au théâtre. Taxé d’anticommunisme, il ne reçut que critiques et condamnations. C’est sur cet épisode, emblématique de l’engagement subversif de l’artiste russe, que Pavlovsky choisit d’ouvrir son spectacle. Rien d’étonnant. Pour cet Argentin, la  liberté de la création est loin d’être une évidence.

Elle passe, avec Variaciones Meyerhold, par un retour aux fondamentaux du théâtre : "l’espace vide" cher à Brook, un homme qui joue, d’autres qui regardent. L’homme qui joue, c’est Eduardo Pavlovsky. Acteur, auteur, metteur en scène et psychothérapeute, il est l’un des initiateurs du psychodrame en Amérique Latine. C’est avec talent, charisme et sensibilité qu’il interprète le rôle d’un autre homme de théâtre, Vsevolod Meyerhold. Elève rebelle de Stanislavski, Meyerhold est le concepteur de la biomécanique –une méthode d’entraînement de l’acteur-, mais aussi un metteur en scène d’avant-garde. Ses principes esthétiques et idéologiques, très éloignés du réalisme socialiste, lui coûteront la vie. Le tragique nimbe le spectacle d’une ambiance angoissante qui pourtant n’exclut ni le rire, ni la surprise. 

Le « quatrième créateur »

Car ceux qui regardent profitent pleinement de la représentation, la parachèvent. La scénographie, des plus économes, en appelle au relais de l’imagination spectatrice. Nous croyons en l’imagination comme en une arme révolutionnaire affirme Meyerhold, et avec lui Pavlovsky.

Brièvement épaulé par Susana Evans et Eduardo Misch (qui interprètent respectivement la femme de Meyerhold et Maïakovski), le comédien irradie la scène de sa présence généreuse, de son implication physique et de son amour de la salle. L’Argentin rejoint le Russe. Tous deux partagent une même foi dans le public, une même volonté de lui offrir le théâtre exigeant qu’il mérite. Le virulent réquisitoire prononcé contre les programmes distribués avant chaque représentation est particulièrement savoureux. Pourquoi ne pas faire confiance au public ? Pourquoi lui imposer d’emblée une grille d’interprétation nécessairement sclérosante ? Il y a  un quatrième créateur après l'auteur, après le comédien et le metteur en scène affirme Meyerhold. Ce créateur, c’est "le spectateur, […] qui doit, par son imagination, poursuivre d'une façon créative les allusions présentées sur scène." Il serait dès lors paradoxal de tomber avec cet article dans le travers dénoncé par Meyerhold. Mieux vaut s’en remettre au silence. Et à l’imagination du spectateur. C’est à son tour d’enrichir ces variations…   
 

Variaciones Meyerhold
Metteur en scène : Martín Pavlovsky
Assistant à la mise en scène : Eduardo Misch
Avec: Eduardo Pavlovsky, Susana Evans, Eduardo Misch.
Son: Martín Pavlovsky
Lumière : Leandra Rodríguez
Costumes : Maria Claudia Curetti

Sala Triangulo, les 25, 26 et 27 janvier 2008
c/ Zurita, 20,  28012 Madrid  - Tel : 91 530 68 91 - www.teatrotriangulo.com